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Fotografía: Gabriel Valencia

Crítica de Ballet
Por Charles Benner
(Desde Los Ángeles)
04 / 11 / 2017

Entretenida y chispeante resultó ser la tercera y última función que ofreció el Ballet Municipal de Los Ángeles para el atractivo título de todos los tiempos “La Fille Mal Gardée”. Dicha puesta en escena los días 1 y 2 del corriente, responde a la versión adaptada por el maestro Hugo Zárate sobre la coreografía de Frederick Ashton y música de Peter Ludwig Hertel y Ferdinand Herold. El elenco angelino muestra grandes avances además de evidenciar un sentido de grupo muy compacto; aspecto importante para el crecimiento y desarrollo artístico del conjunto. Por otra parte, comprobamos que una importante cantidad de nuevos talentos viene a reforzar el elenco, el mismo que tiempo atrás estuviera en riesgo de desaparecer. Celebramos estos aires renovados, el entusiasmo y profesionalismo con que están realizando el difícil y efímero arte del ballet y la danza en la sureña ciudad de Los Ángeles.

Hugo Zárate, artista transandino afincado en la ciudad de Chillán donde tiene su propio estudio; año a año plantea desafíos de gran envergadura relativa a sus puestas en escena tanto en su escuela como en el Ballet Municipal de Los Ángeles, conjunto que él dirige. Si pensamos que el grueso de los integrantes es mayoritariamente estudiantes y con una gran carga horaria en sus respectivos colegios, sumado al hecho de que la provincia siempre es infinitamente más lenta en todo orden cosas; la lucha por cumplir el propósito impuesto debe ser realmente titánica; no obstante ello, el maestro Hugo Zárate tiene la cualidad de salir siempre exitoso en sus aventuras artísticas. Siempre lucidas y con extremo rigor profesional.

Con anterioridad (diciembre de 2013) vimos una suite de “La Fille mal Gardée” del mismo Hugo Zárate en Chillán con bastante buen resultado e interpretado en aquella ocasión por el alumnado de su propia escuela chillanense. Hoy la puesta en escena contempla la interpretación del Ballet Municipal de Los Ángeles en una versión total de la obra con ciertas adaptaciones y ambientada igualmente en el campesinado chileno. El elenco del Ballet Municipal de Los Ángeles se muestra disciplinado y de buen nivel artístico-técnico. Las tres funciones realizadas en el Teatro Municipal de la ciudad, corresponden a un total de seis conforme al proyecto adjudicado del Gobierno Regional del Bío Bío), para llevar el ballet a diversos espacios y comunas de la Región. Durante el mes de enero de 2018, los parroquianos de Santa Bárbara, Quilaco y Nacimiento, podrán disfrutar de esta divertida comedia bailada donde la severa Doña Simona, termina cediendo a los caprichos de su hija Lise.

“La Fille Mal Gardée”, es quizá el ballet más antiguo que continua representándose en la actualidad en los grandes teatros del mundo con extraordinario éxito. Corresponde al género de la comedia danzada, o también llamado ballet demi-carácter, cuyos personajes deben transitar tanto por la danza como por el recurso de la pantomima y la actuación con gran propiedad. Jean Dauverbal, coreógrafo francés se habría inspirado en un grabado de Pierre-Antoine Baudouin. Se estrenó “La Fille mal Gardée” en Bordeaux, Francia en 1789 en plena Revolución Francesa.

La versión más popular conocida en la actualidad es aquella creada por Sir Frederick Ashton en 1959 y estrena en Londres en 1960. Los protagonistas, un par de jovenzuelos cuyo argumento gira en torno al encuentro de un muchacho y una chica a cuya felicidad, la madre antepone sus propios intereses. El triunfo de la pareja es decisivo dejando entrever un toque revolucionario para la sociedad de la época y sus costumbres.

Atractiva es la revisión y adaptación coreográfica del maestro Hugo Zárate para este título con el elenco angelino. Interesante es la concepción y estética la cual pasa por ambientarla conforme a la tradición del campesinado chileno. Por lo mismo, esta puesta en
escena es muy cercana a todo espectador. Los roles están bien delineados y asumidos en propiedad por sus respectivos intérpretes.

