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InShadow Open Call | 11th Lisbon Screendance Festival

The registration period for the 11th InShadow – Lisbon ScreenDance Festival runs until June 30, 2019. 

APPLICATIONS
Screendance, documentary and animation >>  FilmFreeway

Performance and Visual Arts >> Registrations

 

Since 2008 that the InShadow Festival has been established as a transdisciplinary cross-breeding laboratory and platform of opportunity, promotion and dissemination of filmmakers, choreographers and multidisciplinary artists, promoting their work internationally.

Apply and gain an opportunity of winning one of the InShadow awards and to have your work recognized worldwide.

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All the applications will be submitted to a Jury formed by experts in the area of ​​disciplinary crossings.

The awards for the Video-Dance and Documentary Competition are supported by Conserveira de Lisboa, ETIC - School of Technologies, Innovation and Creation, Soudos - Espaço Rural das Artes and Adega Mayor.

 

Further information >> inshadowfestival@gmail.com

 

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Convocatoria Festival La Guaragua 2019

 

BASES DE CONVOCATORIA

LA GUARAGUA 2019 - VII EDICIÓN

ARTISTAS O COLECTIVOS INTERNACIONALES

1.     ANTECEDENTESDISE%C3%91O_CONVOCATORIA_INTERNACIONAL-01.webp

La Guaragua se ha establecido como un festival Nacional e Internacional de Danza Teatro con identidad propia que nace a partir de la necesidad de  profundizar a este género a través  de una programación Internacional anual que se realiza en distintos espacios no convencionales, instituciones educativas, teatros, parroquias y comunidades,  incentivando la  creación artística, difusión, producción, circulación de muestras escénicas, talleres, conversatorios y una plataforma de reflexión de procesos teóricos prácticos , análisis y metodologías que se realiza en uno de los ejes temáticos del festival como son los  Encuentros de Saberes.

 

La Guaragua 2019 - VII Festival Internacional de Artes del Movimiento, se realizará del 7 al 19 de mayo en varias ciudades de Ecuador cuya sede principal será Quito.

2.     PARTICIPANTES

Pueden participar colectivos, agrupaciones o bailarines independientes con trabajos unipersonales, en pareja, tríos o cuartetos. El número máximo de integrantes por delegación es de 4 incluido director.

  • Las delegaciones invitadas realizarán de 3 presentaciones durante el Festival, previo acuerdo con la organización.
  • La delegación invitada preparará un taller de 4 horas de duración a ser impartido según cronograma de actividades realizadas por La Guaragua 2019.
  • Las delegaciones seleccionadas participarán además del Quinto Encuentro de Saberes y Prácticas con el resto de delegaciones participantes.

3.     CARACTERÍSTICAS DE LAS PROPUESTAS

  • Propuestas en:
  • a) Danza-Teatro que tengan como eje de trabajo el movimiento y el cruce con otros lenguajes artísticos.
  • b) Danza tradicional, de representación folklórica, de proyección folklórica o etnocontemporáneo
  • La temática es libre.
  • Las obras pueden o no ser inéditas.
  • Las obras deben adaptarse con facilidad a espacios convencionales y no convencionales.
  • La/s obra/s deberán tener una duración máxima de 30 minutos; siendo la función de 30 minutos el tiempo máximo de intervención en el Festival. Queda abierta la posibilidad de presentar varias obras en pequeño formato que completen el tiempo de intervención máxima (30 minutos).

4.     DOCUMENTOS A ENVIAR

  • Ficha de inscripción (solicitar formato al grupo organizador con los datos detallados en el ítem Contacto o descargar del siguiente enlace: https://drive.google.com/open?id=1lTJTJPpqzQvhDStvx-jMSBSUzDUNFbWN
  • Un video en plano general de la(s) obra(s) completa (s) (pueden enviar el enlace si está en youtube, vimeo, etc. o a través de servidores como wetransfer, dropbox, etc.)
  • 3 Fotografías de la agrupación en alta resolución para publicitar el Festival y su participación.

5.     PLAZOS

La información se hará llegar de manera digital a los correos: jegaldanzateatro@gmail.com, laguaraguafestival@gmail.com.

El plazo para remitir la información será hasta el día domingo 16 de diciembre del 2018, fecha límite para responder a la Convocatoria.

6.     SELECCIÓN

Se conformará un Comité Interno de la Organización del Festival compuesto por gestores y artistas del medio, mismo que seleccionará las propuestas a formar parte de La Guaragua 2019. El fallo del Comité será inapelable.

7.     RESULTADOS

Se notificará a los seleccionados vía mail junto con la Invitación Oficial el día jueves 27 de diciembre de 2018.

8.     ARTISTAS O COLECTIVOS SELECCIONADOS

Solo se enviará INVITACIÓN OFICIAL a los artistas o agrupaciones que hayan sido seleccionados por la organización de La Guaragua 2019.

Después de recibir la invitación oficial, la delegación deberá confirmar su participación en el Festival hasta el 31 de Enero de 2019.

Se considerará como DELEGACIÓN PARTICIPANTE CONFIRMADA  a quienes hayan completado la siguiente información: envío de TICKET digital o escaneado del medio de transporte a utilizar (aerolínea, autobús), en el cual se señale la fecha y hora de arribo; así mismo la fecha de regreso a su país o ciudad de origen. Tomando en cuenta que previa confirmación de la programación a realizarse se establecerán los días de llegada y partida que se notificarán a través de la Carta de Invitación.

9.     RESPONSABILIDADES.

  1. DE LOS PARTICIPANTES
  • El grupo, delegación participante debe asistir a eventos internos del Festival tales como talleres de capacitación, intercambio cultural y muestras escénicas. Según bitácora entregada.
  • La propuesta escénica a presentar en el festival deberá ser aquella con la cual postuló, la misma no podrá tener variantes de la original.
  • Cumplir con el reglamento interno.
  • Cumplir con el itinerario programado con puntualidad.
  • Entregar la documentación requerida por la Organización del Festival.
  • Los participantes seleccionados se encargarán de gestionar su transporte y de los elementos de utilería y escenografía desde su lugar de origen hasta la ciudad de Quito y viceversa.
  • Los participantes seleccionados deberán enviar en el plazo establecido la confirmación del medio de transporte a utilizar (aerolínea, autobús, fecha, hora de arribo).
  • La delegación no podrá realizar actuaciones o actividades que no estén programadas o autorizadas por el festival.
  • El arribo de los grupos participantes será un día previo a su participación y el retorno será un día posterior a su participación.
  • La organización se hará responsable únicamente por las personas oficialmente inscritas, las mismas que deberán formar parte del elenco o ser el apoyo técnico del mismo.
  • La organización del festival no se hace responsable de daño y/o perdida de la utilería que se exponga, utilice, o transporte durante el evento, tal responsabilidad recae sobre los participantes.
  1. DE LA ORGANIZACIÓN
  • Transporte interno, alojamiento y alimentación a partir de su arribo a Quito según cronograma programado.
  • Promoción en Radio, prensa escrita, televisión y redes sociales de su participación en el Festival.
  • Área para ensayos y calentamientos.
  • Diploma de participación
  • Asistencia gratuita de los 4 integrantes del colectivo a las actividades que se realizarán en el marco de La Guaragua 2019 - VII Festival Internacional de Artes del Movimiento
  • La Organización del Encuentro no se hará cargo de gastos extras en los que incurran los participantes fuera de lo establecido y programado en las presentes bases.
  • El Comité Organizador, se reserva el derecho de grabar, filmar, fotografiar, emitir y reproducir las actividades a desarrollarse en el Festival en forma total o parcial para ser radiadas, televisadas, impresas, o difundidas a través de redes sociales e internet para informar al público, sin que por ello deba efectuar pago alguno a persona u organización.

