Den una mirada a este nuevo centro de creación y residencia de Santiago de Chile, con especial foco en danza contemporánea y con convocatoria internacional abierta y permanente! Más data aquí
Contemporánea (34)
Bienvenidos a la Sexta Edición de Costa Contemporánea, el Encuentro de Danza y Artes Escénicas del Parque Natural Cabo de Gata-Níjar, Almería, del 2 al 6 de septiembre de 2015.
Como cada año, hemos diseñado una edición diferente, con la intención de que cada vez más apasionados de la danza, las artes escénicas y la naturaleza puedan disfrutar de uno de los eventos más interesantes de la temporada. Así, en esta edición aportamos novedades con respecto a las anteriores, enriqueciendo el bloque formativo y los espectáculos.
El esquema, sin embargo, es el mismo:
unas vacaciones en las que durante cinco días profesionales, estudiantes, amateurs y amantes del movimiento vivan en una burbuja de danza y creatividad, tomen cuatro talleres con diferentes compañías (Guillermo Weickert, Mal Pelo, Elías Aguirre y La Macana).
Para que esta inmersión sea efectiva, como siempre, incluimos el alojamiento y las tres comidas, y así el grupo de alumnos convive y comparte la experiencia de ser formado por estas cuatro importantes compañías en un entorno único.
La diferencia de este año además es que el alumno tomará clases por la mañana en sala con unos profesores (Mal Pelo y Guillermo Weickert) y por la tarde en exteriores naturales con otros (Elías Aguirre y La Macana). De esta manera, el aprendizaje se enfoca de manera que aporte mayores conocimientos y disfrute tanto a los alumnos como a los profesores.
Los espectáculos complementan a la perfección esta intención de sentirnos parte del mundo que amamos: la danza y las artes escénicas.
Si eres alumno, por las noches, tras haber tomado clases todo el día, podrás dejarte llevar por una media de tres espectáculos por noche, en su mayoría de danza contemporánea, en espacios alternativos.Un lugar de encuentro, intercambio entre artistas, alumnos y público. Un lugar en el que seguir creando lazos y aprendiendo y disfrutando de los grandes profesionales citados.
Además de los espectáculos que nos traen los profesores (Mal Pelo, La Macana, Guillermo Weickert y Elías Aguirre), contaremos con la presencia de grandes creadores en expansión, como son Francisco Córdova o Poliana Lima, junto a referentes de la danza, como Nicolas Rambaud, y nuestro guiño como siempre a otras artes, como el cine de danza de Ana Cembrero, las artes visuales de Smantik, el flamenco-teatro de una de las últimas obras de Alberto Cortés o el circo de Irene de Paz.
No olvidamos la importante presencia, este año, de las tres finalistas del Certamen Mujer Contemporánea, tres obras nuevas, potentes de tres creadoras que darán mucho de que hablar.
Del mismo modo tenemos muy presentes las experimentaciones en entornos naturales y, por tanto, el acceso gratuito de los curiosos a parte de nuestras actividades. Visita nuestra página del PROGRAMA DE ESPECTÁCULOS.
Como alumnos, sabemos de las dificultades económicas y/o laborales que muchos podéis tener, por lo que volvemos a mantener el precio del paquete completo (alojamiento, comidas, talleres, espectáculos) por cuarto año consecutivo.
Si deseas ser público, hemos diseñado noches tan atractivas que si lo que quieres es venir solo a una de ellas, te resultará difícil elegir. Además, también mantenemos unos precios de entrada absolutamente simbólicos para el nivel de las propuestas, pero procuramos que en la medida de lo posible nadie se pierda la posibilidad de “hacerse un Costa” de una forma u otra, y además incluimos más descuentos que nunca.
Os animamos a que naveguéis por la web y disfrutéis de lo que hemos pensado para todos. Creemos que tras el Quinto Aniversario, esta edición se presenta como una nueva vuelta de tuerca. Porque siempre queremos mejorar, creemos que estamos poniendo todos los medios para que esta vez disfrutemos todos más que nunca.
Os esperamos
Dança à Deriva - 2ª Mostra Latino-Americana de Dança Contemporânea”.
Clique aqui para confirar a programação completa.
Compartimos con ustedes un adelanto de lo que será el documental Danza Sur. Haz click aquí para ir a la página del proyecto.
Para más información sobre la programación mira aquí
Dirigida a los profesionales de las Artes Vivas Contemporáneas: bailarines, coreógrafos, directores de escena, críticos, teóricos, investigadores, creadores, compañías, colectivos profesionales del estado de Veracruz y a la comunidad artística nacional e internacional para participar en los Festejos del 10 Aniversario del Danzaextrema Festival Internacional que se realizará del 18 al 28 de octubre de 2014 en diversos recintos culturales del Puerto de Veracruz y la ciudad de Xalapa.
Para enviar las propuestas escribe a danzaextremafestival@gmail.com antes del 1° de septiembre.
Por más información sobre las bases haz click aquí.
Se realizará la 2° Muestra Latinoamericana de Danza Contemporánea - "Dança á Deriva" del 1° al 7 de diciembre del 2014 en Centro de referencia de Danza de la ciudad de San Pablo.
Radar Cultural Gestión y Proyectos llama a artistas independientes, compañías e colectivos artísticos de los países que integran América Latina (Brasil, Argentina, Colombia, Bolivia, Uruguay, Paraguay, Chile, Costa Rica, Nicaragua, Ecuador, El Salvador, Guatemala y Perú) que desarrollen investigaciones de lenguaje en danza contemporánea a participar de la Muestra.
Están abiertas las inscripciones hasta el 7 de septiembre de 2014.enviados al correo electrónico (dancaaderiva2014@radarcultural.com.br) en un único archivo PDF hasta 3MB que conste de :
1. Nombre de La compañía / Artista
2. Reseña de La compañía / Currículo Del artista
3. Nombre de la obra /Release / currículo de la obra
4. Ficha técnica completa
5. Nombre de los artistas que viajan
6. Condiciones técnicas (Rider de sonido, luz y escenario)
7. Propuesta de Taller de danza (carga horaria 3 horas)
8. Links en youtube o vimeo con la obra completa, de la obra también editada, fotos y materiales de divulgación para medios (hasta 10 links)
Por más información puedes escribir a dancaaderiva2014@radarcultural.com.br o hacer click aquí para acceder a la web de Radar Cultura.
El INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas) convoca a coreógrafos nacionales y extranjeros (mayores de 18 años), interesados en participar de la residencia que se desarrollará en la ciudad de Maldonado (Uruguay), del 9 al 16 de setiembre del 2014.
Dicha instancia, estará tutoriada por el coreógrafo brasilero Cristian Duarte, bajo la siguiente temática: “Construyendo Espacios-Situaciones”.
Para conocer las bases y tener más información haz click aquí.
El 1ero de setiembre abre NAVE, un espacio cuya misión es colaborar, apoyar y nutrir los procesos de investigación y creación vinculados a las áreas de la danza, performance, música y todas las artes que reflexionen en torno al cuerpo. El eje principal de NAVE es la residencia, a través de la cual se busca potenciar y apoyar los distintos procesos creativos. NAVE está pensada y equipada para albergar 10 artistas simultáneamente, quienes además de compartir entre ellos, tienen la posibilidad de acceder a salas de ensayo y a su vez generar instancias de apertura a la comunidad, como talleres y laboratorios de retroalimentación y de transmisión de conocimientos. Más información aquí
MOVIMIENTO SUR es una plataforma de intercambio internacional para el desarrollo artístico e interdisciplinario en torno a la danza contemporánea. La 3° edición se realizará en Santiago de Chile del 1 al 7 de diciembre y en Valparaíso entre el 8 al 14 de diciembre.
Serán 2 LABORATORIOS de carácter práctico experimental, los que serán nutridos por charlas, ejercicios, aportes temáticos y muestras de obras de artistas y expertos invitados como el coreógrafo Philipp Gehmacher (Austria), la coreógrafa Cuqui Jerez (España/Alemania), la coreógrafa y arquitecta Susana Tambutti (Argentina), el arquitecto Miguel Bacari (Venezuela) director de Proyecto Colectivo, la arquitecta chilena Marcela Soto Caro, entre otros destacados invitados del ámbito nacional.
Para acceder a la convocatoria y tener más información sobre MOVIMIENTO SUR 2014, sus actividades, laboratorios y programa completo, haz click aquí.
Hoy es mi último día de Costa Contemporánea, el último día de la mejorinmersión en danza que he podido disfrutar en mucho tiempo. Tanto, que no he conseguido encontrar ni un segundo para actualizar el diario de danza, hasta hoy. Es difícil explicar la experiencia sin estar aquí. Pero lo voy a intentar.
Lejos, muy lejos de la vida cotidiana y de la rutina, llegando al parque natural de Cabo de Gata, en Níjar, Almería, existe un lugar donde disfrutar de la danza de la mañana a la noche. Un lugar que además es un paraíso natural y que en estos días está habitado de personas en movimiento, en transformación, en compañía y, en definitiva, en muy buen rollo.
Desde Madrid el viaje es un poco largo, pero todo se olvida y se deja atrás cuando se comienza a ver el paisaje desértico, montañoso, arenoso, casi lunar, de Almería. Y su línea azul en contraste al fondo. Hemos llegado al mar. Cinco días por delante para dedicarse en cuerpo y mente a la danza, sin olvidar el entorno, la naturaleza y toda la vida que nos rodea en este espacio maravilloso.
En esta IV ediciónde Costa Contemporánea nos acompañan Jordi Cortésy Cobosmika, la compañía creada por Olga Cobos y Peter Mika. Aquí van unos trocitos de lo que hemos estado construyendo estos días:
Con Jordi Cortés hay que quitarse el mandilón de cuadros, es decir, hay que quitarse todos los prejuicios. Pero todos, todos. Y lo demás, aunque no llega rodado, está llegando poco a poco con la ayuda de Jordi y del resto de compañeros. Entre todos, nos vamos dando el empujoncito. En eso consiste el juego, la creación, el descubrimiento del cuerpo y del movimiento propio y del ajeno: en encontrar el empujoncito justo en cada momento. Que no es el mismo para todos, claro. Pesos, contrapesos, ojos cerrados, cuerpos que se reconocen, improvisaciones, energías. Y bastantes risas. Y todo en serio
.
Cobosmika, Olga y Peter, son como un Yin Yang. Incluso dando clases por separado, es posible percibir el complemento que nos aporta cada uno de ellos a la clase. Encontrar el centro, sentirse para poder soltarse. Dibujar imágenes tan insólitas como cortar una sandía con un sable de samurái… puede ser mucho más útil de lo que parece. Mientras nos regalan frases para metérnoslas en el bolsillo, nuestro propio lenguaje se va haciendo más rico. Cuantas más palabras tengamos, más frases e historias podremos crear.
Todo esto en una carpa blanca, respirando la brisa de la costa, donde se imparten las 4 horas de clase por las mañanas. Las tardes nos llevan más allá, hasta una playa, un castillo en ruinas… y las noches, dejamos la acción para reposar como espectadores frente a un espectáculo.
Más allá de las clases, están los momentos de compartir una misma pasión con el grupo. Cosas tan triviales como desayunar o irse a dormir se vuelven más especiales cuando están rodeadas de esto.
Lo más curioso de todo es que logras desconectarte de la vida, así que te pones muy contento. Y luego te pones todavía más, al darte cuenta de que, en realidad, la vida es esto.
Gracias a todo el equipo de Costa Contemporánea por hacer esto posible. Y a Pollobarba por acompañarnos con su cámara a todas partes para poder regalarnos estas preciosas fotografías. Gracias a todos los compañeros, por estos días. Nos vemos el año que viene.
Sigue leyendo en el Blog A cuerpo de baile de Sabela Mendoza.
COSTA CONTEMPORÁNEA (MI EXPERIENCIA – UN BREVE PERO LINDO RECORDATORIO-)
Verano de 2012, septiembre. Me preparo para pasar cinco días de evasión y contacto con la danza, conociendo a gente nueva y trabajando de una forma muy diferente a la que hasta el momento había experimentado.
Allí, una recepción abierta: con presentaciones entre unos y otros, organización de los espacios de alojamiento compartido, preparación para empezar con las clases, y… clase al aire libre!, una estupenda sensación de libertad bailando al viento de Almería, muy agradable, y para mí inspirador.
Después de un tiempo de trabajo e intercambios, comida y descanso.
