gestión (7)

RSD 2011- Reunión de trabajo en Bahía/Brasil

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Con 10 años de experiencia, la RSD es un actor fundamental en el desarrollo de la danza sudamericana.

Hoy somos una organización regional de referencia, con una reputación construida sobre: una alta capacidad de gestión, un discurso claro que apuesta por la integración regional, comprensión de las grandes necesidades del sector, y una propuesta de articulación que empodera a sus protagonistas.

Además hemos creado nuevos proyectos y procesos de formación, intercambio, articulación y reflexión, aun con equipos reducidos y pocos recursos para todo el trabajo realizado!

Pero no nos olvidamos que la red se construye día a día y que las organizaciones inteligentes se transforman para dar respuesta a nuevos retos, intereses y necesidades. Por eso, y como parte del proceso de sistematización iniciado en 2010, asumimos el desafío de evaluar cómo estamos hoy y qué cosas es necesario cambiar para seguir creciendo y ampliar el impacto de nuestras acciones. 

Por eso, durante la reunión de Bahía avanzaremos en:

  • Realizar una evaluación de los resultados del trabajo 2011
  • Revisar el calendario de trabajo 2012
  • Acordar nuevos mecanismos de participación y gestión de la red y sus proyectos 
  • Aportar al diseño de nuevas estrategias de sustentabilidad y comunicación 

Del 26 al 29 de enero 2012, Natacha Melo, Lúcia Matos, Soraya Vargas, Adriana Benzaquen, Hayde Lachino y Marila Veloso- miembros del grupo de gestión- nos reunimos en Bahía para discutir las propuestas que serán llevadas adelante este año y un nuevo modelo de organización interna. 

No te pierdas las novedades RSD para 2012!

Sigue en este blog todas las noticias de la reunión.

Saludos,

Grupo de gestión de la RSD

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Desenvolvimento de públicos para a cultura

26 de octubre de 2011. Livraria da Vila. Alameda Lorena 1731 – São Paulo

 

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Previo a lanzar estas reflexiones sobre los públicos me gustaría decir que para poder acercarnos al tema que nos ocupa en este encuentro tenemos que dejar fuera de la sala “preconceitos” con respecto a las palabras que vamos a utilizar en este encuentro.

Tenemos que manejar palabras como: consumo, produto, beneficio, precio, utilidade, mercado, economía, valor, marketing, costo, marca, empresa o investimento.

Estas reflexiones nacen de mi experiencia en el trabajo con los públicos de las  Artes Escénicas y de las conclusiones surgidas de dos encuentros internacionales llevados a cabo en España, que son: ESCENIUM 2010: Foro Internacional de las Artes Escénicas (2010, Bilbao) y la Conferencia del Marketing de las Artes Escénicas (2011, Madrid) 

 

REFLEXIONES SOBRE LOS PÚBLICOS DE LAS ARTES ESCÉNICAS


Þ    Existe una preocupación en la conexión de las artes con las personas.

Þ    Para muchos, asistir a actividades culturales y artísticas es una de las cosas que les define, que expresa quienes son y lo valoran.

Þ    Los públicos forman parte de hecho escénico; sin ellos no puede existir comunicación ni producto. La comunicación recíproca es fundamental.

Þ    La razón de ser de las organizaciones artísticas es dotar de significado a las personas a través de experiencias artísticas.

Þ    “En el teatro nos juntamos como comunidad y pensamos sobre la vida

Þ    La primera experiencia artística, es decisiva para el futuro del espectador. debemos considerar a los niños y jóvenes como público del presente con gran valor estratégico para el futuro en el que conviene invertir a través de políticas específicas.

Þ    El público no es tonto, sabe lo que quiere y lo que es de calidad.

Þ    Hay que proponer a los públicos contenidos realmente relevantes y decalidad para poder fidelizar. Mas importante la calidad que la cantidad.

Þ    Que el sector de las artes escénicas debe aprovechar sus singularidades, intentando convertirlas en fortalezas para salir reforzados de la crisis. Que sin emotividad no hay aprendizaje, y que las emociones son el principal activode las artes escénicas.