10.                      ACOTACIONES FINALES

La sola inscripción confirma la aceptación total de las bases.

 

CONTACTO

MÓNICA VELASCO MINDA

DIRECTORA GENERAL FESTIVAL LA GUARAGUA 2018

 

Dirección             : Concepción E 562 y Valparaíso (Tola Alta) Quito-Ecuador

Teléfono             : (593) 02 2 600 448

Celular                 : (593) 09 600 70 778

E-mail                   : laguaraguafestival@gmail.com, jegaldanzateatro@gmail.com,  

 

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Les Ballet de Monte-Carlo en La Habana: un goce excepcional
Por Noel Bonilla-Chongo, desde LA Habana12249258692?profile=original12249263458?profile=original

Acompañado por Su Alteza Real (S.A.R) La Princesa de Hanovre, la más reciente edición del Festival de Teatro de La Habana, trajo a las tablas de la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, a Les Ballets de Monte-Carlo. Sin duda alguna, el debut en escenario cubano de la importante compañía, fue un suceso extraordinario.
Precisamente, fue la voluntad de S.A.R. La Princesa de Hanovre, quien fundara en 1985 Les Ballets de Monte-Carlo, extendiendo un puente de continuidades y, también, de aperturas. Inspirado en los Ballets Rusos que con Serge Diaghilev al mando, se erigiera estandarte en la reinvención de la danza académica del pasado siglo XX, hoy la compañía se registra dentro de las mejores voces de la historia del arte coreográfico.
En 1993, Jean-Christophe Maillot fue nombrado director y coreógrafo de la agrupación. Él ha producido por más de veinte años, un fértil diálogo entre tradición e innovación. Sus propias creaciones originales y el aporte de cardinales maestros internacionales singularizan el repertorio activo de la compañía. De los establecidos Lucinda Childs, William Forsythe, Jiry Kylian, Nacho Duato a otros ya imprescindibles: Sidi Larbi Cherkaoui, Marco Goecke, Shen Wei, Alexander Ekman o Emio Greco. Conserva así, la actual troupe aquel espacio privilegiado de creación y expresión en franco desarrollo.
Y es que, tal como anotara S.A.R: “La práctica de la danza en Mónaco solo tiene sentido como tradición en la modernidad. No es nostalgia por un pasado revolucionador. Es, en sí misma, vigilia y escucha de formas más renovadoras”. Tras haber compartido en funciones, ensayos, conferencia de prensa, no nos queda duda de la aseveración de la princesa. Conformado por cincuenta bailarines de una veintena de países; el elocuente simbolismo, la naturalidad expresiva y la contemporaneidad discursiva en los modos de asumir la danza en Les Ballets de Monte-Carlo, distinguen las presentaciones y proyección artística del conjunto.
Muy emotivo fue el recibimiento efectuado por los estudiantes y docentes de la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso a los invitados. En el encuentro, S.A.R. elogió el alto nivel técnico e interpretativo de los artistas en formación. La Princesa de Hanovre y Jean Christophe Maillot manifestaron el interés de establecer intercambios, ofrecer becas y pasantías entre las academias de Cuba y el Principado de Mónaco. Asimismo, durante las breves conversaciones protocolares con Julián González, ministro de Cultura cubano, los altos visitantes mostraron el deseo de posibilitar colaboraciones entre Les Ballets de Monte-Carlo y los artistas cubanos de ballet y danza.
Por otra parte, Alicia Alonso, prima ballerina assolutta y directora del Ballet Nacional de Cuba, recibió en la sede la compañía, calle Calzada No. 510 en pleno Vedado capitalino a S.A.R. La Princesa de Hanovre y Jean Christophe Maillot. Durante el recorrido por la instalación, los visitantes presenciaron un ensayo de la pieza Tiempo de Danzón, donde el coreógrafo cubano Eduardo Blanco propone a partir del tratamiento contemporáneo del ballet, un bosquejo hacia las raíces tradicionales del baile nacional cubano.
Para las presentaciones habaneras de Les Ballet de Monte-Carlo, se escogió la pieza Cenicienta. Ballet que resume la reputación de antropólogo coreográfico de Jean-Christophe Maillot. En esta versión, el artista revisita el mito de Cenicienta para ofrecer una particular reflexión sobre el valor de la memoria en el reordenamiento del presente y del futuro. El tan llevado y traído tema del príncipe que se casa con la plebeya, ahora se ensancha para sobrepasar esperanzas y decepciones, sueños y conquistas. Maillot va más lejos, prefiere hurgar en el funcionamiento emocional que crean los mecanismos instintivos de este añoso cuento atemporal para asociarlo a preocupaciones que circundan la vida de mujeres y hombres de estos tiempos.
Música, iluminación, escenografía, vestuario, se complicitan en una puesta en acción donde la grafía del movimiento y la reestructuración espacial crean un mundo paralelo y, al mismo tiempo, amplio, multiplicador, ilimitado. Esperanza, confianza, utopías y certezas se dan la mano desde la reinvención del legado de la técnica académica y las relaciones proxémicas que se crea entre trastos escenográficos, objetos, trajes, intriga argumental.
Coexiste en el hacer coreográfico de Les Ballets de Monte-Carlo, la intención manifiesta y confiable del trabajo en equipo. Figuran en sus producciones coreográficas, el diálogo con artistas visuales relevantes: George Condo, Ernest Pignon-Ernest, Philippe Favier, Dominique Drillot; con compositores como Yan Maresz, Andrea Cera, Ivan Fedele, Ramon Lazkano, Martin Matalon, Gérard Pesson, Marc Ducret, Daniel Teruggi o, con creadores de vestuario como Karl Lagerfeld, Philippe Guillotel y Jérôme Kaplan. Asimismo, al tanto de las complicidades entre las nuevas tecnologías y la danza, los fotógrafos y videastas Ange Leccia y Gilles Delmas intervienen las constantes búsquedas coreográficas de Maillot y la compañía que dirige.
Una amplia y diversa producción coreográfica sitúan a Jean-Christophe Maillot dentro de los autores contemporáneos más relevante del panorama de la danza actual. Su investigación personal comprende un suerte de “lenguaje otro” en la danza académica, desde la reformulación de las sagas clásicas a la reinvención de temas y formas abstractas.
Su gestión directiva al frente de Les Ballets de Monte Carlo, le ha otorgado a la compañía un importante perfeccionamiento. Aclamada en los más importantes circuitos teatrales del mundo, está abierta al intercambio con las maneras más diversas de entender el arte de la escritura coreográfica en el Siglo XXI. Junto a la Academia de la Princesa Grace de Mónaco y el Foro de Danza, el innovar constante de la agrupación, participa en la reputación cultural internacional y la influencia artística del Principado.
Para el público cubano, amador exigente del arte balletístico y de sus conquistas más certeras, recibir la vista de Les Ballets de Monte-Carlo bajo de presidencia de S.A.R La Princesa de Hanovre y disfrutar de Cenicienta como propuesta de clausura en la dieciséis edición del Festival de Teatro de La Habana (FTH), fue un goce excepcional.

