A Casa de Bernarda Alba
O Grupo Harém de Teatro desempenhou em seu histórico da prática dramática uma representação da cultura local e nacional sempre exercitando o princípio de convergência de linguagens, signos e dramaturgias de reinvenção do teatro brasileiro.
Nos últimos 24 anos de atuação, pôde não só ser responsável pela formação de platéia, como pela valorização do teatro produzido aqui e consumido em outras partes do Brasil e exterior.
Com um desenho dramatúrgico que foi se caracterizando para o viés do tragicômico de montagens, o Grupo foi responsável por sucessos de público e crítica que envolvem autores como Francisco Pereira da Silva ( “Raimunda Borborema ou Os dois amores de Lampião antes de Maria Bonita nunca antes revelados”, “Raimunda Pinto, sim senhor!”, “ O Vaso suspirado”); Gomes Campos ( O Auto do Lampião no Além); Benjamin Santos ( O Princês do Piauí) e Plínio Marcos ( “Harém conta o assassinato do Anão do c... grande” e “Dois perdidos numa noite suja”, este último em parceria com o Grupo Extremo de Teatro, de Portugal).
Texto de autor ibérico, do espanhol Federico Garcia Lorca, “A Casa de Bernarda Alba”, caracteristicamente de viés dramático, foi a escolha que o Harém definiu para, em mantendo uma seguida linha de pesquisa da identidade local e universal, abrir as comemorações de aniversário do Grupo.
“A Casa de Bernarda Alba” compõe a última peça da trilogia de dramas folclóricos(acepção do autor) que traduziríamos como dramas populares espanhóis, ela vem antecedida de “Yerma” e “Bodas de Sangue”. Construída em um período da ditadura franquista, “A Casa de Bernarda Alba”, escrita em 1936, não pôde ser vista em cena pelo autor, que teria sido morto pelos pelotões de soldados do ditador Franco, trinta dias após a conclusão da peça.
Vivendo em um momento de ebulição cultural com interrelações de afinidade estética de criação com Salvador Dali, Magritte, Picasso e Freud, Federico Garcia Lorca também apresenta em suas interpretações de construção dramatúrgica a aproximação da escola surrealista, a manifestação do inconsciente presente no ato criativo dos artistas, cientistas e intelectuais do período europeu.
Como autor social de atos políticos teve reconhecimento pela sua produção e também foi vítima da intolerância dos detratores da liberdade humana. Legou à humanidade uma afiada crítica aos desmandos, à intransigência da natureza humana que ganha força e alegoria de representação na vida das personagens que forja para o mapa do teatro universal.
“A Casa de Bernarda Alba”, para a leitura do diretor Arimatan Martins, retém a genial composição dramática de Garcia Lorca em uma casa só visitada por mulheres após a morte do varão. Cinco filhas, a viúva e duas empregadas vivem emparedadas, remoendo as ambições de se libertarem do jugo dos limites em que estão cerceadas. Enlutadas pelos próximos oito anos dividem fantasias, expectativas e falhas humanas que as obrigam a se amarem e se odiarem simultaneamente.
A falha trágica do enredo dramático é a chegada de um pretendente à mão de uma das filhas de Bernarda. A mais rica, feia e herdeira de um dote do pai morto - um dos maridos da matriarca – será o motivo do acirramento das intrigas, traições e instinto perverso que culminará em tragédia anunciada.
Garcia Lorca soube tão bem expressar esse universo feminino de contexto particular confrontado com os rigores e disciplinas impostos pela política de poder da exceção. Há poder intolerante brigando com as liberdades vigiadas que nem sempre acabam bem quando se insurgem contra as convenções e mandos institucionalizados. A tragédia da vida da arte se repete na vida humana. E há um objeto reparador para a reflexão de quem absorve a mensagem do dramaturgo.
“A Casa de Bernarda Alba”, montagem do Grupo Harém de Teatro, com financiamento do SIEC- Sistema de Incentivo a Cultura do Governo do Estado do Piauí. Temporada de 07 a 30 de Maio( de Sexta -Feira a Domingo) fica, em cartaz, no Teatro Estação (Miguel Rosa com Frei Serafim), sempre às 20 horas.
Direção: Arimatan Martins
Elenco:
Lari Sales (Bernarda)
Airton Martins (Maria Josefa – mãe de Bernarda)
Maneco Nascimento (Angústias – filha)
Tércia Maria (Madalena – filha)
Bid Lima (Amélia – filha)
Fernando Freitas (Martírio – filha)
Janaína Alves (Adela – filha caçula)
Francisco de Castro (La Poncia – criada)
Luciano Brandão (criada)
- 24 a 30 de maio 2010 - Seminário 'dúplice' - Instituto Universitário Nacional de Arte - Buenos Aires - Argentina
Abril en Movimiento es un proyecto cultural del Foro Paraguay por la Danza realizado con el apoyo de la Embajada de España, el Centro Cultural de España Juan de Salazar, AECID- Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo y la colaboración de la Red Sudamericana de Danza.