Þ    El principal canal de comunicación es el boca a oreja. Las nuevas tecnologías nos permiten amplificar este canal a las redes sociales con una elevada penetración social.

Þ    La marca es la clave de la organización, lo más relevante para la organización, lo que debe estar en la parte alta de la pirámide.

Þ    La marca nunca es un logotipo. Todas las personas de la organización pueden dañarla, todas deben defenderla. La marca lleva años de construir y puede ser herida en un solo día.

Þ    La palabraprometer lo que vas a dar y dar lo que has prometido.

Þ    Que el futuro está marcado por la incertidumbre. Nada del pasado nos sirve para saber qué pasará en el futuro. Asistimos a un cambio en el comportamiento ciudadano, que va por delante de nuestra capacidad de respuesta. Debemos tener la capacidad de adaptación a nuevos contextos definiendo lo que queremos ser a partir de cómo somos.

Þ    El espectador no es un sujeto pasivo. Debemos trabajar para una mayor implicación del público en el hecho escénico, promoviendo una actitud proactiva y transformando a los espectadores actuales en cómplices y embajadores para la captación de nuevos públicos. Hasta ahora hemos trabajado para los públicos, y ahora tenemos que encontrar la manera de trabajar con los públicos.

Þ    El coste en que incurre el individuo para disfrutar de un espectáculo es mucho mayor que el precio del ingresso.

Þ    Cómo sobrevivir ante el cambio cultural:

  • Reconocerse a si mismo.
  • Es preciso abandonar toda esperanza de rescate, de ayuda externa.
  • Nadie tiene asegurada la relevancia perpetua.
  • Centrémonos en ver y ser vistos mejor, y no en vender mejor.

Þ    A veces volver a las raíces es más que bueno.

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Transforma tus ideas creativas en proyectos

¿Deseas transformar tus creaciones en proyectos y no sabes por dónde empezar? ¿Quieres postular a un fondo concursable y no sabes cómo hacer un buen proyecto?

 

Ven el próximo viernes 12, sábado 13 y domingo 14 de agosto a Espacio Cultural Nimiku al Laboratorio de Elaboración de Proyectos Escénicos. Éste es un espacio en el que aprenderás haciendo tu propio proyecto, por lo tanto el único requisito es tener la idea que quieres transformar en proyecto.

¡Consulta por descuentos especiales para alumnos de Nimiku y compañías!

Más informaciones al correo espacionimiku@gmail.com ó a coordenadacerocp@gmail.com

Mas info

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Talleres en INDANS - Uruguay

TALLER DE GESTIÓN CULTURAL
Docente: Mary Ríos
DURACIÓN Julio/Agosto 2010
Horario: Lunes 19:30 a 21 hrs. y Miércoles 20:30 a 22:00 hrs.
Cupos limitados



CONTENIDO

Ejes temáticos

1. Financiamiento de Proyectos Culturales: Cómo accionar con Sponsors (Públicos, Privados, ONGs, Fundaciones). El público: Calidad y Valor. Retornos. Impacto. El precio.
2. Agentes culturales: Quiénes son y de qué se ocupan
3. Características de los proyectos culturales
4. Los controles y funciones del Productor:
5. Factores intrínsecos y extrínsecos
6. Legislación pertinente: Derechos de autor, Derechos del consumidor, etc.
7. Negociación: Contratos, Corporaciones, Gremios, etc. Cachés, honorarios, Comisiones, Declaraciones de interés.
8. Proyecto: Etapas, Controles, Planificación, Evaluación
9. Comunicación y difusión
10. Nociones de Marketing
11. Presupuestación y viabilidad económica
12. El espectáculo y sus características:
13. Puesta en práctica: Taller de Elaboración de Proyectos. Elaboración de un Dossier Artístico

FORMA DE APROBACIÓN: Examen final.



http://www.indans.edu.uy/
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Cataluña: Algunos aspectos del Plan Integral de la Danza