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Tengo el honor y la  responsabilidad de seguir desarrollando este hermoso proyecto. Este  es un mensaje para todos de las pioneras y luchadores por la danza y sus artistas,  Natacha Melo (Uruguay) y Nayse Lopez (Brazil):
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Queridos miembros, colegas de la danza de la región:
Nos comunicamos con ustedes con el fin de contarles que el proyecto de red social Movimiento.org entra en una nueva fase.

Como muchos de ustedes sabrán, Movimiento.org apareció en el 2001 como proyecto de la Red Sudamericana de Danza, que en un escenario de precarios intercambios regionales pretendía incidir en esa realidad agrupando y compartiendo información sobre la danza en América del Sur bajo formato de base datos. Este proyecto se resignificó en el 2009 mediante la valiosa asociación con Idanca, y la colaboración con Marlon Barrios Solano como consultor y diseñador.
 
Movimiento.org pasó a ser entonces la primera red social para la danza en el continente, conectando rápidamente unos cinco mil miembros que mediante la plataforma intercambiaron intensamente información, construyendo conocimiento y dando visibilidad a la diversa producción regional. 

En 2012, tanto Idanca como la RSD cerraron algunos de sus programas y no fue posible sostener el equipo de trabajo detrás de este proyecto. Como seguían existiendo participantes con interés de usar la plataforma se decidió igualmente sostener el pago del dominio y el servidor a fin de poder sostener la plataforma y dejarla en manos de sus usuarios. El año pasado observando el devenir del espacio, percibiendo el potencial de las personas agrupadas pero entendiendo que es necesaria una actualización conceptual y administrativa del espacio, decidimos buscar un socio que quisiera apropiarse del proyecto y propiciarle las transformaciones necesarias para desarrollarlo. Es así como nuestro colaborador fundacional Marlon Barrios Solano, fundador de Dance-tech.netdance-tech.tv, pasa a ser a partir de Marzo el responsable de esta nueva etapa.

A todos los miembros de estos años les damos las gracias por la compañia de todos estos años y les deseamos que disfruten esta nueva etapa que estaremos acompañando con ustedes. Al proyecto dance-tech.net y a Marlon, le agradecemos todo el apoyo recibido en nuestra primera etapa y en ésta, por la inspiración de ayer y la visión de hoy, por seguir apostando a la Danza como fuerza de comunicación, investigación y creación colectiva. 

Seguiremos todos haciendo ruido y generando movimiento!
Gran abrazo,
Natacha y Nayse
Asumo este honor, abierto a sugerencias y feedback para re-evaluar y re-articular colaboraciones para el desarrollando de esta plataforma.
El relanzamiento oficial de esta nueva etapa de movimiento.org se realizara desde el epicentro del Festival DNA el Pamplona, España curado por Isabel Ferreira desde el 8 al 13 de Mayo del 2018.
Larga vida a movimento.org
Marlon Barrios Solano 
Tenho a honra e a responsabilidade de continuar desenvolvendo este belo projeto. Esta é uma mensagem para todos os pioneiros e dançarinos e seus artistas, Natacha Melo (Uruguai) e Nayse Lopez (Brasil):
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Caros membros, colegas da dança da região:
Nós nos comunicamos com você para informar que o projeto da rede social Movimiento.org entra em uma nova fase.
Como muitos de vocês sabem, Movimiento.org surgiu em 2001 como um projeto da Rede de dança sul-americana, em um cenário de trocas regionais precárias intenção de influenciar essa reunião realidade e partilha de informação sobre a dança na América do Sul sob o formato básico dados Este projeto foi ressignificado em 2009 através da valiosa parceria com Idanca, e a colaboração com Marlon Barrios Solano como consultor e designer.
Movimiento.org tornou-se então a primeira rede social para a dança no continente, ligando rapidamente cerca de cinco mil membros que através da plataforma trocaram informações intensamente, construindo conhecimento e dando visibilidade à diversidade da produção regional.
Em 2012, tanto a Idanca quanto o RSD fecharam alguns de seus programas e não foi possível sustentar a equipe de trabalho por trás desse projeto. Como ainda havia participantes interessados ​​em utilizar a plataforma, também foi decidido manter o pagamento do domínio e do servidor para poder sustentar a plataforma e deixá-la nas mãos de seus usuários.
No ano passado, observando a evolução do espaço, percebendo o potencial das pessoas agrupadas mas compreender um espaço conceitual e atualização administrativa é necessária, decidimos encontrar um parceiro que iria assumir o projeto e propiciar as transformações necessárias para desenvolvê-lo. É assim que nosso fundador e colaborador Marlon Barrios Solano, fundador da Dance-Tech.net e da dance-tech.tv, passa a ser responsável por essa nova etapa a partir de março.
A todos os membros destes anos agradecemos a companhia de todos estes anos e desejamos que você aproveite esta nova etapa que estaremos acompanhando. Dance-tech.net e projeto Marlon, agradecemos todo o apoio recebido em nossa primeira perna e este, pela inspiração da visão, ontem e hoje, para continuar apostando na dança como uma força de comunicação, pesquisa e criação coletiva .
Vamos todos continuar fazendo barulho e gerando movimento!
Grande abraço,
Natacha e Nayse

Assumo esta honra, aberta a sugestões e feedback para reavaliar e rearticular colaborações para
o desenvolvimento desta plataforma. O relançamento oficial desta nova etapa do movimiento.org terá lugar a partir do epicentro do
DNA El Pamplona Festival, Espanha com curadoria de Isabel Ferreira de 8 a 13 de maio de 2018.
Viva o movimento.org
Marlon Barrios Solano
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¿QUIÉN ERES TÚ?.

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¿QUIÉN ERES TÚ?.

Tú, te celebras, crees

que podrás convencer al corazón

y él busca más que eso.

tú hablas, hablas todo

queriendo arrancar una pizca

de celos, pobre de ti.

tú confías, creyendo

que es el método,

esa actitud no tiene ningún valor.

tú, miras, queriendo impresionar,

ese modo está gastada,

los abanicos no son de esta época.

tú, intrigas, los suspensos,

ni la ciencia ficción es,

el fuerte en estos tiempos.

tú, te indignas, queriendo

despertar al remordimiento,

eso no es amor.

tú, demuestras, la amistad

que no existe, ni existirá,

porque no es sincera.

tú, mientes, expresando lo

que no quieres decir; no

es bueno arrepentirse de lo incierto.

tú, te victimizas, y buscas

constantemente al culpable,

no lo encontrarás.

la víctima no existe y

el culpable está muriendo,

búscate y descúbrete

¿qué quieres y quién eres tú?