Gladys Henríquez acierta en su desempeño como actriz-bailarina. Se entrega a la actuación logrando una Lisa fresca, divertida y chispeante. El tono comedia lo incorpora bastante bien y con propiedad a la paleta interpretativa. Martin Villar, es un buen soporte para Gladys Henríquez, no obstante requiere de mayor compromiso técnico-actoral especialmente para el ballet comedia, donde los detalles son valiosísimos para la comprensión de la historia. Ariel Cuevas (Gaspar), un rol compuesto correctamente permitiendo el dialogo escénico con fluidez conforme al argumento.

Hugo Zárate (Doña Simona), logra dar el tono correcto para el personaje jugando con matices y dinámicas que enriquecen la escena Nos ofrece una Simona gruñona, bastante campechana y divertida a momentos. Lucida es su “Danza de los Zuecos” junto a Catalina Erices, Sonia Mardones, Javiera Olate y Fetnah Zegpi. Cabe señalar, que el logrado trabajo escenográfico propuesto por Néstor Sepúlveda y Rodrigo Zurita sumado a la cantidad de elementos de utilería que requiere este Ballet Comedia es del todo aplaudible. No decimos lo mismo en cuanto al vestuario, si bien cumple con el estilo conforme al carácter de la obra, sentimos que el tono azul predominante, resta calidez a la trama. Junto a los protagónicos, el resto de los personajes que componen esta divertida historia, están bien ejecutados por el elenco cumpliendo el perfil requerido. Sin duda una labor y montaje de esta envergadura en provincia, es toda una hazaña y por supuesto el gran mérito es destacable en el maestro Hugo Zárate
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"VOLVER"
Fotografía: Gonzalo Muñoz

Critica de Danza
Por Charles Benner
(Desde Concepción)
24 /10 / 2017

La escasa oferta artística en cartelera referida al arte coreográfico penquista, se vio recompensada los días 13 y 14 de octubre en la sala del Teatro Concepción tras la puesta en escena de “Volver” de Paola Aste e interpretada por el Colectivo Calaukalis. La premiada artista local quien desde hace unos años desarrolla su actividad en diferentes centros artísticos de Santiago, ha concedido un paréntesis volviendo a su natal Concepción para retomar, reconstruir y reposicionar la creación de contenido en la escena local. Si bien, la ciudad de Concepción cuenta con un amplio movimiento danzante en diversos estilos además de entusiastas cultores del folklore, baile árabe y rutinas del ballroom entre otras expresiones recreativas; la danza de culto, aquella que requiere elaboración escritural basada en un lenguaje codificado de alta escuela y sólido respaldo técnico sumado a cuerpos preparados para su ejecución, aún es una realidad distante en la urbe del Gran Concepción. Por ello, cuando surge una propuesta interesante de inmediato concita la atención de la crítica especializada.

A finales de 2012 Paola Aste nos brindó “Ay de mi Violeta”, pieza coreográfica de gran valía cuyo éxito le ha significado vigencia hasta el día de hoy. En aquella oportunidad, el montaje para el Colectivo Calaukalis contó el respaldo financiero del Gobierno Regional del Bío Bío. En esta ocasión una nueva propuesta la posiciona una vez más como el gran referente creativo de la danza moderna y contemporánea penquista. Esta vez “Volver” es el título de la obra y corresponde a un Proyecto Fondart de Creación Regional 2017 en la interpretación del Colectivo Calaukalis. Por otra parte, la pieza coreográfica lleva la firma de su hermano Cuti Aste en la composición musical.

Paola Aste, retorna a la escena local proponiendo un lenguaje más cercano a la danza contemporánea que aquella basada en los tratados de la danza moderna o los principios de la Técnica Limón los cuales le observáramos en creaciones pasadas. “Volver”, volver del dolor, de la angustia, de la alegría… en fin, un volver desde la memoria emotiva profunda y otras algo superfluas en una variada paleta tonal nos ofrece la coreógrafa en esta danza. Pieza sin línea argumental o narrativa explícita nos pasea estrictamente por el corpóreo. El intérprete, un cuerpo humano en movimiento cuya memoria registra acontecimientos de la vida en diversas e intrincadas facetas, entrega una danza cargada de dinámicas e intensidades diversas constituyendo un reservorio de imágenes almacenadas en distintas tonalidades que surgen gradualmente a medida que se activa la memoria y el cuerpo recuerda. Advertimos un dedicado trabajo exploratorio del movimiento especialmente en lo que refiere a la extremidad superior. Desde lo conceptual, Paola Aste concreta ideas dando fluidez escritural a la pieza danzada. Un pasado reflexivo llevado a un presente racional. Una radiografía corporal develando las profundidades del alma, aquellas que a veces la razón intenta olvidar.