Por la tarde, excursión. Un pequeño viaje hacia un espacio abierto con elementos pintorescos e inspiradores (en mi caso fuimos el primer día a las ruinas de las minas de Rodalquilar – Cabo de Gata-) donde dejamos llevar el cuerpo comunicando ideas y expresiones personales y grupales, donde nos conocemos aún más por la expresión libre de nuestro cuerpo.
Otro espacio donde experimentamos con la danza fue La Isleta del Moro, una zona de puerto marítimo donde invadimos con danza el espacio y compartimos otras nuevas sensaciones.
En general, un intercambio muy productivo, con profesores con larga y nombrada experiencia, Guillermo Weickert y Roberto Oliván, que enseñaron conocimientos muy interesantes sobre danza y aportaron su propia personalidad artística y humana de una forma bella, bastante allegada y natural, muy de agradecer.
Por la noche, espectáculos. Arte, cultura, disfrute, pasión y sentimientos. Y después… cada uno lo que quisiera, aprovechando las mágicas noches del verano.
La última noche, jam session. Después de disfrutar de las actuaciones de otros profesionales del humor, la danza y la música, interactuamos también nosotros en el escenario, contando historias espontáneas mediante la danza improvisada.
Un gran equipo de profesionales y no profesionales de distintas artes y disciplinas se concentran y comparten momentos entrañables y motivadores dando rienda suelta a las múltiples capacidades que tenemos de comunicarnos de forma cooperativa y creativa.
Para mí, Costa Contemporánea es una bonita oportunidad de desplegarse en sentimientos e inspiración, danza, movimiento, amor, amistad y disfrute.
Intercambio, conocimiento y sorpresas…
Gracias por la iniciativa a su directora, Nerea Aguilar, que sigue ofreciendo este evento cada año.
Dirigido por Mariana Bellotto
Se trabajará específicamente sobre los siguientes contenidos: la sustancia física del movimiento, las relaciones espacio-tiempo y sus líneas dramáticas, el silencio y la producción sonora, la sincronización grupal, el trabajo con objetos, la gestualidad, la destreza y otros signos del movimiento y la composición en los nuevos lenguajes de la danza.
Las clases son continuas y los contenidos son abordados por sumatoria, con el objeto de sustentar en el intérprete y en el grupo los procesos de improvisación que generan un estado de “concentración especial” sobre el estado físico del movimiento y la composición dramática de la escena.
El seminario concluirá con un ciclo de presentaciones de una obra coreográfica semi montada, realizada mancomunadamente con el material resultante de la ejercitación experimentada.
NOVIEMBRE: clases regulares
lunes, miércoles y viernes de 19.00 a 21.00.
DICIEMBRE: montaje, ensayos y muestra
desde el lunes 2 hasta el domingo 8, entre las 18.00 y las 23.00.
Muestra viernes 6, sábado 7 y domingo 8 de diciembre, horario a determinar.
INFORMES
Facebook: Central de Creación
Mail: centraldecreacion@gmail.com
Teléfonos: (011) 3971 6451 o 15 40 42 09 89.
BECAS
Se otorgan dos becas de alojamiento para bailarines del interior del país y dos medias becas para bailarines locales. Para postulaciones presentar hasta el viernes 18 de octubre CV completo y carta breve de intención (máximo una carilla), por correo electrónico, asunto: seminario intensivo a: centraldecreacion@gmail.com//marianabellotto@yahoo.com.ar.
INSCRIPCIÓN
La inscripción estará abierta hasta el viernes 25 de octubre vía mail a marianabellotto@yahoo.com.ar; centraldecreacion@gmail.com
ARANCEL: $ 700.
Roberto Oliván estrena "A place to bury strangers" (ver vídeo) en el Mercat de les Flors del 18 al 20 y del 25 al 27 de enero de 2013.
Por este motivo, compartimos con vosotros este artículo de Nerea Aguilar para Danza Ballet sobre el artista:
Roberto Oliván, la coherencia de un artista comprometido y multidisciplinar
De Roberto Oliván (Tortosa, 1972) podemos valorar su paso por PARTS (Anne Teresa de Keersmaeker, fundadora de la compañía Rosas, para la cual él también bailó), su contacto, también en su residencia en Bélgica durante doce años, con Bob Wilson y Trisha Brown, su estudio de las artes circenses; es decir, podemos valorar su poderosa y potente trayectoria artística.
Pero lo que diferencia a los grandes artistas no es su currículum, sino el uso que hagan de él, de sus experiencias, de su entorno, del tiempo que va cambiando a su paso por la vida, de su filosofía sobre el arte, sobre la vida, sobre la sociedad, sobre el ser humano, y cómo esto realmente sepan fusionarlo, como camino obligatorio de entenderse a sí mismos y su arte, para darle forma en un espectáculo.
Roberto Oliván es por tanto un artista contemporáneo, que se ha dejado seducir sin miedos por las disciplinas, que ha sabido fusionar lo popular y lo elevado de la técnica, porque su mente es dinámica y enérgica y no entiende el arte de otra forma que, por tanto, no sea de varios ámbitos; un arte nunca estático, siempre en movimiento porque el artista se alimenta de todo lo que le rodea. Y consigue que su coherencia traspase la escena y no sea simplemente un propósito de creación, en el que se decide llevar a cabo una fusión de elementos, gentes, temas porque es lo bueno o lo que se lleva, sino que consigue una coherencia consigo mismo a partir de entender el arte como algo orgánico en continuo movimiento, como es el ser humano en sí mismo, que “entra en una cadena de acción-reacción”. 
Roberto Oliván es por tanto un artista contemporáneo, que se ha dejado seducir sin miedos por las disciplinas, que ha sabido fusionar lo popular y lo elevado de la técnica, porque su mente es dinámica y enérgica y no entiende el arte de otra forma que, por tanto, no sea de varios ámbitos; un arte nunca estático, siempre en movimiento porque el artista se alimenta de todo lo que le rodea. Y consigue que su coherencia traspase la escena y no sea simplemente un propósito de creación, en el que se decide llevar a cabo una fusión de elementos, gentes, temas porque es lo bueno o lo que se lleva, sino que consigue una coherencia consigo mismo a partir de entender el arte como algo orgánico en continuo movimiento, como es el ser humano en sí mismo, que “entra en una cadena de acción-reacción”.