 

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EDUCAÇÃO CRIADORA:
PRÁTICAS CORPORAIS E LUDOPEDAGÓGICAS

MÓDULO I
4ª Edição

 
MÓDULO I:
​PEQUENICES - CORPO, MOVIMENTO E EDUCAÇÃO

Este módulo, na sua 4ª Edição, trata das práticas e discussões acerca do corpo em movimento, pensando a formação de professores em diversos contextos nos quais trabalham com crianças, jovens e/ou adultos. Tem por objetivo a experimentação de atividades que coloquem o corpo em movimento em espaços educativos formais e não formais, tratando de variações educadoras. Toma como referências diversas práticas corporais, vídeos, materiais didáticos, livros e trabalhos artísticos.
 
Público alvo: professores da rede básica de ensino, professores de dança, teatro, educação física, alunos de licenciaturas, artistas e demais interessados.
 

​Dias: 28 e 29 de abril de 2018 – Intensivo.
Horário: das 9h às 12h (manhã) e das 14h às 18h (tarde)
Local: Sala Marcos Barreto – Casa de Cultura Mario Quintana (Rua dos Andradas, 736, POA/RS)
Ministrantes: Fernanda Boff e Wagner Ferraz (currículos abaixo)
N° de alunos(as) para fechar turma: No mínimo 10 participantes
Valor:
Inscrições do dia 27/03 à 15/04/2018 - R $ 220,00;
Inscrições do dia 16/04 à 27/04/2018 – R$ 260,00.
 
Inscrições pelo link https://bit.ly/2GessYV
 
Certificado: Os participantes receberão certificado de participação no curso, sendo necessário 75% de presença.
 
Para se inscrever preencha as informações de inscrição e envie. Aguarde o contato por e-mail que indicará a forma de pagamento para que sua inscrição seja efetuada.
Informações e fotos de outras edições do curso: http://estudosdocorpo.weebly.com/blogue/curso-educacao-criadora-modulo-1-2-edicao

https://estudosdocorpo.weebly.com/blogue/curso-educacao-criadora-modulo-1-4-edicao
 
Contato: educriadora@gmail.com
51 9-9955-9789 (com Fernanda) e 51-9-9306-0982 (com Wagner)
 
Informações: www.estudosdocorpo.weebly.com
 
Promoção:
Estudos do Corpo
Pequenices: Arte e Educação
CANTO – Cultura e Arte

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Investigadores del Cuerpo - Estado del Arte

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CUERPOSELOCUENTES.BLOG presenta el Archivo Documental # 3 “Investigadores del Cuerpo y Cuerpos de Investigación” (Documento pdf. en la página arriba a la derecha), un Estado del Arte en construcción que recoge instituciones, instancias, Grupos de Investigación y de Estudios, Líneas de Investigación, REDES y procesos investigativos en Colombia y Latinoamérica cuyos asuntos de indagación son los Cuerpos y las Corporalidades. 

http://cmallarino.wixsite.com/cuerposelocuentes/press

 El Archivo Documental # 1 “Catálogo de Publicaciones” y el Archivo Documental # 2 “Catálogo de Títulos por Campos de Investigación” los encuentran en la Página Principal en la pestaña PUBLICACIONES.

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Estado del Arte en Estudios del Cuerpo

Autores Investigadores, hemos agregado las direcciones electrónicas a los textos para facilitar el rastreo documental.

 CUERPOSELOCUENTES.BLOG es un Estado del Arte en construcción en el Campo de los Estudios del Cuerpo de los últimos 20 años que incorpora diversas formas de escritura corporal: textos, videos, performances, etc., en una multiplicidad amplia de temáticas.  

 Los textos están recogidos en un archivo general -Catálogo de Publicaciones-, y en un archivo de investigaciones -Catálogo de Títulos por Campos de Investigación- que registra los trabajos resultado de procesos investigativos.

 Mi interés es hacer un aporte valioso a los maestros y entregarle a los jóvenes investigadores un punto de partida robusto y serio en el campo. Les reitero la invitación para que publiquen conmigo en CUERPOSELOCUENTES.BLOG.

Para descargar los documentos vaya a la pestaña PUBLICACIONES en el siguiente enlace:

CUERPOSELOCUENTES.BLOG

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DANÇA À DERIVA 2018 - Inscripcion hasta el 10 febrero

Estimados amigos

Es con mucha alegría que informo a todos que DANZA A LA DERIVA - 5ª EDICIÓN sera realizado en el período del 21 al 28 de ABRIL DE 2018 en la ciudad de São Paulo, Brasil.

Inscripcion: dancaaderiva2017@radarcultural.com.br 
hasta el día 10 de febrero

La respuesta será emitida también por e-mail hasta el 15 de febrero de 2018.

En la propuesta deberá tener la siguiente información: Currículo / Histórico del Colectivo Artístico o del Artista proponente, Informaciones Generales sobre la Obra (Release, Sinopsis, Ficha Técnica / Elenco, Requerimientos / Necesidades Técnicas, enlace que contiene Vídeo de la obra en su totalidad y fotos, además de otras informaciones importantes que quieran sumar en este archivo, para el análisis del trabajo.

Importante: Toda esta información debe enviarse en PDF (un solo documento).

Las condiciones que podemos ofrecer son por ahora es sólo la alimentación (almuerzo y cena) a todos los integrantes de cada colectivo artístico participante.

El hospedaje aún debe ser de responsabilidad de cada colectivo.

Estamos todos empeñados en conseguir acomodar a todos los artístas en casas de otros artistas de la ciudad de São Paulo, dentro de un proyecto llamado ARTISTA RECIBE ARTISTA.

De esta forma, los gastos serán menores.

Destacamos además que los pasajes aéreos o terrestres del lugar de origen de cada colectivo hasta la ciudad de São Paulo, son de responsabilidad también de cada colectivo artístico.

Inscripcion: dancaaderiva2017@radarcultural.com.br 
hasta el día 10 de febrero

Abrazos afectuosos12249256876?profile=original

Solange Borelli
Direção geral / DANÇA À DERIVA 2018
5ª EDIÇÃO MOSTRA LATINO-AMERICANA DE DANÇA CONTEMPORÂNEA.

Solange Borelli

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Publicación en CUERPOSELOCUENTES.BLOG

Autores Investigadores:

Catálogo de PublicacionesCatálogo de Títulos por Campos de Investigación

CUERPOSELOCUENTES.BLOG in-corpora 100 nuevos títulos en el Campo de los Estudios del Cuerpo entre los que se puede encontrar su trabajo. Investigaciones, Artículos, Videos y Performances están disponibles para su consulta en el Catálogo de Publicaciones y en el Catálogo de Títulos por Campo de Investigación.

Gracias por sus contribuciones

 

Claudia Mallarino Flórez

Blog Manager 

http://cmallarino.wixsite.com/cuerposelocuentes

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La Guaragua se ha establecido como un festival Nacional e Internacional de Danza Teatro con identidad propia que nace a partir de la necesidad de  profundizar a este género a través  de una programación Internacional anual que se realiza en distintos espacios no convencionales, instituciones educativas, teatros, parroquias y comunidades,  incentivando la  creación artística, difusión, producción, circulación de muestras escénicas, talleres, conversatorios y una plataforma de reflexión de procesos teóricos prácticos , análisis y metodologías que se realiza en uno de los ejes temáticos del festival como son los  Encuentros de Saberes.