Música sugerente, interesante experimento carente de armonía estructurada plantea el compositor para respaldar la idea escritural de la coreógrafo. Cuti Aste recurre a lo que podríamos llamar “estímulos sonoros” para el desarrollo compositivo de esta pieza bailada. Nada definido en cuanto a forma musical o estilo reconocible; pero sí, un soporte concreto para la arquitectura de la obra. Agudizando el oído, podemos identificar un leve guiño referido al son impresionista.

Definitivamente estamos frente a una composición exploratoria, de laboratorio musical cercano al género de la música incidental y concepción contemporánea que justifica su estructura sonora solo en la acción escénica. Al no existir melodía definida (excepto un pequeño pasaje), pulso latente y ritmo concreto, la creación de Cuti Aste debe ser “oída” con los ojos muy atentos.

El diseño escénico y concepto visual obedece a la imaginativa plástica propuesta por Ricardo Sepúlveda. El uso de transparencias como apoyo escenográfico permite mostrar la historia de los cuerpos y su ascendente psicológico en plenitud. Imágenes de genuino impacto dramático y otras de contenido más liviano, transitan amigablemente en la escena.

Los bailarines Eduardo Aguilera, Andrea Briano, Macarena Nahuelcura y Juanita Paz Saavedra; respaldan en propiedad la demanda solicitada por la coreógrafa en los aspectos técnicos de la danza y sus trayectorias, y mayor solidez en el área de la interpretación. El diseño de luces realizado por Mauricio Campos es rico en intensidad y temperatura creando atmosferas muy acertadas para esta composición danzada.

En cuanto al vestuario, advertimos una elaboración cuidada acorde al concepto y diseño integral. Ello se agradece, ya que en ciertas ocasiones hemos asistido a muestras coreográficas donde el vestuario no constituye un aporte a la creación transformándose finalmente en un estorbo visual. Evidentemente, en esta ocasión estamos frente a un grupo de trabajo con tareas asignadas y cumplidas a cabalidad. Sin temor a equivocarnos, podemos aseverar que los recursos entregados por Fondart para esta producción y creación, están plenamente justificados.

Conclusión
Paola Aste, referente obligado de la danza moderna-contemporánea y baluarte regional, debiese contar con un verdadero respaldo institucional en vías de recuperar aquel valioso emprendimiento que un día realizara en la ciudad de Concepción cuyo aporte dejó huellas tan profundas, que hasta hoy nadie ha vuelto a transitarlas con solidez y propuesta de altura. Una carrera universitaria referida a la danza en la Región del Bío Bío no sería una idea descabellada. Tal vez un bien necesario y un retorno

Fotografía: Catalina Garcés

Crítica de Ballet
Por Charles Benner
(Desde Chillán)
15 / 08 / 2017

Una fructífera y prometedora alianza entre Hugo Zárate y su Estudio de Danza más la Orquesta Sinfónica Juvenil Claudio Arrau dirigida por Carmen Mella Mora, dieron vida a la pieza musical “Pedro y el lobo” del compositor Sergéi Prokofiev el pasado sábado 12 en el Teatro Municipal de dicha ciudad. El montaje de este cuento musical en formato ballet, fue posible gracias a los fondos otorgados por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Fondart Nacional Convocatoria 2017, proyecto bajo el título “DanzArte”.
Con la presencia de la primera autoridad de la ciudad, el alcalde Sergio Zarzar Andonie, sumado a Juan Pablo Garrido, director de la Escuela de Cultura Artística de Chillán, como también artistas de diversas disciplinas y bailarines tanto regionales como capitalinos, más público general e infantil, repletaron las aposentadurías del teatro premiando con efusivos aplausos la cuarta y última representación del “Pedro y el lobo”
De las páginas musicales del compositor y pianista ruso Sergéi Prokófiev (1891-1953), es “Pedro y el lobo” una de las piezas universalmente más conocidas del autor reuniendo en ellas, una gran riqueza melódica. Una obra programática concebida para un narrador instrumentos solistas y orquesta.