De farra cartel
El arte como expresión de lo que está sucediendo, y lo que sucede a nuestro alrededor no es algo aislado, no podemos extrapolarlo de tantas otras cosas de las que se alimenta. Lo que está sucediendo hoy día se da en las calles, en los barrios, en los pueblos, en las plazas, en los mercados. Algo pasa también en nuestras cabezas, cuando nos hacemos las preguntas de siempre sobre nosotros mismos y nuestro camino a la felicidad, cuando buscamos disfrutar de la vida y aprovecharla al máximo, cuando nos preguntamos qué queremos. Porque como un animal, Roberto, está olisqueando a su alrededor, saboreando las cosas y generándose preguntas.
Roberto Oliván arriesga, crea espontáneo, evita el miedo y se sale del formato típico de la danza contemporánea y del público que se espera de ella y del espacio que le sirve de acicate para sus creaciones.
Su compañía Enclave es de nuevo otra muestra de su contemporaneidad. Es trabajar en grupo pero no olvidar al individuo, porque no podemos olvidarnos de nosotros mismos en estos tiempos, pero estamos en sociedad y rodeados satisfechos de individuos de muy distintas procedencias.
El kiosko de las almas perdidas
Y se lo ha querido comer todo desde sus creaciones. Porque ve de absoluta naturalidad y orgánico un arte que junte todas estas cosas y las muestre bajo las formas del arte circense y la danza contemporánea. Los artistas de circo son fuertes, son enérgicos, son hábiles físicamente, y si consiguen salirse del bloqueo muscular pueden ser grandes bailarines. Y el circo no tiene por qué reñir con la danza. De la danza le interesan otras cosas, la técnica, pero sobre todo ese camino a lo personal, esa indagación en el yo del ser humano. Se le abre entonces un gran abanico de posibilidades que coge con la soltura de quien no le teme a la acción, sea física o interior.
La modernidad está también en lo cotidiano, y Roberto se alimenta de lo cotidiano para sus creaciones. Lo cotidiano como muestra de las gentes que le enseñan. De ellas aprende las filosofías que descubre en sí mismo, y sin darse cuenta repite métodos de creación que le llevan a esa cercanía con la gente, se sale de su sala, de la típica cerrazón de los “artistas”, encerrados en su ego, para abrir sus puertas a lo normal, lo popular y lo inmediato por ser cercano y vivo.
El hombre contemporáneo es aquel que también sabe de sus contradicciones y que aprende de ellas, como Roberto, de sus raíces de pueblo y su vida en las grandes ciudades. De todo se puede aprender y todo nos enriquece.
De todo este conglomerado salen piezas como De Farra. La fiesta en la calle es el origen, la música, la mezcla de personas, de influencias de diversos países, la mezcla de colores, sonidos y energías, como el mismísimo Kusturica.
Homeland supone el verdadero reflejo de la fusión bien hecha de gentes de circo, bailarines y músicos en directo. La cercanía entre los mundos se produce poco a poco, mientras los de circo se despojan de su rigidez y se van adentrando en el mundo de las emociones, los bailarines deben trazar su línea en sentido contrario, hacia lo acrobático. Así, Homeland no puede ser ni danza ni circo, puede serlo todo o puede no ser nada, porque no tiene por qué tener una etiqueta, porque al llegar a la coherente naturalidad no distingamos tan claramente los mundos, sino que los disfrutemos como lógica de acción-reacción bajo esa proximidad física e interior en la que indaga.
El kiosko de las almas perdidas nace de nuevo de un hecho cotidiano, del movimiento y la vida que se produce en una lonja de Vigo. Esta pieza es un encargo del Centro Coreográfico Gallego y por tanto el proceso es diferente, las dificultades son otras, pero a pesar de eso ahí está su cabeza, buscando en las preguntas eternas sobre las normas de la sociedad, la búsqueda de la felicidad, el lugar del individuo, etc.
Roberto quiere volver a su trabajo multidisciplinar; quiere retomar el circo para sus creaciones, porque lo echa de menos. No sabemos si lo que echa de menos es la diversión que aporta con energía el circo y lo gustoso de verlo dado de la mano de la belleza de la danza, o si, por el contrario, lo que echa de menos es tener la sensación de que abarcando más y sin miedo está llegando a sentirse más en su yo, porque está abierto al otro, y el otro es tanto y tan grande y el verdadero artista tan abierto y tan generoso que obligatoriamente se tiene que producir un placer vital en su creación.
El kiosko de las almas perdidas
Y es que no quiero que alguien que despliega y “malmezcla” medios y ámbitos artísticos me diga que es Artista, no quiero que alguien desde lo alto, arriba en las esferas, se proclame comprometido con su sociedad, su tiempo, la vida y toda la filosofía e intelectualidad que cree poseer; no quiero acudir a grandes teatros o pequeñas salas, me da igual, para ver lo mismo mientras que quien lo muestra se cree el más moderno. No quiero, por tanto, que creen para mí, para mis ojos, es decir, artificialmente para impresionarme. El espectáculo llega a mis pelos para ponerlos como escarpias si me lo das con sinceridad. No quiero las incoherencias creativas y personales de artistas con aires de grandeza; quiero la humildad, quiero el sentido lógico y sano y natural de quienes crean desde su yo humilde y abierto, que lo ofrecen a la gente más normal, con la generosidad de saberse igual, con la espontaneidad de la energía de querer vivir-crear sin los límites que ponga ni el ego ni la hipocresía.
Pero este tipo de artista está en extinción. Roberto Oliván es ese animal en extinción, al que hay que buscar en el Delta del Ebro y “en clave” de muchas cosas, y que gracias a él, como a otros, la naturaleza artística contemporánea muestra la cercanía a la realidad de lo que creíamos ideal.
Texto: Nerea Aguilar
Publicado en Danza Ballet
Roberto Oliván en Noche de Danza, Costa Contemporánea 2012: Fotografía @Pollobarba
Ana Cembrero Coca nació en Valencia en 1983. Vive y desarrolla su profesión y pasiones en Bruselas, un ejemplo como tantos otros de la emigración de talentos.
Ana es una mujer de danza, de cine, pero sobre todo de mundo.
talento del trabajo condimentado con el bien vivir.
pisar firme por lo aprendido y lo estudiado con la seguridad y desparpajo que da saberse mover por la vida, acumular experiencias, absorber sensaciones, mundos, gentes.
universo que inevitablemente debía expresar, y curiosamente escogió dos mundos paralelos en su caso que hicieran los viajes creativos de ida y vuelta, hacia dentro y hacia fuera, la danza y el cine.