Tras más de 3 años de trabajo y espera, el 8 de octubre se presentó el Plan Integral de la Danza, una iniciativa impulsada por el Departamento de Cultura y Medios de comunicación de la Generalitat de Cataluña, trabajada conjuntamente con las dos asociaciones representativas del sector: la Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña (APdC) y la Asociación de Compañías Profesionales de Danza de Cataluña (ACPDC), y asumida por el Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes (CONCA), que establece las líneas marco de actuación en el sector.El consejero de Cultura y Medios de comunicación, Joan Manuel Tresserras; el presidente del CONCA, Xavier Bru de Sala; el presidente de la ACPDC David Márquez, y Jordi Cortés, presidente de la APdC, apoyados por media centena de profesionales del sector de la danza presentaron el Plan Integral de la Danza, un plan marco que quiere abordar el sector de la danza desde una perspectiva integral, que incluye todos los aspectos que afectan al sector. “Hoy es un día histórico para la danza, porque es la primera vez que el Departamento, el CONCA y las asociaciones del sector establecemos el marco de actuación que deben regir las políticas de danza en los próximos años”, destacó el consejero.Según Tresserres, “una de las principales aportaciones del Plan es que combina acciones de ayuda directa a los profesionales y a las compañías con medidas de cariz más estructural (giras, circuitos, creación de nuevos públicos), que benefician al conjunto del sector”.A pesar de que los presupuestos todavía no están definidos, el consejero se comprometió de hacer lo posible por aumentar el presupuesto para la danza en un 10% los próximos tres años, y mejorar las actuales cifras de 7,5 millones de euros anuales.Los objetivos del Plan son nutrir el talento y la creatividad; generar y mejorar las oportunidades de trabajo; acercar la danza a los nuevos públicos e impulsar la reflexión y el debate. Entre las medidas más relevantes del Plan destacan la elaboración de un mapa de espacios de creación; la constitución de una mesa de trabajo con el Departamento de Educación para elaborar un plan de formación en danza; ayudas a los jóvenes creadores para potenciar su inclusión a los circuitos profesionales y en el mercado; becas para la formación continuada; un nuevo programa de residencias de artistas; la redacción de un código de buenas prácticas para creadores y programadores y fomentar la educación en danza en las escuelas, entre otras.Una vez definidos en este Plan los objetivos integrales para el sector de la Danza, se creará una comisión mixta formada por el Departamento de Cultura y Medios de comunicación, el Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes y las dos asociaciones representativas del sector (la Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña y la Asociación de Compañías Profesionales de Danza de Cataluña) que trabajará para establecer un calendario de implementación de las medidas concretas y en un nuevo marco presupuestario para hacerlo posible."Hay mucho trabajo por hacer y el sector lleva muchos años trabajando y ahora más que nunca está preparado para afrontar nuevos retos. El Plan Integral es la primera piedra que debe servir para construir el gran edificio de la danza", asegura Jordi Cortés, Presidente de la Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña.
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AL CIERRE, CARTA ABIERTA Este sábado 31 de enero, después de 5 años de trabajo, hemos cerrado la sala de escenalborde y con ello, se pierde un espacio ganado para la ciudad y las artes escénicas. Tal como lo imaginamos en el 2003, esta sala ofreció, a quienes se mueven por y en el circuito escénico, un espacio para que artistas - chilenos y extranjeros - y público compartieran. Por esto, las preguntas no tardan en llegar: ¿por qué? A muchos les cuesta entender, ya que levantamos una sala, gozamos de una buena imagen, nuestra gráfica es visible en la ciudad, realizamos seminarios internacionales y nuestro trabajo es reconocido tanto a nivel nacional como internacional. Entonces, ¿qué pasó? Pesó la realidad y resulta difícil exponer, en pocas palabras, los motivos que nos llevan a declarar el cierre de la sala. Es un hecho que las artes escénicas no son