En el marco de las celebraciones que a nivel mundial se realizan para conmemorar el DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA se realizaran las siguientes actividades:
Celebración del Día Internacional de la Danza: a realizarse el 29 de Abril en el Teatro Manuel de Falla del Centro Cultural Juan de Salazar a las 20:00 hs, con la presentación de elencos profesionales y juveniles de nuestro medio. Acceso gratuito.
Taller Imagen y Movimiento desde las Nuevas Tecnologías: los días 30 de abril, 1 y 2 de mayo, de 9 a 13h en el Instituto Superior de Bellas Artes.
El taller está orientado a personas provenientes de la danza y artes afines, interesadas en ampliar sus herramientas productivas y creativas. Cupo limitado.
Introducción teórico-práctica a nuevas herramientas tecnológicas y conceptuales orientadas a potenciar el trabajo creativo y el intercambio cultural en red. Se explorará el video en la internet y plataformas de transmisión en vivo como nuevo espacio performático, y su potencial creativo y estético para artistas del movimiento y la danza. Se ofrecerán ejemplos de aplicaciones innovadoras del nuevo internet y los medios sociales en los procesos creativos y el mercadeo viral. Se realizará entrenamiento en el uso de movimiento. Uso de herramientas multimedia integradas y portátiles a nivel de equipo (hardware) y plataformas gratuitas disponibles en el internet(software).
El taller estará coordinado por Marlon Barrios (Venezuela – EEUU) investigador y especialista en tecnologías interactivas para performance, nuevas medias sociales y colaboración creativa. Master en danza y nuevas tecnologías por la Universidad de Ohio (EEUU). Productor de plataformas interactivas para colaboración y conocimiento abierto. Creador de la red social dance-tech.net y productor del canal colaborativo de vídeo dance-tech TV. Desde 2007 colabora con la Red Sudamericana de Danza como consultor.
Imagen y Movimiento forma parte de Red en Movimiento un programa de capacitación en nuevas herramientas de internet y metodología de trabajo en redes artísticas y culturales impulsado por la Red Sudamericana de Danza (www.movimiento.org) y que se lleva a cabo en diversos eventos de danza latinoamericanos en 2009 y 2010 gracias al apoyo de la Agencia Española de Cooperación para el Desarrollo – AECID e Hivos. Ver www.movimiento.org/rem
Presentación de TERRITORIOS EN RED. 30 de abril en el Instituto Superior de Bellas Artes de 13:15 a 14:30 hs. Con la participación de los miembros de la Red Sudamericana de Danza: Jaqueline Vasconcellos / Brasil, Tomás Alonso Fernández / Chile, Claudia Pisani / Uruguay, Isabella Motta/Brasil, que estarán en Asunción del 29 de abril al 2 de mayo.
El Foro Paraguay por la Danza es una plataforma participativa que aglutina a los profesionales del sector de la danza. Creado el 8 de noviembre de 2005. Congrega a estudiantes, maestros, directores, bailarines, coreógrafos y profesionales relacionados con la danza, en un esquema organizacional abierto y participativo.
La Red Sudamericana de Danza, www.movimiento.org es una iniciativa de integración y colaboración entre diversos actores de la danza y la cultura pertenecientes a los países de América del Sur, con proyección a Centroamérica, México y el Caribe y en articulación con otras redes.
Para más informaciones: Tel: Secretaria Danza ISBA/ 223100 (8:00 a 14:00 hs) Cel.: 0981 598263.
Email: foroparaguayporladanza@gmail.com
Contacto: Prof. Gloria Oviedo
Instituto Superior de Bellas Artes: Av. Próceres de Mayo 251 entre Ana Díaz y Av. Gaspar Rodríguez de Francia.
“Carne de Aire”
Ballet Nacional Chileno
Fotografía: Karin Pozo
Los artistas del Ballet Nacional Chileno culminaron el sábado 24 de abril recién pasado con la puesta en escena de la obra “Carne de Aire”, la misma estrenada en 2004 y remontada para la presente Temporada. La creación coreográfica corresponde al director artístico de la agrupación Gigi Caciuleanu; con música de Alfredo Bravo y la poesía del vate nacional Pablo Neruda. Un ciclo de ocho funciones testimoniaron en el Teatro de la Universidad de Chile, este primer título del Banch para la Temporada 2010.