Su currículum en danza no deja indiferente a nadie desde que comenzó a formarse en danza clásica por la Royal Academy of Dance de Londres, para pasar a manos de algunos de los mejores profesionales de la danza contemporánea.
Pero más allá de los difíciles y gratificantes caminos de la danza, interesa su puesta en marcha, interesa el momento en que Ana Cembrero comienza a producir, dirigir, realizar, coreografiar... Empieza su andadura creativa, junto a compañías europeas y en solitario.
Es su faceta de creadora en solitario, junto a la compañía inevitable y enriquecedora siempre de su compañero Jorge Piquer de la productora La Ignorancia, la que nos interesa. Con La Ignorancia comienza a desplegar sus recursos, sus deseos, su visión del mundo artístico, su visión del mundo.
Es completa, mucho, y por eso encontramos su nombre en coreografías o dirección y realización de cine, en concreto, videodanza. Este arte le llegó a Ana como revelación, como lugar exquisito en el que encontrarse y conjugar sus visiones coreográficas y cinematográficas. Y estudió, se empapó de la historia del videodanza, probó, pero sobre todo se puso en marcha, no tuvo miedo a nada... y creó.
Gracias a que llegó a ese punto en el que se encontró algún día, de absoluta clarividencia al conjugar dos disciplinas que dominaba, tenemos hoy piezas imprescindibles de la actualidad del cine de danza en Europa: 'Cinética', sobre todo, y VRTTI.
'Cinética' Trailer Cinética from La ignorancia on Vimeo (premiada al mejor cortometraje en 38th Dance on Camera, New York) es pura emoción porque es poesía. Es gusto, el gusto de escoger la belleza que se refuerza con la energía y fuerza pasional, esa que tiene Ana Cembrero y que deposita en todo lo que hace.
No es estética pura, no es fácil artificio o ese conformarse con lugares comunes que sabemos que recibirá el público con aplausos, no, es instintiva, delicada, pero fuerte, rítmica, placentera, reflexiva y de acción.
La cámara acompaña al espectador porque acompaña al intérprete en coreografías limpias, dinámicas y libres de polvo y paja. La coreografía es sencilla y complicada a la vez, el escenario (Parque Natural del Cabo de Gata-Almería) invade la pantalla y toma protagonismo. Cambia la cámara, rápida, jugando y descubrimos recovecos coreográficos sobre nuevos escenarios que hilados descubren una historia de ficción perfecta.
Percibo su valentía reforzada por una música única y excepcional, la valentía de arrancar con proyectos difíciles y de tanta calidad. Parece que Ana no tiene miedo y da la sensación de que haga lo que haga lo hará bien. El secreto está en saber escuchar ese mundo de sensaciones que le rodea. Escucha y observa, se empapa de las esencias que la provocan y dibuja con el cuerpo, la mente o la cámara escenarios bellísimos y sensitivos que parecen verso en prosa, bien narrada y con ritmo poético.
Luego llegó VRTTI (Vrtti :: TRAILER from La ignorancia on Vimeo), un juego lindo y muy grato, muy puro, muy sencillo y atrevido sobre la condición de ser.
Intenso, de nuevo.
Actualmente Ana se encuentra frente al nuevo proyecto 'Pulsión', (PULSIÓN (excerpt from performance) from La ignorancia on Vimeo ) una pieza de danza, que ha iniciado su real andadura en el programa de residencia de la Nave del Duende. Lugar para desarrollar sus gustos coreográficos, sus gustos performáticos. Y mientras tanto da clases de danza contemporánea, imparte cursos de videodanza (MAKING OFF : : Video Dance Workshops at Costa Contemporánea by LA IGNORANCIA from La ignorancia on Vimeo), baila para otras compañías, etc.
Y es que alegra ver una trayectoria joven y tan llena, pero aún alegra más pensar en lo que aún puede dar: tanto hecho y tanto por hacer, seguiremos la pista a esta incansable artista porque creo que seguirá dándonos momentos inolvidables de danza y cine.
Texto: Nerea Aguilar
Teatro Central se vistió de gala con una de las programaciones más imprescindibles de la temporada, 'Material inflamable', de Guillermo Weickert. Una pieza que tras recorrer importantes espacios escénicos y girar, sobre todo, por los senderos interiores de Guillermo, llegaba al Central revisada en un formato si no definitivo, sí completo, coherente y conmovedor.
Partimos del principio de que no habrá crítica que haga justicia a lo que evoca esta pieza. Nadie con sus palabras, negro sobre blanco, podrá acercarse mínimamente al efecto y contenido que pudimos ver en Sevilla. Acercarse a tan inmensa fuente de sensaciones y materiales me provoca un sentimiento de alta pequeñez. Me acerco con cuidado y máximo respeto, y advierto de que lo que aquí escribo probablemente solo será apto para apasionados y defensores del arte escénico. Quien desee saber más o entender lo que aquí narro, solo tiene que perseguir lo que espero que sea la gira más fructífera de Guillermo Weickert.
Una gran luz blanca nos recibe inundando la sala, y Guillermo, en una esquina, nos espera paciente, cara a cara. Estamos todos al descubierto y él sin esconderse ya está haciendo su declaración de intenciones. A partir de ahí, nada esconderá. Nos da ese lugar protagonista o acompañante de público cómplice a su cara descubierta y nos dice que sin ambages nos está esperando. Comienza el espectáculo luminoso y sincero.
Como si de una obra épica se tratara, viajamos durante casi una hora sin descanso. Una gesta por caminos distorsionados que componen, descomponen, deshacen y enhebran los materiales del coreógrafo. Nos adentramos en nudos de creación interior mostrados en un cuerpo imponente que tensa las posibilidades físicas y creativas. La información se acumula y nos emborrachamos girando o siguiendo brazos que dibujan ochos infinitos. Con su cabeza y sus manos estamos dentro, estamos en Guillermo, en su pasado, en sus fuentes... en su material. Borrachos de movimiento, entramos en trance, no nos mareamos, seguimos un lenguaje lógico que repite para innovar, que juega para reinventar, que siembra para regalar, con el que discute y disfruta.