rentables ni lograrán ser autosustentables en Valparaíso, puesto que no existen las condiciones para ello, aunque el discurso turístico-cultural que se respira en el entorno porteño diga lo contrario. De muestra un botón: el desgaste provocado por la realización del Festival Danzalborde por el escaso apoyo de la Institucionalidad cultural. Durante las dos últimas versiones, el Festival se ha realizado en gran medida, gracias al esfuerzo como plataforma, que ha logrado una gestión internacional superior a los $30.000.000 anuales, más el aporte propio de largas horas de trabajo. Este aporte, contrastado con el total del presupuesto cultural 2008 del municipio o del área nacional de danza del CNCA, ponen esta cifra como un referente. Es una contradicción, si pensamos que el Festival puso el nombre de Valparaíso en el mapa internacional de la actividad cultural desde la danza y con ello ha aportado a la imagen de la ciudad. Tal como lo hemos experimentado, estamos en una ciudad que se presenta como un receptáculo precario para el desarrollo de las artes en general y más aún para las artes escénicas. Una ciudad que gracias a su nombramiento de Capital Cultural y Patrimonio de la Humanidad, es víctima de especulación inmobiliaria en torno al turismo-cultural. Aún no se ha logrado entender realmente que la actividad cultural es un capital significativo para el desarrollo de la sociedad entera; esto se hace más evidente cuando vemos que las inversiones apuntan hacia restaurantes, hostales y hoteles, y constantemente se pone énfasis en que los artistas deben acercarse al lenguaje empresarial, dejando de lado que la empresa puede y debe acercarse a las artes. Cuando la entrada debe costar $1000 o $2500 pesos desde hace 10 años para que asista público, cuando se invierte alrededor de 700 millones de pesos en el período de un mes en mega eventos culturales gratuitos a la ciudadanía -sin ver cómo eso repercute en los artistas y salas locales- la contradicción abruma. No obstante, el asunto no se trata sólo de dinero, ya que a esto se suma el escaso diálogo que existe entre las instituciones y los actores culturales respecto de cómo articular un Valparaíso para la cultura. Ahora bien, una inversión de esa magnitud podría llegar a la comunidad en base a la misma idea de gratuidad e impulsando a compañías y espacios alternativos, generando redes y circuitos que potencien el espacio territorial que es Valparaíso a través de acciones coordinadas; por ejemplo, subvencionando una parte de las entradas de las salas para activar el circuito escénico, beneficiando a una mayor cantidad de actores. Nuestra sala, al igual que otros espacios que se han cerrado, podrían estar funcionando y aportando en un clima de voluntad, diálogo y entendimiento. Y si miramos el territorio nacional, sin ir más lejos, hoy cierra también en Concepción la sala de Calaucán, espacio emblemático de la danza nacional con una larga trayectoria en el trabajo profesional desde regiones. En Valparaíso, lo que sucede en este contexto, es que cuando aparece un nuevo actor que tiene la capacidad de producir en base al fondo del Estado, genera un desequilibrio que termina por aplastar a los independientes si no está dispuesto a mirar y dialogar. Desde este punto de vista, el Estado no puede convertirse en un competidor de los actores a los que se supone debe fomentar. A esto, se suma que el sistema cultural en Valparaíso es muy frágil. Competir con la amplia oferta cultural gratuita, genera una dinámica que impide que las salas puedan surgir. No olvidemos que en la ciudad, históricamente, las salas se cierran; El Círculo y Teatro la Matriz, son un buen ejemplo; en su momento hubo un circuito informal para las artes escénicas en la calle Aldunate que desapareció sin que nadie viera en él una aporte a la ciudad. Por otra parte, sentimos el cansancio de buscar permanentemente canales de asociatividad de cogestión con instituciones privadas y públicas no asistencialista, donde se persiga objetivos compartidos y no sólo se “nos ayude”. Paradojalmente, nuestro trabajo y logros son mencionados en discursos y estudios estadísticos; pero nuestras invitaciones a compartir acciones no son acogidas. Hacemos la crítica respecto del vínculo como actores culturales con las instituciones que se