Niño prodigio, a los nueve años estrenaba su ópera “El Gigante”, una primera composición para ser ejecutada por miembros de su familia. Una vez matriculado en el Conservatorio de San Petersburgo, recibió lecciones de maestros como Anatol Liádov (1855 – 1914), Nicolái Rimski Kórsakov (1844 – 1908) y Aleksandr Glazunov (1865 – 1936). Tempranamente manifestó un gusto musical de avanzada para su época lo que le valió el apodo de enfant terrible de la música rusa de la primera década del Siglo XX. Tras los acontecimientos de octubre de 1917, Prokófiev busca en occidente su residencia para componer y desarrollar a la vez su actividad pianística. En 1933 decide volver a su patria, donde desarrolla una nueva etapa en lo musical derivando a un estilo más clásico con un componente melódico mayor. De este período vendrían “Pedro y el lobo”, los ballets “Romeo y Julieta”, “La Cenicienta”, las tres “Sonatas de guerra” para piano, la “Sinfonía N° 5” y la monumental ópera “Guerra y paz” entre muchas otras composiciones.

A finales de 1935, Natalya Sats (1903 – 1993), directora del Teatro Infantil de Moscú, en su interés por despertar en los infantes el gusto por la música, encarga a Sergéi Prokófiev, la composición de una sinfonía para niños. Prokófiev, intrigado, pero motivado a la vez, se entrega de lleno al desafío concluyendo la partitura de “Pedro y el lobo” en tan sólo cuatro días. El estreno fue el 2 de mayo de 1936. En aquella ocasión la acogida no fue del todo feliz. El propio compositor expresaría más tarde: “la asistencia fue pobre y no consiguió atraer mucha atención”
El Ballet

Desde 2008 en adelante el artista transandino afincado en la ciudad de Chillán, y tras una dilatada carrera profesional, se ha constituido en un referente mayor de la danza clásica en el sur de Chile. Su calidad artística, profesional y formativa ha quedado demostrada en el transcurso de estos años al frente de su propio estudio, como también a cargo del Ballet Municipal de Los Ángeles. Su propuesta “Pedro y el lobo”, contempla un aporte visionario, pues va dirigido a un público objetivo, los niños, y con ello despertar el interés y gusto por el estudio de la danza. Por otra parte, la alianza entre el Estudio de Danza que él dirige y la participación de la Orquesta Sinfónica Juvenil Claudio Arrau, son una muestra irrefutable de que las ideas se ejecutan cuando existe disposición y voluntad. Dos instituciones jóvenes referentes de la ciudad marcando un hito en la escena regional.

El elenco de “Pedro y el lobo”, compuesto por elemento local y formado en su propio estudio hablan de un potencial valiosísimo y que junto a los músicos de la Sinfónica Juvenil conforman una plataforma real, aspecto a tomar en consideración por las autoridades competentes en la planificación de temporadas estables de ambos conjuntos en el nuevo teatro de la ciudad chillanense.
En cuanto a la coreografía (Hugo Zárate), podemos observar un lenguaje simple y bastante comprensible al público objetivo. Buen diseño de piso potenciando los recursos existentes y sumado a la solución dramática ejecutada por un narrador. Aspecto que hace muy cercano el ballet para los infantes, como también para los grandes con alma de niños.

Destacamos en esta propuesta la participación de Gabriel Valencia (Pedro), Constanza Vergara (Pajarito) y Monserrat Videla (Gato). De igual forma, es interesante mencionar y destacar la escenografía diseñada por La Maceta y el vestuario firmado por Paula Díaz, pues muchas veces asistimos a ejecuciones de proyectos Fondart, donde la escenografía se resuelve con el mínimo recurso posible y el vestuario cubierto por cualquier trapo de tienda de ropa americana. Este no es el caso, podemos observar que hubo destinación de recursos, elaboración y cuidado en la puesta en escena.

La Orquesta
Carmen Mella Mora, acierta con un buen pulso para el acompañamiento de la danza en esta oportunidad sacando máximo partido de sus músicos en formación, aspecto no fácil para una partita de Sergei Prokófiev. La conductora orquestal ofreció una ejecución elegante, lectura clara para los sones de Prokófiev obteniendo un sonido redondo y a la vez logra el sentido de cuerpo orquestal. Sin duda, una labor in crescendo que irá fortaleciéndose en el tiempo acorde a la madurez técnica y expresivo musical de sus intérpretes. En suma, un excelente trabajo orquestal en modo acompañante.

El Narrador
Sin duda un porcentaje importantísimo para el éxito de esta obra la constituye el narrador. Pedro Villagra, realiza una muy buena exposición del cuento “Pedro y el lobo” donde la articulación y modulación vocal es clara, nítida y fluida. Posee un buen ritmo y un registro que permite adentrarse en el cuento. Exhibe un buen fiato en relación a la orquesta y buena ejecución corporal.