El cuerpo se hace infinito, múltiple y sobrenatural. Los yoes personales sobre el escenario nos dicen "aquí estoy", no hay más o lo hay todo, soy yo y mi trayecto, desnudo me muestro. En una especie de metaescena, vemos y recibimos tanta información y estímulos como puede haber en la mente de un coreógrafo, nos acercamos a sus contradicciones, a su deseo de transmitir y bailar. Y se nos empieza a inflamar el pecho porque estamos recibiendo esa intensidad nerviosa del creador que con deseo y pasión quiere soltar lo que tiene dentro, pero que pelea en ocasiones con las barreras para saltarlas y volverlas a construir.
Está solo y acompañado por su pasado y su presente, por tanto aprendido y vivido, pero está acompañado, porque desde el principio, bajo una luz blanca y mirándonos calmo, nos dijo: aquí estoy y aquí estáis. Entonces quiere más, pero se angustia, se vuelve a enrollar en sí mismo, se frena en la fluidez o se deja llevar y rebota su cuerpo en incesantes quiebros que nunca esperamos, que siempre sorprenden.
La tela es dorada, la vemos tendida sin construir aún en el suelo, la luz viaja con él, de oscuros, íntimos y sugeridos momentos a otros más abiertos. Pero siempre viaja, como viaja con él su equipo, porque Paloma Parra está respirando con él para abrirle las estancias que necesita y prender las chispas más oportunas.
Es una noche dorada, de galas y reflejos, de fuegos. El dorado, como color propio de la escena, del teatro, como color de lo fastuoso, del lujo... puede ser impostado, puede ser ficticio o puede ser incandescente como el fuego. Cuando la tela sube y enmarca el espacio y se refleja en nuestras caras, las contradicciones cogen su sentido, e iluminada exquisitamente y ondeada por vientos suaves se convierte en los rayos eternos del creador. Lo dorado es grande, es luminoso, es pasional, pero también es reflejo, apariencia y superficialidad... Se trata en 'Material' entonces de darle calidez a esas contradicciones y quitarle al oro su papel de impostura para darle la máxima calidez. Guillermo, con su sinceridad y su viaje, le da al oro el tono más rojo, el de la pasión y la sinceridad.
Y seguimos viajando sin parar por movimientos que entran y salen del cuerpo, que se abren para volver a entrar, porque estamos saliendo y entrando por sus miembros, como lo hacemos con él, con el coreógrafo. Viajamos por ese espacio externo de la escena y por el interno del creador. Y vuelta a empezar, no acaba, puede ser infinito, cuánta capacidad tiene un creador de dar, dónde está el límite a tanto como quiere expresar, como tiene dentro. Y vuelta a caer cruzando las piernas en un 4 y vuelta a la contorsión... Me desconcierto ante las capacidades, me dejo llevar, me emborracho, ya soy suya, no hay vuelta atrás, estoy en su mundo y quiero más.
Cuando reposa y marca la pausa con su gesto, su mirada y potente dominio conocido de la interpretación, me hago cómplice y entiendo, entiendo y agradezco estar ahí, en su mundo de sufrimientos, de ardores y desconciertos. Una perspectiva sobre su gesto, sobre lo vivido, lo aprendido. Mirar atrás, construir pisando sobre lo aprendido, visto. Pisar sobre los caminos duros del creador, del bailarín con un aplomo difícil de ver. Y entonces camina por la tela más bella, su tela dorada, camina y discute sobre sí mismo, consigo mismo. Una esquizofrenia deliciosa. Pisar sobre un camino que brilla, quema y lleva galas. No está solo porque tiene entidades e identidades distintas, opuestas y complementarias, inseguras o luchadoras, enrabietadas y tristes, con humor y descaro.
Y sigue construyendo, como construyen los ruidos que nos evocan obras de magnas construcciones. Así, sigue construyendo el escenario del creador, con imponentes y elevados soportes y pilares grandes que cuesta tanto levantar, así, a golpes, con ruidos violentos que no generan tanta inquietud porque él se asume en estos vaivenes interiores y físicos.
Estamos ante una pieza de lo peleado, lo roto, lo sufrido, pero lo siempre querido y deseado, lo gozado, lo reído. A lo que se le quita hierro o se le da peso y aturde, de lo que se ríe o burla como si le sacara la lengua a pasados que ya no tienen sentido, o sí. Y es que además hay humor. Cuando un artista sabe llevarte de la mano por tortuosos caminos vandeándote entre la tragedia y el humor o te acerca con la risa a terrenos duros y dolorosos o nostálgicos... te quedas ahí, incrustado. Te atrapa y quieres levantarte y hacerle una reverencia. Eso es, me provocas, me has pillado, no me lo esperaba, sigo contigo, haz lo que quieras conmigo, estoy en tu mundo. Desmitificarlo todo a la vez que le da el peso que tiene es grande, es inteligente.
Y esta pieza es inteligente, mucho, y pura y generosa, tanto que abruma. Entonces para, mira a los ojos, siento que me mira y me dice alto y claro, de nuevo, aquí estoy, esto soy, ni más ni menos.
Sorpresa la del Peta Zeta que agradezco y disfruto: saborear algo que pica, salta, incendia la boca... Siento que lo vive todo, que todo le chisporrotea desde el interior, lo vive desde dentro. Y se ríe de ello para pisarlo y quizás desecharlo.
El gran impacto que produce esta pieza, que desde que acaba quisieras volver a ver, me hace pensar en el papel del público. Abrumado por tanta sinceridad, por tanta claridad, tanto corazón abierto, tanto mundo interior, se ha convertido un poco en ese coreógrafo de contradicciones que busca materiales o que vive con ellos. Estamos impregnados de sus tortuosos y felices caminos y siento hasta vergüenza de haber entrado en su habitación, de haber visto y sentido tanto de él. Me quedo sin palabras, necesito quizás retirarme a la mía para volver a entrar a la que me dio paso con tanta generosidad. Pero estoy apabullada, aunque quiero más.
También quiero bailar, quiero moverme, expresarme, sentirme, conectar conmigo misma, porque inflama los corazones y los cuerpos, porque ha sido capaz de saltar hasta nosotros, meterse en nuestras cabezas con amor y sinceridad. La emoción ha acelerado los corazones, que ya no saben si llorar o reír, risa nerviosa. Las grandes vivencias aceleran al hombre, los sentimientos de verdad, los nervios de cuando sentimos con plenitud. Hemos percibido esencia, puereza y cuesta recuperarse.