 

La Guaragua 2018 - VI Festival Internacional de Artes del Movimiento, se realizará del 23 al 27 de Mayo en la ciudad de Quito.

Revisa las bases en: http://festivallaguaragua.wixsite.com/laguaraguafestival/bases-de-convocatoria12249250694?profile=original

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ATMÓSFERA DIGITAL, ALEMANIA.- Como parte de su proyección como una institución dirigida a fomentar el arte y la cultura, la Asociación K41 de la ciudad de Colonia en Alemania, celebra su la muestra titulada “Kunst und Religión”, en la cual participa el artista dominicano Jochi Muñoz junto a otros de distintos países.

En esta ocasión, Muñoz participa con tres vídeos que documentan sus performances “53 Cuentas”, “Dilución” y “Agnus Dei”.

Jochi Muñoz expresa: “Sin dudas, haber recibido la invitación a participar en el evento Kunst & Religión es una deferencia hacia mi trabajo que agradezco y valoro, ya que permite que el mismo sea mostrado en otras latitudes y sometido, por tanto, a otras miradas, a otras consideraciones”.

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La curadora de la muestra, Margarita Grullón, delante de la proyección de uno de los videos de Jochi Muñoz

El primer vídeo trata sobre el performance “53 Cuentas”, en el cual Jochi reza el rosario frente a la Catedral Primada de Américaa la 6:00 de la tarde, hora del ángelus, pero obviando los textos originales, y diciendo, en cambio, la poesía infantil “La muñeca” en el lugar en donde se rezarían los avemarías. Son 53 veces que se dicen estos, por tanto, fue ese número de veces que dijo la poesía. En su acción el artista extrapola lo que dicen los versos a lo que ocurre en nuestra sociedad: la violencia que se pretende no ver; la violencia que se quiere acallar. Que la Iglesia pretende, muchas veces, obviar.

En el performance “Dilución” el artista hace alución a como se van borrando en la vida los recuerdos; como se van olvidando los elementos culturales; como se va perdiendo la identidad; como va languideciendo el amor. A la vez, es un símil de las obsesiones que minan la existencia del ser humano, y de las que muchas veces no se puede -o no se quiere- uno desprender. El artista hizo barquitos de papel, por espacio de dos horas ininterrumpidas, empleando la estampa de Ntra. Sra. de los Dolores La Dolorosa, la Metré Silí del panteón de la religiosidad popular dominicana), y los colocó en el agua contenida en un balde grande. El agua contenía cloro para que la imagen de la Santa se fuera diluyendo poco a poco.

“Agnus Dei” es el performance que se presentó el 1 de octubre de 2011, como parte de las actividades paralelas a la muestra “El Museo del Prado en Santo Domingo”, exhibida en el parque Independencia. Cada artista del performance invitado hizo una relectura de una de las obras pictóricas expuestas, creando otra que tocase la realidad del entorno social actual. Jochi Muñoz eligió la pintura Agnus Dei, de Francisco de Zurbarán. El artista procura llamar la atención sobre la situación del trabajo infantil, que por fuerza de verla diariamente, a muchos les pasa desapercibida. No se repara en todas las incomodidades, sinsabores y peligros a que están expuestos esos niños, al desarrollar su labor en lacalle.También, se podría leer la pieza como una petición al Cordero para que las penas del desamparado sean limpiadas, tal y como se pide en la Misa, a favor de los creyentes.

De su lado, la curadora de la muestra, Margarita Grullón, sostiene que “La obra de Jochi Muñoz es una obra comprometida con las realidades del ser humano y su entorno. En esta oportunidad, se exhiben sus trabajos dentro de una iglesia católica, considerada un monumento histórico, con temas que cuestionan incluso a la misma iglesia. Es la primera vez que un artista dominicano expone en este contexto, lo que constituye en un logro y un orgullo para la República Dominicana”.

 La exposición “Kunst und Religión se presenta en la Iglesia St. Michael en la de Colonia, en Alemania.

Publicado en: http://atmosferadigital.blogspot.com/2017/11/artista-jochi-munoz-pa...

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Luis Ortigoza y el celo por la tradición

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"RAYMONDA" (Romina Contreras)
Fotografía: Patricio Melo

Crítica de Ballet
Por Charles Benner
(Desde Santiago)
26 / 11 / 2017

Extraordinario estreno y magistral producción exhibió el día de ayer el Ballet de Santiago y su “Raymonda” en versión completa y revisión coreográfica de Luis Ortigoza. Sin duda, una avanzada de gran envergadura y excelente factura es la que nos brinda el ex bailarín estrella en su revisión y recreación para este título, el mismo que viene a reforzar el vasto repertorio de la compañía nacional. “Raymonda” corresponde al último gran ballet creado por el marsellés decimonónico Marius Petipa en una tardía alianza con Aleksandr Glazunov tras la muerte de Piotr Ilich Tchaikovsky. El argumento del ballet basado en hechos históricos, otorgan a este título un atractivo especial y más aún, cuando el montaje nos llega por vez primera en la versión completa. Por otra parte, un soberbio y competente elenco encabezado por Romina Contreras, Emmanuel Vásquez y Rodrigo Guzmán, aseguran el éxito rotundo de esta temporada. En cartelera hasta el 2 de diciembre en el Teatro Municipal de Santiago.

Sin duda Marius Petipa fue el gran arquitecto del ballet ruso y forjador de una tradición sin par. El Teatro Imperial de San Petersburgo fue testigo de la gran imaginativa y creatividad del francés afincado en la Rusia zarista durante un extenso período del romántico siglo XIX. La genialidad de este autor permitió estructuras dramáticas que a la fecha continúan siendo absolutamente vigentes y atractivas tanto para noveles coreógrafos, como consagrados y espectadores en general.

Conocedor del academicismo de las escuelas imperantes en su época y sumado a un profundo conocimiento de las danzas de carácter, dotó a sus ballets de una rica, variada y compleja escritura coreográfica situándolas a nivel de obras de arte mayor. La trilogía integrada por “El lago de los cisnes”, “La bella durmiente” y “Cascanueces”, junto a “La bayadera” y concluyendo en “Raymonda”, hablan de la gran sapiencia creativa y pureza estilista del clasicismo desarrollado por el marsellés. Su arte caracterizado por la exigencia técnica y sentido del buen gusto dejaron tras sí, el acrobatismo italiano y el lujo exacerbado del ballet francés desarrolladas en la era romántica. Reformuló los roles y asignó las competencias específicas para la dama y el varón. El sello estilístico de Marius Petipa se puede visualizar en toda su literatura coreográfica a través de sus grandiosos Pas de Deux y sus respectivas variaciones y codas.
Aleksandr Glazunov es considerado el último exponente de la escuela nacional rusa de composición fundada por Mijaíl Glinka y además cultor de la llamada música de programa. A la muerte de Piotr Ilich Tchaikovsky, el coreógrafo Marius Petipa invita a Glazunov a colaborar en las creaciones de nuevos ballets. De esta alianza saldrán “Las estaciones”, “Raymonda” y “Astucias de amor"

Oído excepcional y prodigiosa memoria musical fueron tempranamente sus mayores dotes permitiéndole avanzar vertiginosamente en sus estudios musicales. A los 16 años estrenó su primera Sinfonía con singular éxito el 29 de marzo de 1882. Mitrofan Belyayev, rico terrateniente y comerciante ruso, mecenas y amante de la música se sintió cautivado por el precoz talento de Glazunov dedicándose de lleno a promover la carrera musical de su protegido. Por otra parte, Aleksandr Glazunov desarrolló una duradera amistad con su maestro Rimsky Korsakov a pesar de la diferencia de edad.