Para descargar el libro completo vaya a:

http://cmallarino.wixsite.com/cuerposelocuentes     http://cmallarino.wixsite.com/cuerposelocuentes

Cámara de Danza Comunidad

INTRODUCCIÓN[1]

Entre los intereses discursivos que van a delinear estas matrices están las biopolíticas del cuerpo; las analíticas del cuerpo y las prácticas de subjetivación; las sociedades de consumo y los consumidores de cuerpo; la violencia, la crueldad y las tanatopolíticas, entre muchos otros, y gran parte de ellos sitúan al cuerpo en un contexto compartido: la modernidad. Y no es de extrañar pues el cuerpo que interesa a estos autores es heredero directo de ella y como tal es producido a partir de un poder administrador de la vida que al tiempo que la produce la controla. Las relaciones que se establecen entre poder, control y cuerpo, van a ser de importancia meridiana en estos textos, pues señalan estrategias de direccionamiento de las esferas públicas y de las más privadas de la vida corporal. Asistimos a lo que en la modernidad se ha dado en llamar biopoder, concepto cuya paternidad se le atribuye, sin lugar a dudas, a Michel Foucault, y en ese sentido, el autor está referenciado constantemente en estas escrituras. 

EL MESÍAS
Fotografía: Patricio Melo

Crítica de Ballet
Por Charles Benner
(Desde Santiago)
12 / 04 / 2017

Emotiva y conmovedora puesta en escena invitando a la introspección, nos ofreció el primer título de la Temporada 2017 el Ballet de Santiago en el Municipal, Ópera Nacional de Chile. Mauricio Wainrot, responsable de la coreografía “El Mesías” para la partita de Georg Friedrich Händel, logra tal conexión espiritual a través de los sones del oratorio, que la traducción al movimiento realizada por el artista transandino permite al espectador, ofrecerle una visión cercana a lo angélico. “El Mesías”, una apuesta acertada en estos días de Semana Santa, especialmente cuando en el presente soplan vientos de guerra. El conjunto de baile dirigido por Marcia Haydée, junto al Coro y Orquesta Filarmónica en una suma de expresión artística, exhiben un alto grado profesional, entrega y compenetración para esta pieza sacra del barroco tardío.

De la composición:
La música, un lenguaje poderoso y cautivante cuya idiomática universal van más allá de toda ideología, credo o raza, constituye una herramienta unificadora que remece los corazones elevando el espíritu. El Mesías de Händel, derriba todo tipo de barreras, independiente de ser o no creyente. Podría entenderse como el Creador mismo, hablando a la humanidad a través de los sonidos. En un asombroso interludio, el músico alemán tras un par de semanas concluyó la composición del oratorio El Mesías. Al final de aquellas agotadoras jornadas donde escribió prácticamente día y noche, el músico expresaría: “He creído ver el Paraíso frente a mí y al Gran Dios en su trono con su compañía de Ángeles”
El oratorio en su estructura musical, es una obra compuesta por arias, coros y recitativos escrito para cantantes solistas, coro y orquesta. Drama musical cuyo fondo religioso no requiere en sí una representación escénica, por lo mismo el solista vocal, suele llevar el rol narrativo. Dividido en tres partes, el oratorio El Mesías contempla los temas de El Adviento; Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo y la Victoria de Cristo ante la muerte.

Su estreno en Irlanda realizado en el New Music Hall de Dublín el 13 de abril de 1742 no estuvo exento de polémicas, tras haberse interpretado en una sala teatral y no en un Templo como acostumbraba el género en cuestión.. Händel, basó su composición musical en un libreto de Charles Jennens quien recopiló textos del Antiguo Testamento y del Apocalipsis. Inicia el oratorio una obertura de estilo francés con una parte lenta de ritmo apuntillado y una más rápida con estilo contrapuntístico. Son 53 temas los que componen la creación del alemán de Halle, uno de los máximos exponentes del barroco. La obra fluye entre contrastes marcados por el forte y piano; el recitativo, la homofonía y la fuga. El éxito de la obra sería corroborado durante su estreno en el Covent Garden, cuando el rey Jorge II, se puso de pie ante los primeros sones del Hallelujah Chorus.
Fue durante una representación del oratorio El Mesías, cuando el compositor cayó desmayado. Tras este suceso el músico no volvería a recuperarse falleciendo tiempo después. Sus restos descansan en la Abadía de Westminster junto a otros grandes de las artes, letras o la ciencia como Newton, Dickens, Purcell, Darwin y Turner entre otros.