El colofón final, un vídeo corto deliciosamente pensado, ejecutado, interpretado, dirigido, da la punzada final al corazón. El teatro en todo su esplendor, con sus galas de nuevo pero aún más evidentes, con sus plumas y maquillajes. La belleza más grande y la más decadente al mismo tiempo. A un ritmo perfecto, acuna el final para dejarnos reposar la intensidad vivida y depositar las vísceras que Guillermo nos ha regalado en nuestros brazos, queremos acunarlo todo, queremos acariciar tanta nostalgia, llorarla, pensarla, sufrirla o disfrutarla.
Y es que esta pieza es, además de todo, de un gran equipo, el de las grandes epopeyas, con un Guillermo para mí inmenso, Paloma Parra, con la iluminación, espectacular, Vitor Joaquim con la música perfecta, y un vídeo final desde hoy imprescindible.
Siento algo extraño, siento que pierdo algo, siento tristeza, pero mucha alegría, he visto la esencia, he visto la verdad más clara en mucho tiempo, la emoción pura, me he sentido pequeña y grande, me he sentido llena de amor, de sensaciones que hacía tiempo no alcanzaba, he sentido que aquí radica el sentido de lo que más amamos, aquí está el sentido de la creación, del acto escénico, del amor por la danza. Y no quiero nunca dejar de estar cerca de todo ello, porque con 'Material inflamable' se ama de verdad la escena...
... Se ama de verdad.
Como si de una obra épica se tratara, viajamos durante casi una hora sin descanso. Una gesta por caminos distorsionados que componen, descomponen, deshacen y enhebran los materiales del coreógrafo. Nos adentramos en nudos de creación interior mostrados en un cuerpo imponente que tensa las posibilidades físicas y creativas. La información se acumula y nos emborrachamos girando o siguiendo brazos que dibujan ochos infinitos. Con su cabeza y sus manos estamos dentro, estamos en Guillermo, en su pasado, en sus fuentes... en su material. Borrachos de movimiento, entramos en trance, no nos mareamos, seguimos un lenguaje lógico que repite para innovar, que juega para reinventar, que siembra para regalar, con el que discute y disfruta.
El cuerpo se hace infinito, múltiple y sobrenatural. Los yoes personales sobre el escenario nos dicen "aquí estoy", no hay más o lo hay todo, soy yo y mi trayecto, desnudo me muestro. En una especie de metaescena, vemos y recibimos tanta información y estímulos como puede haber en la mente de un coreógrafo, nos acercamos a sus contradicciones, a su deseo de transmitir y bailar. Y se nos empieza a inflamar el pecho porque estamos recibiendo esa intensidad nerviosa del creador que con deseo y pasión quiere soltar lo que tiene dentro, pero que pelea en ocasiones con las barreras para saltarlas y volverlas a construir.
Está solo y acompañado por su pasado y su presente, por tanto aprendido y vivido, pero está acompañado, porque desde el principio, bajo una luz blanca y mirándonos calmo, nos dijo: aquí estoy y aquí estáis. Entonces quiere más, pero se angustia, se vuelve a enrollar en sí mismo, se frena en la fluidez o se deja llevar y rebota su cuerpo en incesantes quiebros que nunca esperamos, que siempre sorprenden.
La tela es dorada, la vemos tendida sin construir aún en el suelo, la luz viaja con él, de oscuros, íntimos y sugeridos momentos a otros más abiertos. Pero siempre viaja, como viaja con él su equipo, porque Paloma Parra está respirando con él para abrirle las estancias que necesita y prender las chispas más oportunas.
Es una noche dorada, de galas y reflejos, de fuegos. El dorado, como color propio de la escena, del teatro, como color de lo fastuoso, del lujo... puede ser impostado, puede ser ficticio o puede ser incandescente como el fuego. Cuando la tela sube y enmarca el espacio y se refleja en nuestras caras, las contradicciones cogen su sentido, e iluminada exquisitamente y ondeada por vientos suaves se convierte en los rayos eternos del creador. Lo dorado es grande, es luminoso, es pasional, pero también es reflejo, apariencia y superficialidad... Se trata en 'Material' entonces de darle calidez a esas contradicciones y quitarle al oro su papel de impostura para darle la máxima calidez. Guillermo, con su sinceridad y su viaje, le da al oro el tono más rojo, el de la pasión y la sinceridad.
Y seguimos viajando sin parar por movimientos que entran y salen del cuerpo, que se abren para volver a entrar, porque estamos saliendo y entrando por sus miembros, como lo hacemos con él, con el coreógrafo. Viajamos por ese espacio externo de la escena y por el interno del creador. Y vuelta a empezar, no acaba, puede ser infinito, cuánta capacidad tiene un creador de dar, dónde está el límite a tanto como quiere expresar, como tiene dentro. Y vuelta a caer cruzando las piernas en un 4 y vuelta a la contorsión... Me desconcierto ante las capacidades, me dejo llevar, me emborracho, ya soy suya, no hay vuelta atrás, estoy en su mundo y quiero más.
Cuando reposa y marca la pausa con su gesto, su mirada y potente dominio conocido de la interpretación, me hago cómplice y entiendo, entiendo y agradezco estar ahí, en su mundo de sufrimientos, de ardores y desconciertos. Una perspectiva sobre su gesto, sobre lo vivido, lo aprendido. Mirar atrás, construir pisando sobre lo aprendido, visto. Pisar sobre los caminos duros del creador, del bailarín con un aplomo difícil de ver. Y entonces camina por la tela más bella, su tela dorada, camina y discute sobre sí mismo, consigo mismo. Una esquizofrenia deliciosa. Pisar sobre un camino que brilla, quema y lleva galas. No está solo porque tiene entidades e identidades distintas, opuestas y complementarias, inseguras o luchadoras, enrabietadas y tristes, con humor y descaro.
Y sigue construyendo, como construyen los ruidos que nos evocan obras de magnas construcciones. Así, sigue construyendo el escenario del creador, con imponentes y elevados soportes y pilares grandes que cuesta tanto levantar, así, a golpes, con ruidos violentos que no generan tanta inquietud porque él se asume en estos vaivenes interiores y físicos.