Aleksandr Glazunov comenzó a ser conocido a través del Círculo Belyayev, instancia que promocionaba el mecenas en su palaciega mansión de San Petersburgo. En 1884 Belyayev lleva al joven Glazunov de viaje por Europa Occidental conociendo en aquella ocasión al húngaro Franz Liszt. Aun cuando la crítica le era bastante favorable, Glazunov experimentó un periodo crítico en lo que respecta a la creación musical recuperándose con rapidez. De este nuevo período vendrán tres nuevas sinfonías, 2 cuartetos y el ballet Raymonda.

En esta oportunidad Luis Ortigoza, ex bailarín estrella del Ballet de Santiago, indaga, investiga, propone y recrea con gran acierto una nueva versión de “Raymonda” basada en el original de Marius Petipa. Respetuoso del estilo y celoso de la tradición, Ortigoza se permite realizar un “lifting” a la obra conservando la esencia. Podemos afirmar que en su apuesta logra absoluta concordancia entre la armonía estructural de la obra y la acción dramática ajustada a tiempo y lugar.

La misma se percibe ágil, dinámica y extremadamente atractiva visualmente. Un acierto son las danzas otorgadas al contingente masculino, como así también el remozado perfil para Abderakhman en términos más bailados que una acción dramática en reposo. El rescate de este título en su versión integral es un aporte valioso al repertorio de la compañía y una obra que permite grandes desafíos para el crecimiento artístico de sus integrantes. La reducción de tres actos a dos nos parece acertada pues agiliza en gran manera la acción dramática. Toda vez que se tocan los grandes clásicos se corren grandes riesgos, no obstante Luis Ortigoza, ha salido airoso tanto en esta revisión como aquellas realizadas anteriormente con “La Bayadera” y “Paquita”

Pablo Núñez, escenógrafo y vestuarista con una dilatada trayectoria y grandes logros a su haber, tiene la capacidad de sorprendernos toda vez que sus propuestas suben a escena. Fino, elegante y de gusto refinado en sus apuestas responde a un trabajo investigado y dedicado con extraordinario profesionalismo. La escenografía para esta “Raymonda” es verdaderamente magistral.

La recreación de ese palacio íntimo y algo solitario en una cuidada selección de tonos y colores, logra el efecto deseado. No obstante, nos pareció del todo extraño lo referido a vestuario, que si bien en cuanto a textura, color y forma no tenemos objeción, sí, las hay en cuanto a la elaboración y terminación. Especialmente cuando vestuario de época se trata. El recamado y la pedrería en esta oportunidad, brillaron por su ausencia. Ahora bien, durante el intermedio entre acto y acto averiguamos las razones de tal escases. Es una lástima que la actual Dirección General del Teatro no haya privilegiado la excelente labor que por décadas ha desarrollado el taller de vestuario del teatro junto a su efectivo personal. ¡Lamentablemente por muy europea que haya sido la encomienda, la misma no cumplió!

La compañía toda luce un alto nivel técnico para esta exigente puesta en escena en cuanto líneas, cruces, levantadas y sobretodo rapidez y velocidad de piernas. Romina Contreras (Raymonda), resuelta en toda su gama interpretativa. Vemos en ella una bailarina de amplio registro y hermosa línea. Técnicamente segura ante las complicadas variaciones y brillante en sus resoluciones.

Emmanuel Vásquez (Jean de Brienne), se perfila como potencial referente masculino del conjunto capitalino. Seguro en su ejecución y brillante en los giros y tour en l’air. El tiempo dará la madurez necesaria para desarrollar y asimilar en propiedad el campo de la interpretación. Rodrigo Guzmán (Abderakhman) un verdadero camaleón en escena cuya cualidad para recrear personajes es verdaderamente asombrosa.

Una vez más nos sorprende gratamente con la construcción del rol, desempeño del mismo y la gran capacidad de dialogo escénico. Por otra parte, especial mención merece el cuarteto conformado por María Lovero, Mariselba García, Gustavo Echevarría y Alexey Minkin, cuyo lucido desempeño durante todas sus intervenciones sean estas grupales o en solitario, merece destacar. Por último, una antigua y experimentada gloria da vida al rol del Tutor de Palacio, el maestro Jaime Pinto cumple con el rol a cabalidad.

El diseño de iluminación propuesto por José Luis Fiorruccio es rico en colorido y temperatura creando atmosferas diversas que respaldan tanto la composición de Luis Ortigoza como la escenografía de Pablo Núñez. La Orquesta Filarmónica de Santiago tuvo un feliz desempeño bajo la conducción del experimentado José Luis Domínguez para una adaptación musical del maestro Pedro- Pablo Prudencio.