De la coreografía:
Mauricio Wainrot, encuentra en las páginas de El Mesías de Händel inspiración de nivel superior. Inspiración sentida de corte límbico más allá de una experimentada construcción y acción racional. Por lo mismo, el contenido de la pieza danzada es tan profundo y verdadero. El artista logra capturar la esencia y trasfondo espiritual que el músico transmitiera en sonidos, más allá de aquello latente en los textos. Es por ello, que esta coreografía aun cuando comprende varios temas, constituye una sola unidad de principio a fin que fluye in perpetuo crescendo hasta llegar al majestuoso Hallelujah final. La utilización de un lenguaje moderno y contemporáneo basado en un soporte académico riguroso, permite al coreógrafo regalarnos una extraordinaria sucesión de hermosas imágenes situándonos como espectadores privilegiados en las regiones celestes. El artista exhibe en su composición danzada, una concepción clara de elegante pureza lineal y profundo sentido espiritual. Mauricio Wainrot brinda a través de El Mesías, un refrigerio al alma y un verdadero bálsamo para el espíritu.

De los bailarines intérpretes:
Al no existir una narración o línea argumental definida, la compañía pasa a ser un todo indivisible participando en solos, dúos, tríos, cuartetos, quintetos, sextetos e intervenciones grupales. El discurso abstracto de Mauricio Wainrot en esta pieza, da pie para utilizar libremente a sus bailarines, no obstante debemos destacar la feliz pasada de Rodrigo Guzmán, José Manuel Ghiso, Andreza Randisek y Natalia Berrios, y sumados a ellos, la talentosa Romina Contreras (que debuta como primera bailarina bajo nombramiento), Gustavo Echevarría y Simón Hidalgo.

Queda claro que no hay roles protagónicos ni estrellas individualizadas conforme a personajes. Por lo mismo observamos un conjunto homogéneo de gran calidad, precisión y entrega ante el desafío. Sin embargo, al ser esta una compañía clásica, exhibe cierta rigidez en lo referente al torso y trabajo de brazos en libertad mayor. Aspectos como el flujo, la energía y trayectorias propias de la danza moderna y/o contemporánea, se aprecian con cierta dureza y ausencia de proyección en lo estrictamente referido a movimiento. Aun así, la permeabilidad de sus artistas y la ductilidad que ofrece el bailarín clásico, les permite una actuación felizmente aprobada siendo la compañía toda, la estrella de la velada.

De los solistas vocales, coro y orquesta:
Indiscutiblemente el trabajo realizado por Pedro-Pablo Prudencio (Director de Orquesta), merece el mayor elogio y aplauso. Supo conducir la orquesta y sus profesores recreando la atmósfera precisa para una pieza barroca, la misma, que no requiere de la gran orquesta ni masa coral mayor. Por otra parte, unificar tempos para cantantes, coro y especialmente para bailarines, habla de un conductor con una gran intuición escénico-musical, más allá de los requerimientos técnicos y estilísticos propios de la música barroca.

Por otra parte, los cuatro solistas vocales Camila Guggiana (soprano), Ana Navarro (contralto), Luis Rivas (tenor) y Ramiro Maturana (barítono) en una correcta línea estilística referida al barroco. Los cantantes entregan una emisión clara, limpia y exenta de toda grandiosidad vocal (pues aquí es necesario “achicar” la voz), tal lo requiere el canto barroco. El Coro, siempre muy bien preparado, emite sonido limpio, nítido y ajustado a metrónomo. Sin duda un mérito indiscutible del maestro Jorge Klastornick.

De la escenografía, vestuario e iluminación:
Carlos Gallardo, acierta en su concepción escenográfica como también en el vestuario. Apuesta de corte minimalista en tono blanco restando toda distracción para encontrarse con la majestuosidad de la música y la armonía danzante. Propone un espacio místico de tinte celestial. Por su parte, la iluminación de Elizabeth Sirlín, termina por coronar esta magnánima puesta en escena creando atmósferas de finas tonalidades que transitan entre el blanco inmaculado al celeste pálido.