La métrica en diversas combinaciones del verso nerudiano, el respaldo sonoro del bailarín y compositor Alfredo Bravo; más el sentido de movimiento - dirección, velocidad y fuerza – que propone Gigi Caciuleanu, otorgan a esta puesta en escena un toque muy particular . Es una composición danzada que fluye de principio a fin. Aun cuando el coreógrafo nos tiene acostumbrados a la clásica sucesión de dúos, solos y coros; podemos decir que en esta oportunidad logra a través del mismo formato, un resultado bastante acertado. La amalgama y mixtura de una idea danzada, tiene su correspondiente afín en el ritmo verbal, más allá de lo estrictamente musical. Quizás la verdadera música es la métrica poética; pues la música de Alfredo Bravo, si bien ofrece a la coreografía de Caciuleanu un sonido de fácil audición y procesar, es mas bien un apoyo descriptivo a la composición danzada que melodía en sí. Armado de guitarras, bajos y elementos programáticos en operativa digital, logra una partita comprometida con la dinámica, flujo y velocidad que requiere la danza propuesta. El recitado - en off - del actor Alexander Baxter; el mismo que si bien es cierto, no posee una voz profunda y bien timbrada para la declamación, obtiene a través de las inflexiones y matices monocordes que emprime a su voz, dar una sonoridad base al movimiento; la cual a veces se entrelaza con la composición musical de Alfredo Bravo y en otras actúa per se.
Un conjunto de 20 cuadros danzados dan cuerpo a “Carne de Aire”; obra coreográfica en que el creador rescata y selecciona algunos poemas de los volúmenes "Extravagario", "Los Versos del Capitán", "El Libro de las Preguntas" y "Residencia en la Tierra" del poeta Pablo Neruda. Gigi Caciuleanu, apoyado de elementos como redes de pescadores, cadenas y módulos entre otros; traduce de manera efectiva y sugerente el verso al movimiento, si bien en algunas escenas se maneja literal a la palabra, en otras desarrolla segundas lecturas interesantes de ahondar. La dinámica y búsqueda de lenguaje propuesto, enriquece y fluye durante esta puesta en escena. El elenco del Banch, es un cuerpo de baile afiatado y maduro, técnicamente sólido y disciplinado en su actuar, que traduce con fidelidad la idea de su creador. Imágenes de gran belleza nos entregan los dúos “Barcarola” y “Amor Azul” interpretados por Alex Gauna y Kana Nakao, bailarines de hermosa plasticidad y dominio del movimiento danzado. El solo de Carola Alvear en “Si tu me olvidas” y en el dúo “Tango del Viudo”, confirman una vez más la calidad interpretativa y artística de la bailarina. Jorge Carreño, quien siempre sorprende con su técnica y danza fluida; obtiene un acertado desempeño en “Neruda Song” junto a Rita Rossi; “Preguntas” junto a Cesar Sepúlveda y “Tango del Viudo” junto a Carola Alvear. Por otra parte, correctos en su desempeño Natalia Schonffeldt (“La Novia Fugitiva”; silente y esquiva ), Vivian Romo (“La Desdichada”; fuerza dramática y contenido), Rita Rossi (“Neruda Song”; envolvente y plástica en su danzar), Josselyn Morrison (“Bella”; sensual y acariciadora), Cesar Sepúlveda (“Para Subir al Cielo” y “Preguntas”; sólido y determinado en su mover), Cristian Contreras (“Flamenco”; fuerza y precisión musical ), Ivan Antigual (“La Desdichada”; sólido y presencial en el segundo plano) y el joven Valentín Keller (“Serpientes”, quien se impone por la calidad y manejo ondulante de su movimiento; tanto en lo ligado como en lo quebrado). La sorpresa sin duda en esta pasada, nos la entrega el bailarín Enrique Faúndez, quien a través de su interpretación en “Bella” junto a Josselyn Morrison y específicamente en su “Solo a la Ventana”, nos da cuenta de un bailarín en ascenso, seguro en su ejecución con rigor técnico e interpretativo. Logra calar en la intimidad del espectador, a través de la proyección que le imprime a su danza.
La escenografía y diseño de luces de Dan Mastacan, respaldan las escenas propuestas por Gigi Caciuleanu dando calidez y frialdad al mismo tiempo. Se logran atmósferas interesantes a través del colorido lumínico. El vestuario diseñado para esta propuesta es mas acorde a la danza, exceptuando algunas prendas color carne, la cual no favorece en algunos casos.
Can You See Me Now? Tokyo from Blast Theory on Vimeo.
Uncle Roy All Around You from Blast Theory on Vimeo.
08: Marina from Caleb Custer on Vimeo.