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Defilló en La Habana: entre imagen y movimiento, siempre la Boán
Por Noel Bonilla-Chongo
Para Marianela Boán, una de las creadoras más notables que ha tenido la danza contemporánea cubana desde mediados de la década del ochenta del pasado siglo, hoy radicada en República Dominicana y al frente de la Compañía Nacional de Danza de la isla vecina; es Defilló, la pieza que siempre quiso hacer desde su retorno al Caribe.
La pieza estructura su escritura coreográfica a partir de la narrativa de la amplia y exquisita obra pictórica de Fernando Peña Defilló. Artista visual y también crítico de arte que, desde su filiación estética al informalismo español, devuelve su potencial expresivo totalizante, en una pintura definida “por y para la dominicanidad y el antillanismo”, dejando que la autoctonía de su ingenio y maestría, cimienten una sólida y contundente producción artística con caracteres identitarios reconocibles en la República Dominicana, el Caribe todo y mucho más allá de nuestras latitudes.
En apariencias, la coreógrafa realiza una suerte de sutil transferencia de la iconografía e idiosincrasia dominicana asentada en Peña Defilló hacia la escena. Suerte de amplio lienzo que le permite tejer una urdimbre donde la referencialidad inmediata, la asociación adyacente y la propiación simbólica, resultan claves elocuente de un trazado espacial, corporal, situacional e imaginal verídico y concreto. No hay en Defilló, aun cuando siento un evidente propósito figurativo en su literalidad, la procacidad burda del calco acostumbrado en la escritura coreográfica que toma como móvil creativo determinada obra plástica. Por el contrario, Boán reinterpreta el universo y estilística del pintor, su manifiesto carácter endógeno de la insularidad, para hurga en los vericuetos geocéntricos de Dominicana y, por extensión, de cualquier reducto isleño del Caribe. Realismo, expresionismo, neo-primitivismo, geometrismos, yuxtaposición, policromía, idas y vueltas, etc.; en la medida que se vuelven trazos vehiculantes de la obra del pintor, en la pieza de Marianela proponen una novel imagen, donde el accionar narrante del cuerpo gana protagonismo absoluto.
Tal vez por ello, esta es la obra que la coreógrafa se debía en su nuevo escenario de acogida. No hasta este minuto, los bailarines que integran la Compañía Nacional de Danza han logrado acumular las experiencias corporales, motivacionales, culturales, que exigen los procesos de investigación y escritura asumidos por Marianela. Cuerpos dóciles y, a la vez, autónomos en su vocabulario expresivo y modo de reinterpretar la pauta.
En Defilló, tal como se sucede en las múltiples imágenes creadas por el pintor, se modula una equidad estética donde las relaciones entre lo aparencial y lo sugerido, la forma y el color, lo visible y lo invisible, etc., crean un universo poblado por esos personajes recurrentes e invariantes de nuestras realidades cotidianas. La familia, su foto, sus fugas y fracturas. La fruta, su color, su textura, su olor. La mesa como punto de encuentro y como instancia de disonancia.
Si bien la labor coreográfica de Marianela Boán y su gran creación: la fundación de la compañía DanzAbierta hace ya treinta años (con la que produjera las piezas más memorables del catálogo razonado de la danza contemporánea cubana El pez de la torre nada en el asfalto o Chorus Perpetuus), está signada por el tratamiento discursivo-espectacular de las inquietudes y conflictos del hombre consigo mismo y con la sociedad que lo circunda, por su interés en develar mitos, conservadurismos y el dominio que le atribuye a los niveles o planos dramatúrgicos, etc., hoy por hoy, en su actual territorio creativo, Boán está regresando a la danza que baila. Instancia que no significaría un retroceso o alto en sus modos avant-garde de entender la acción danzaria o el rol del sujeto danzante, me atrevería a pensar que se está produciendo una recapitulación donde el contexto vuelve a resemantizar los dispositivos que legitiman a la danza como zona discutible de lo “irrepresentable”.
Tal como le ocurriera a Peña Defilló cuando regresó de Europa a Dominicana; al volver de Norteamérica al Caribe, Marianela retoma un viaje donde su otrora y supuesto sentido de lo “no-formal” se transforma en polifonía discursiva del cuerpo y también de la imagen. Regresar a los valores primarios de la geométrica del vocabulario técnico de la danza, de la movimentalidad denotativa del salto, el giro, la caída, etc., le permiten establecer una relación más colindante con esos espacios que Peña Defilló volvió habitar (tal como ha registrado la crítica Marianne de Tolentinoa), para ocupar, para poblar de par en par, su pintura hacia la representación criolla, la de su gente y sus tradiciones, la de su mística y su sincretismo. Con Defilló, ahora en una Habana teatral, la Boán ha retornado siempre entre imagen y movimiento.12249248488?profile=original

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LA FILLE MAL GARDÉE

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Fotografía: Gabriel Valencia

Crítica de Ballet
Por Charles Benner
(Desde Los Ángeles)
04 / 11 / 2017

Entretenida y chispeante resultó ser la tercera y última función que ofreció el Ballet Municipal de Los Ángeles para el atractivo título de todos los tiempos “La Fille Mal Gardée”. Dicha puesta en escena los días 1 y 2 del corriente, responde a la versión adaptada por el maestro Hugo Zárate sobre la coreografía de Frederick Ashton y música de Peter Ludwig Hertel y Ferdinand Herold. El elenco angelino muestra grandes avances además de evidenciar un sentido de grupo muy compacto; aspecto importante para el crecimiento y desarrollo artístico del conjunto. Por otra parte, comprobamos que una importante cantidad de nuevos talentos viene a reforzar el elenco, el mismo que tiempo atrás estuviera en riesgo de desaparecer. Celebramos estos aires renovados, el entusiasmo y profesionalismo con que están realizando el difícil y efímero arte del ballet y la danza en la sureña ciudad de Los Ángeles.

Hugo Zárate, artista transandino afincado en la ciudad de Chillán donde tiene su propio estudio; año a año plantea desafíos de gran envergadura relativa a sus puestas en escena tanto en su escuela como en el Ballet Municipal de Los Ángeles, conjunto que él dirige. Si pensamos que el grueso de los integrantes es mayoritariamente estudiantes y con una gran carga horaria en sus respectivos colegios, sumado al hecho de que la provincia siempre es infinitamente más lenta en todo orden cosas; la lucha por cumplir el propósito impuesto debe ser realmente titánica; no obstante ello, el maestro Hugo Zárate tiene la cualidad de salir siempre exitoso en sus aventuras artísticas. Siempre lucidas y con extremo rigor profesional.

Con anterioridad (diciembre de 2013) vimos una suite de “La Fille mal Gardée” del mismo Hugo Zárate en Chillán con bastante buen resultado e interpretado en aquella ocasión por el alumnado de su propia escuela chillanense. Hoy la puesta en escena contempla la interpretación del Ballet Municipal de Los Ángeles en una versión total de la obra con ciertas adaptaciones y ambientada igualmente en el campesinado chileno. El elenco del Ballet Municipal de Los Ángeles se muestra disciplinado y de buen nivel artístico-técnico. Las tres funciones realizadas en el Teatro Municipal de la ciudad, corresponden a un total de seis conforme al proyecto adjudicado del Gobierno Regional del Bío Bío), para llevar el ballet a diversos espacios y comunas de la Región. Durante el mes de enero de 2018, los parroquianos de Santa Bárbara, Quilaco y Nacimiento, podrán disfrutar de esta divertida comedia bailada donde la severa Doña Simona, termina cediendo a los caprichos de su hija Lise.

“La Fille Mal Gardée”, es quizá el ballet más antiguo que continua representándose en la actualidad en los grandes teatros del mundo con extraordinario éxito. Corresponde al género de la comedia danzada, o también llamado ballet demi-carácter, cuyos personajes deben transitar tanto por la danza como por el recurso de la pantomima y la actuación con gran propiedad. Jean Dauverbal, coreógrafo francés se habría inspirado en un grabado de Pierre-Antoine Baudouin. Se estrenó “La Fille mal Gardée” en Bordeaux, Francia en 1789 en plena Revolución Francesa.

La versión más popular conocida en la actualidad es aquella creada por Sir Frederick Ashton en 1959 y estrena en Londres en 1960. Los protagonistas, un par de jovenzuelos cuyo argumento gira en torno al encuentro de un muchacho y una chica a cuya felicidad, la madre antepone sus propios intereses. El triunfo de la pareja es decisivo dejando entrever un toque revolucionario para la sociedad de la época y sus costumbres.

Atractiva es la revisión y adaptación coreográfica del maestro Hugo Zárate para este título con el elenco angelino. Interesante es la concepción y estética la cual pasa por ambientarla conforme a la tradición del campesinado chileno. Por lo mismo, esta puesta en
escena es muy cercana a todo espectador. Los roles están bien delineados y asumidos en propiedad por sus respectivos intérpretes.