CONVOCATORIA AQUÍ

+ INFO AQUÍ

Esta convocatoria surge de la interacción entre las propuestas del Programa de Movilidad de Proyectos en Residencia PlataformaVA, Argentina y el Programa Artistas en Residencia PAR, Uruguay. Se busca generar un cruce entre artistas de ambos países ofreciendo un nuevo encuadre que potencie el desarrollo de los proyectos y sus relaciones con el entorno. Más info aquí

Queridos miembros de la RSD, aquí publico un material de mi autoría sobre la construcción participativa de políticas públicas para la danza, proceso que se está desarrollando en Uruguay y del cual soy parte. Quedo a las órdenes para cualquier consulta, sugerencia o aporte. Abrazos!

politicaspublicasdanza.pdf

Invitacion cuerposelocuentes.blog.pdf

COMPAÑER@S INVESTIGADORES

CUERPOSELOCUENTES.BLOG dispone para Ustedes la siguiente relación de textos publicados a la fecha (ver anexo).

Son bienvenidas otras escrituras que quieran compartir en el blog y quedan en libertad de compartir esta información con quien consideren que pueda estar interesad@.

 CUERPOSELOCUENTES.BLOGCUERPOSELOCUENTES.BLOG%20-Textos%20publicados%20a%20la%20fecha%2027-10-2016.pdfEsperen próximas in-corporaciones

Un abrazo

Claudia

http://cmallarino.wixsite.com/cuerposelocuentes

Entrevista a Marcos Moraes, coordinador general del encuentro, realizada por el Observatorio de Políticas Culturales del CCC, Argentina. Pincha aquí

Entrevista a Marcos Moraes, coordinador general del encuentro, realizada por el Observatorio de Políticas Culturales del CCC, Argentina. Pincha aquí

Más información aquí

Holguín en Danza: tender lazos amadores de mejores posibles
(A propósito del segundo Concurso de Danza del Atlántico Norte y Grand Prix Vladimir Malakhov)

Por Noel Bonilla-Chongo, desde Holguín (Cuba)

Después de transcurridas las intensas jornadas de la segunda edición del Concurso de Danza del Atlántico Norte y Grand Prix Vladimir Malakhov, nos queda el júbilo de los días compartidos. Vuelve la ciudad de Holguín a convertirse en centro de confrontación en torno a la creación y pedagogía dancísticas. Tramado como concurso, la cita se organiza alrededor del cumpleaños de Codanza, compañía que bajo la dirección de la maestra Maricel Godoy, es la anfitriona del evento.
Creo que, aun estimando el alto grado de preparación técnica de los bailarines cubanos, de las llevadas y traídas excelencias en sus desempeños; el saldo que nos deja este tipo de encuentro (no muy habituales en nuestro panorama escénico) siempre me regresará la confianza de mejores mañanas. Y es que,
no nos engañemos, la práctica coreográfica necesita de un gran salto.
Al pensarla, coreógrafos, danzantes, maestros, críticos, gestores y las estrategias instituciones, se debe apostar por interconectar los tiempos, los espacios, los límites kinestructurales de aquel otrora corpus unívoco, hoy quebrantado, amplificado, contaminado y contaminante.
Insistiremos en ser prisioneros de contextos, seguimos necesitando saber dónde, por qué, para qué, de qué manera. Solo que, a la altura de los tiempos que corren, no tiene sentido seguir resolviendo ligeramente la investigación y escritura coreográficas desde la urgente tecnificación corporal y el tema coreográfico preso del archiconocido “color local”. Se requiere dilatar miradas, mentes y espacios para poder articular con gracia, intencionalidad y “verosimilitud” ese entramado de hechos que con-forman la fabulación escénica y las responsabilidades de sus hacedores.
Más allá de los resultados de la competición, más allá de los ánimos caldeados a sazón de retos, premios, sospechas, consensos y discrepancias; el contar con un espacio privilegiado de cotejo sobre los derroteros (con sus certezas e incertidumbres reales) que constituyen a la danza cubana de este minuto, es francamente importante.
Talleres, clases maestras, conferencias, fórums temáticos, ensayos, audiciones, exposiciones, films, etc., se presentaron como agenda paralela a las noches de concurso. La sala principal del Teatro Eddy Suñol acogió más de treinta propuestas de agrupaciones de casi toda la isla y de países vecinos. Asimismo fue provechoso contar con el hacer de maestros cubanos y foráneos que generosamente compartieron sus saberes con jóvenes artistas y estudiantes. En ese sentido, distinguible sigue siendo el obrar de Silvina Fabars, Primera Bailarina del Conjunto Folklórico Nacional de Cuba y Premio Nacional de Danza, quien no renuncia ser dadora gentil de su amplia experiencia acumulada. El haber tenido la dicha de disfrutar en vivo de la pedagogía y creación de Guillermo Horta, cubano radicado en Austria y quien fuera uno de los líderes de las nuevas búsquedas del arte escénico en la segunda mitad de la década del ochenta del siglo pasado.
Notable sería que hacia futuro, siga siendo Holguín en su Concurso una plaza convocante a las mejores conquistas y apuestas de la danza cubana. Danza sin distinciones geográficas, generacionales, poéticas o discursivas. Pensarnos como ese “país que baila”, seguirá siendo incontrastable en la medida que sepamos erigirnos con mano abierta pero “dura”; solo así el arte coreográfico podrá dialogar intencionado y propositivo con pasados gloriosos en nuestra memoria creativa y con noveles ofrecimientos.
Dejé Holguín en su segunda ocasión del Concurso de Danza del Atlántico Norte y Grand Prix Vladimir Malakhov, con la evidencia de un público atento, unos anfitriones elegantes y el interés manifiesto de los artistas participantes. Hoy, cuando la danza cubana y la vida misma de sus gentes posta por ser zona interpelante de lo “disperso” que produce sentido en sus vínculos, asociaciones, apropiaciones y negociaciones, votemos por actualizar el lugar de la teoría en la práctica de la Danza. Teoría más que externamente normativa, integrada, acompañante y revisora del propio discurso y pensamiento coreográfico de nuestros artistas.
Ojalá tengamos la largueza poética para aprender de los días vividos con una estrella del ballet mundial como Vladimir Malakhov y sus enseñanzas. Él, quien figurara en las carteleras más emblemáticas y pomposas del mundo, ahora decide acompañar los ensueños de los jóvenes creadores cubanos.
Sé que nuestra danza del mañana se volverá más galante en la medida que sigamos tendiendo puentes entre memorias, presencias y olvidos. Continuemos celebrando el estar como trofeo y festividad de juntarnos, discutir, instigar, confiar en el compromiso que implica la creación y pedagogía dancística en la Cuba de hoy.
Quiérase que para próximas ediciones del evento, la urdimbre se ensanche y esas voces ya recurrentes (Danza del Alma, Danza Espiral) de conjunto con los organizadores, multipliquen el abrazo para que aquellas innegables voces que hoy por hoy también forjan el hacer discursivo de la danza, se conviertan en presencias por las calles, plazas, parques y teatros holguineros.
Gracias a Maricel, Vladimir, Paul y todos los que desde Holguín en Danza, se aferran por tender lazos amadores de mejores posibles.