De cara a una globalización cultural ya instalada, la vuelta a la mirada de lo particular y lo tradicional de cada país o región, sigue siendo semillero de múltiples actividades no sólo artísticas sino también publicitarias, gastronómicas, turísticas, de diseño textil industrial, etc.
Ejemplos de estas nuevas tendencias pueden ser el turismo campestre o cultural, los ya conocidos programas televisivos gastronómicos que muestras las diferencias culinarias de distintos países y regiones o vestimentas de la vida diaria con diseño o detalles étnicos, por nombrar algunos ejemplos.
Estos procesos se pueden encontrar estudiados y analizados en trabajos teóricos como los de Martín Barbero, Walter Benjamín, T. Adorno, García Canclini, por nombrar algunos, donde se debate, entre otras cosas, el abordaje del concepto de “folklore” como ritualización del pasado o en constante proceso de cambio; se habla de una necesidad de re-significación de lo popular; y aparecen otros conceptos como “trans-culturación”, “industrias culturales”, “diversidad y pluralidad”, donde el hombre parece posicionarse en una instancia de conflicto entre la tradición y la modernidad, como si fueran opuestos y no complementarios al crecimiento cultural.
Si llevamos estas ideas al campo del arte, tomando el arte como resultado expresivo de las necesidades de la sociedad, podemos encontrar numerosos ejemplos en este aspecto, en la música, la pintura, esculturas e instalaciones, fotografía, etc.
Aplicando ésta mirada a la danza como arte de movimiento corporal, los elementos étnicos y las danzas folklóricas como fundamentos de lo particular, lo regional, lo original de cada sociedad, aportan nuevas instancias de movimientos dando posibilidad de ser fusionados, abstraídos y re-significados para la creación de una danza contemporánea nueva. Ya sea desde la temática narrativa, cinética o sensorial, cada cultura nos ofrece infinitas posibilidades para desarrollar una danza desde la composición coreográfica con el aporte, necesario o no (siempre dependiendo de la decisión del coreógrafo), de las bases cinéticas de la danza contemporánea. En este punto podemos nombrar infinitos exponentes a lo largo de la historia, conocidos y anónimos, desde los inicios del ballet en el siglo XIV, incluso antes, hasta nuestros días.
Estas elecciones, aparte de ser una opción para la composición en danza contemporánea, hablarían entre otras cosas de lo siguiente:
-De la oportunidad que otorga la investigación de conocer otras culturas a través de sus danzas y su música.
-De un nuevo desafío temático y compositivo para el coreógrafo y los bailarines, siempre enriquecedor.
-Del aporte jovial y social, siempre alegre y de convivencia, recreativo y participativo propio de los bailes y danzas sociales, para la “intelectual” y pretendida solemne temática de la danza contemporánea de hoy.
- De la posibilidad de acrecentar la audiencia de público a las obras de danza contemporánea, no solo de aquel relacionado a la danza y al arte, sino también al público en general, los cuales, seguramente, sí concurren a ver obras de ballet clásico, por ejemplo.
-De una particularidad no solo personal (la del coreógrafo), sino regional, con imágenes nuevas pero familiares, con lenguaje sonoro tal vez conocido pero distinto en la percepción visual.
-De que el conjunto de estas particularidades contribuiría a lo plural, y por tanto al desarrollo y crecimiento cultural, en lo práctico y en lo teórico, para la danza y la sociedad.
- De una aceptación de lo diferente, contribuyendo a la tolerancia.
La elección siempre termina respondiendo al entusiasmo que le produzca al coreógrafo/director un abordaje de este tipo, pero sería una pena descartar la posibilidad de entrar y vivir otros mundos a través de otras danzas, por lo menos como punto de partida o idea, que quizá tenga su desarrollo y final en lugar diferente y hasta opuesto si se quiere.
Bibliografía consultada:
ü Cardona, Patricia, Dramaturgia del bailarín. Cazador de Mariposas. Un Estudio sobre la Naturaleza de la Comunicación Escénica y la Percepción del Espectador, INBA-Centro Nacional de Investigación e Información de la Danza José Limón, México: Escenología, A. C. 1ª edición, 2000.
ü Material didáctico facilitado por la materia Historia Sociocultural del Arte, cátedra Daniel Sanchez en el año 2004 de la carrera de Lic. en Composición Coreográfica en Danzas, perteneciente al Departamento de Artes del Movimiento “M. Ruanova” del IUNA (Instituto Universitario Nacional de Artes).
ü Patricia Dorin. Creación coreográfica. Ed. Libros del Rojas, UBA.2007.
Sofía Rolando
Marzo 2010. Santa Fe- Argentina.