Gladys Henríquez acierta en su desempeño como actriz-bailarina. Se entrega a la actuación logrando una Lisa fresca, divertida y chispeante. El tono comedia lo incorpora bastante bien y con propiedad a la paleta interpretativa. Martin Villar, es un buen soporte para Gladys Henríquez, no obstante requiere de mayor compromiso técnico-actoral especialmente para el ballet comedia, donde los detalles son valiosísimos para la comprensión de la historia. Ariel Cuevas (Gaspar), un rol compuesto correctamente permitiendo el dialogo escénico con fluidez conforme al argumento.

Hugo Zárate (Doña Simona), logra dar el tono correcto para el personaje jugando con matices y dinámicas que enriquecen la escena Nos ofrece una Simona gruñona, bastante campechana y divertida a momentos. Lucida es su “Danza de los Zuecos” junto a Catalina Erices, Sonia Mardones, Javiera Olate y Fetnah Zegpi. Cabe señalar, que el logrado trabajo escenográfico propuesto por Néstor Sepúlveda y Rodrigo Zurita sumado a la cantidad de elementos de utilería que requiere este Ballet Comedia es del todo aplaudible. No decimos lo mismo en cuanto al vestuario, si bien cumple con el estilo conforme al carácter de la obra, sentimos que el tono azul predominante, resta calidez a la trama. Junto a los protagónicos, el resto de los personajes que componen esta divertida historia, están bien ejecutados por el elenco cumpliendo el perfil requerido. Sin duda una labor y montaje de esta envergadura en provincia, es toda una hazaña y por supuesto el gran mérito es destacable en el maestro Hugo Zárate
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Paola Aste, un baluarte a recuperar.

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"VOLVER"
Fotografía: Gonzalo Muñoz

Critica de Danza
Por Charles Benner
(Desde Concepción)
24 /10 / 2017

La escasa oferta artística en cartelera referida al arte coreográfico penquista, se vio recompensada los días 13 y 14 de octubre en la sala del Teatro Concepción tras la puesta en escena de “Volver” de Paola Aste e interpretada por el Colectivo Calaukalis. La premiada artista local quien desde hace unos años desarrolla su actividad en diferentes centros artísticos de Santiago, ha concedido un paréntesis volviendo a su natal Concepción para retomar, reconstruir y reposicionar la creación de contenido en la escena local. Si bien, la ciudad de Concepción cuenta con un amplio movimiento danzante en diversos estilos además de entusiastas cultores del folklore, baile árabe y rutinas del ballroom entre otras expresiones recreativas; la danza de culto, aquella que requiere elaboración escritural basada en un lenguaje codificado de alta escuela y sólido respaldo técnico sumado a cuerpos preparados para su ejecución, aún es una realidad distante en la urbe del Gran Concepción. Por ello, cuando surge una propuesta interesante de inmediato concita la atención de la crítica especializada.

A finales de 2012 Paola Aste nos brindó “Ay de mi Violeta”, pieza coreográfica de gran valía cuyo éxito le ha significado vigencia hasta el día de hoy. En aquella oportunidad, el montaje para el Colectivo Calaukalis contó el respaldo financiero del Gobierno Regional del Bío Bío. En esta ocasión una nueva propuesta la posiciona una vez más como el gran referente creativo de la danza moderna y contemporánea penquista. Esta vez “Volver” es el título de la obra y corresponde a un Proyecto Fondart de Creación Regional 2017 en la interpretación del Colectivo Calaukalis. Por otra parte, la pieza coreográfica lleva la firma de su hermano Cuti Aste en la composición musical.

Paola Aste, retorna a la escena local proponiendo un lenguaje más cercano a la danza contemporánea que aquella basada en los tratados de la danza moderna o los principios de la Técnica Limón los cuales le observáramos en creaciones pasadas. “Volver”, volver del dolor, de la angustia, de la alegría… en fin, un volver desde la memoria emotiva profunda y otras algo superfluas en una variada paleta tonal nos ofrece la coreógrafa en esta danza. Pieza sin línea argumental o narrativa explícita nos pasea estrictamente por el corpóreo. El intérprete, un cuerpo humano en movimiento cuya memoria registra acontecimientos de la vida en diversas e intrincadas facetas, entrega una danza cargada de dinámicas e intensidades diversas constituyendo un reservorio de imágenes almacenadas en distintas tonalidades que surgen gradualmente a medida que se activa la memoria y el cuerpo recuerda. Advertimos un dedicado trabajo exploratorio del movimiento especialmente en lo que refiere a la extremidad superior. Desde lo conceptual, Paola Aste concreta ideas dando fluidez escritural a la pieza danzada. Un pasado reflexivo llevado a un presente racional. Una radiografía corporal develando las profundidades del alma, aquellas que a veces la razón intenta olvidar.

Música sugerente, interesante experimento carente de armonía estructurada plantea el compositor para respaldar la idea escritural de la coreógrafo. Cuti Aste recurre a lo que podríamos llamar “estímulos sonoros” para el desarrollo compositivo de esta pieza bailada. Nada definido en cuanto a forma musical o estilo reconocible; pero sí, un soporte concreto para la arquitectura de la obra. Agudizando el oído, podemos identificar un leve guiño referido al son impresionista.

Definitivamente estamos frente a una composición exploratoria, de laboratorio musical cercano al género de la música incidental y concepción contemporánea que justifica su estructura sonora solo en la acción escénica. Al no existir melodía definida (excepto un pequeño pasaje), pulso latente y ritmo concreto, la creación de Cuti Aste debe ser “oída” con los ojos muy atentos.

El diseño escénico y concepto visual obedece a la imaginativa plástica propuesta por Ricardo Sepúlveda. El uso de transparencias como apoyo escenográfico permite mostrar la historia de los cuerpos y su ascendente psicológico en plenitud. Imágenes de genuino impacto dramático y otras de contenido más liviano, transitan amigablemente en la escena.

Los bailarines Eduardo Aguilera, Andrea Briano, Macarena Nahuelcura y Juanita Paz Saavedra; respaldan en propiedad la demanda solicitada por la coreógrafa en los aspectos técnicos de la danza y sus trayectorias, y mayor solidez en el área de la interpretación. El diseño de luces realizado por Mauricio Campos es rico en intensidad y temperatura creando atmosferas muy acertadas para esta composición danzada.

En cuanto al vestuario, advertimos una elaboración cuidada acorde al concepto y diseño integral. Ello se agradece, ya que en ciertas ocasiones hemos asistido a muestras coreográficas donde el vestuario no constituye un aporte a la creación transformándose finalmente en un estorbo visual. Evidentemente, en esta ocasión estamos frente a un grupo de trabajo con tareas asignadas y cumplidas a cabalidad. Sin temor a equivocarnos, podemos aseverar que los recursos entregados por Fondart para esta producción y creación, están plenamente justificados.

Conclusión
Paola Aste, referente obligado de la danza moderna-contemporánea y baluarte regional, debiese contar con un verdadero respaldo institucional en vías de recuperar aquel valioso emprendimiento que un día realizara en la ciudad de Concepción cuyo aporte dejó huellas tan profundas, que hasta hoy nadie ha vuelto a transitarlas con solidez y propuesta de altura. Una carrera universitaria referida a la danza en la Región del Bío Bío no sería una idea descabellada. Tal vez un bien necesario y un retorno

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