Encontra-se disponível para download o resultado da pesquisa "Mapeamento da Dança: diagnóstico da dança em oito capitais de cinco regiões do Brasil", coordenada por Lúcia Matos e Gisele Nussbaumer, com a participação de 25 pesquisadores e 59 estudantes de onze Universidades, além da UFBA. Pesquisa inédita no campo da Dança.Divulguem!!!!

En el marco del Festival Cultura Consciencia y Sustentabilidad que reune a los Puntos de Cultura de la Región Norte del Perú, el festival propone una actividad posterior para artistas interesados en la experimentación en videodanza.

LABORATORIO DE PROYECTOS DE VIDEODANZA

- Dictado por Silvina Szperling de Argentina, gran maestra con 20 años de experiencia en videodanza, directora del Festival Internacional VideoDanzaBA. 

- 17 y 18 de Octubre

- Costo: gratuito sólo debes llenar la ficha con tus ideas del proyecto que quisieras realizar. 
- Dirigido a artistas escénicos y artistas visuales
- Posibilidad de camping 
- Cierre de convocatoria 09 de septiembre 
- Organiza: Vasos Comunicantes , Danzon Nuclear , Festival de Videodanza BA

- Con el apoyo del Ministerio de Cultura del Perú

- Información completa y ficha de inscripción aquí:

https://festivalconsciencia.com/.../convocatoria-post.../

Del 20 al 26 de Febrero de 2017, se llevará a cabo en la Ciudad de México el II Festival de Danza Contemporánea Unipersonal "Cuerpo al Descubierto" - Miguel Ángel Palmeros. Habrá muestras dancísticas, clases magistrales y mesas redondas que abordarán temas sobre danza, multimedia y gestión y producción para la danza contemporánea.

https://www.facebook.com/FestivalCuerpoalDescubierto/

http://cuerpoaldescubierto.wix.com/festival

https://vimeo.com/channels/cuerpoaldescubierto