preocupan por la cultura desde lo macro. Qué nos mueve, qué los mueve, cuáles son nuestros derechos y obligaciones como ciudadanos y cuáles son sus deberes y obligaciones como instituciones de Estado, cuáles son las de los privados que también forman parte del tejido social y cuáles son las responsabilidades que, uno por iniciativa propia, decide asumir. No queremos que estas afirmaciones sean recibidas como quejas en busca de culpables; también hacemos autocrítica. En este sentido, nuestro principal error ha sido mostrarnos al entorno desde la solidez que nos da el tener claro qué hacer y hacerlo seriamente. En el entendido de que la sociedad se construye entre todos, es que pensamos que nuestro trabajo ha sido un constante aporte al crecimiento cultural de la ciudad. Desde su línea de capacitación, escenalborde utilizó la sala como espacio para la formación en artes escénicas mediante un diplomado, un plan anual integral, en residencias de creación y constantes ciclos de talleres abiertos de danza y teatro, consolidando un equipo de excelentes docentes que colaboraron con toda su experiencia en los pasacalles 2006 y 2008. También fue un espacio de producción, donde las ferias de diseño independiente fueron una oportunidad para aquellos jóvenes talentos del diseño local para dar a conocer un producto creativo y de calidad; fue escenario de compañías y de creadores interesados en la investigación y en el compartir sus procesos, educándonos junto al público y promoviendo así el intercambio tan necesario en el campo de la creación. Finalmente, el camino construido con nuestro trabajo diario y el de muchos que han pasado por esta sala, se concentra y vierte también en la realización anual del Festival Danzalborde. En síntesis, hemos contribuido esforzadamente, al igual que muchos, a descentralizar la cultura y hemos participado en redes de apoyo que han permitido el desarrollo de las artes escénicas. Pese a todo lo anterior, la sala cierra. Sin embargo, nuestro proyecto es una responsabilidad asumida con el entorno social de forma voluntaria, pero en la medida que se inserta en el tejido social, se vuelve público. Hacemos en el contexto de la ciudad y el país, movemos desde la danza y las artes escénicas nuestras ideas para construir día a día nuestro entorno. Aportamos a la construcción de una sociedad mejor en la medida que nuestro trabajo como profesionales lo permite. Esta semana la sala reunió, a través de diversos seminarios, a docentes y alumnos provenientes de Alemania, Francia, Irán, Brasil, Argentina (Córdoba, Mendoza, Rosario y Buenos Aires) y Chile (Coquimbo, Iquique, Santiago, Villa Alemana, Quintero, Valparaíso y Viña). Mientras escribimos estas palabras, 25 personas trabajan por última vez en el salón de la sala escenalborde, y discuten en profundidad sobre el lugar del cuerpo en la creación escénica, compartiendo reflexiones que dejan entrever diferentes miradas y entendimientos, diferentes acentos y procedencias, pensando juntos cómo construir nuestro hacer. Y hoy nuestra sala deja de existir y a nadie le preocupa realmente, más que a nosotros mismos. Lo que felizmente podemos decir, es que ese “nosotros” es más grande de lo imaginado, es un nosotros que trasciende a la danza misma, y trasciende los bordes de la ciudad, tal como al nombrarnos y soñar nuestro proyecto nos lo propusimos. Todo el trabajo realizado nos permite decir hoy que la siembra ha sido poderosa. Nuestro trabajo se centra en las artes escénicas y es desde allí que trazamos todas las conexiones posibles para aportar a la construcción del tejido social de la ciudad y el país, poniéndonos siempre en un contexto internacional. Sólo podemos decir que, pese a todos nuestros esfuerzos, no confluyeron visiones y voluntades. La sala se cerró, pero seguimos creyendo en el proyecto escenalborde. Como directores queremos agradecer a todos los que trabajaron con nosotros en la construcción de este espacio. Al equipo de gestión, diseñadores, compañías, creadores, docentes, medios de comunicación, colaboradores, alumnos, público, amigos y a nuestras incondicionales familias que también vivieron escenalborde, infinitas gracias. Rocío Rivera e Iván Sánchez Directores escenalborde Valparaíso, 31 de enero de 2009.
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