Estamos ante una pieza de lo peleado, lo roto, lo sufrido, pero lo siempre querido y deseado, lo gozado, lo reído. A lo que se le quita hierro o se le da peso y aturde, de lo que se ríe o burla como si le sacara la lengua a pasados que ya no tienen sentido, o sí. Y es que además hay humor. Cuando un artista sabe llevarte de la mano por tortuosos caminos vandeándote entre la tragedia y el humor o te acerca con la risa a terrenos duros y dolorosos o nostálgicos... te quedas ahí, incrustado. Te atrapa y quieres levantarte y hacerle una reverencia. Eso es, me provocas, me has pillado, no me lo esperaba, sigo contigo, haz lo que quieras conmigo, estoy en tu mundo. Desmitificarlo todo a la vez que le da el peso que tiene es grande, es inteligente. Y esta pieza es inteligente, mucho, y pura y generosa, tanto que abruma. Entonces para, mira a los ojos, siento que me mira y me dice alto y claro, de nuevo, aquí estoy, esto soy, ni más ni menos.
Sorpresa la del Peta Zeta que agradezco y disfruto: saborear algo que pica, salta, incendia la boca... Siento que lo vive todo, que todo le chisporrotea desde el interior, lo vive desde dentro. Y se ríe de ello para pisarlo y quizás desecharlo.
El gran impacto que produce esta pieza, que desde que acaba quisieras volver a ver, me hace pensar en el papel del público. Abrumado por tanta sinceridad, por tanta claridad, tanto corazón abierto, tanto mundo interior, se ha convertido un poco en ese coreógrafo de contradicciones que busca materiales o que vive con ellos. Estamos impregnados de sus tortuosos y felices caminos y siento hasta vergüenza de haber entrado en su habitación, de haber visto y sentido tanto de él. Me quedo sin palabras, necesito quizás retirarme a la mía para volver a entrar a la que me dio paso con tanta generosidad. Pero estoy apabullada, aunque quiero más.
También quiero bailar, quiero moverme, expresarme, sentirme, conectar conmigo misma, porque inflama los corazones y los cuerpos, porque ha sido capaz de saltar hasta nosotros, meterse en nuestras cabezas con amor y sinceridad. La emoción ha acelerado los corazones, que ya no saben si llorar o reír, risa nerviosa. Las grandes vivencias aceleran al hombre, los sentimientos de verdad, los nervios de cuando sentimos con plenitud. Hemos percibido esencia, puereza y cuesta recuperarse.
El colofón final, un vídeo corto deliciosamente pensado, ejecutado, interpretado, dirigido, da la punzada final al corazón. El teatro en todo su esplendor, con sus galas de nuevo pero aún más evidentes, con sus plumas y maquillajes. La belleza más grande y la más decadente al mismo tiempo. A un ritmo perfecto, acuna el final para dejarnos reposar la intensidad vivida y depositar las vísceras que Guillermo nos ha regalado en nuestros brazos, queremos acunarlo todo, queremos acariciar tanta nostalgia, llorarla, pensarla, sufrirla o disfrutarla.
Y es que esta pieza es, además de todo, de un gran equipo, el de las grandes epopeyas, con un Guillermo para mí inmenso, Paloma Parra, con la iluminación, espectacular, Vitor Joaquim con la música perfecta, y un vídeo final desde hoy imprescindible.
Siento algo extraño, siento que pierdo algo, siento tristeza, pero mucha alegría, he visto la esencia, he visto la verdad más clara en mucho tiempo, la emoción pura, me he sentido pequeña y grande, me he sentido llena de amor, de sensaciones que hacía tiempo no alcanzaba, he sentido que aquí radica el sentido de lo que más amamos, aquí está el sentido de la creación, del acto escénico, del amor por la danza. Y no quiero nunca dejar de estar cerca de todo ello, porque con 'Material inflamable' se ama de verdad la escena...
... Se ama de verdad.
Fotografía: @Pollobarba
vídeo promocional de Material Inflamable: http://guillermoweickert.com/?p=1086
Teatro Central Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=QJHL7YrFclk
Àngels Margarit / Cia. Mudance sorganiza el primer #mòdulmap 1. Se trata de una formación para intérpretes y coreografos contemporáneos que se desarrollará en Barcelona.
mòdulmap formación para intérpretes y/o mòdulmap es un programa de formación dirigido a bailarin@s y/o coreógraf@s que ya tienen una formación de danza y están en una etapa de profesionalización; también va dirigido a profesionales con ganas de seguir actualizando o profundizando en sus conocimientos sobre lenguajes del movimiento, el cuerpo y las diferentes herramientas y tecnologías que utilizamos en la creación escénica. |
mòdulmap #1 - noviembre en lacaldera del 5 al 30 de noviembre de 2012 del 5 al 9 de noviembre del 12 al 16 de noviembre del 12 al 16 de noviembre del 19 al 23 de noviembre del 26 al 30 de noviembre del 26 al 28 de noviembre el 29 de noviembre el 30 de noviembre del 5 al 30 de noviembre - 550,00 € * descuentos del 10 % para los asociados a asociaciones profesionales de danza |
INSCRIPCIONES:
Tones Llabrés
+34 93 4308763
mudances@margarit-mudances.com
Un espacio que va a reunir proyectos, organizaciones públicas y privadas y redes diversas con el interés común de compartir una modalidad de trabajo: la colaboratividad
Procesos de red y colaboración cultural en Latinoamérica serán algunos de los temas debatidos en el 2º Encuentro Iberoamericano Cultura de Red: Gestión de redes y cooperación cultural en Iberoamérica. El evento ocurre del 23 al 26 de julio, durante el Cena Contemporânea - Festival Internacional de Teatro de Brasília. El evento es una realización del Ministerio de la Cultura por medio de la Secretaria de Economía Creativa y en asociación con el Gobierno del Distrito Federal, en co-realización con la Rede Nacional dos Pontos de Cultura (Brasil), Cultura Senda, Cultura e Integración, Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasilia, Fora do Eixo, Red Sudamericana de Danza, y con el apoyo de la Organización de los Estados Iberoamericanos para Educación, Ciencia y Cultura.
Estimados amigas/os,
Como parte de la comisión de la V Edición del Festival Internacional de Danza Miradas al Cuerpo 2012, comparto la información a seguir.
El festival tendrá lugar en el Teatro Lagrada de Madrid del 13 de septiembre al 7 de octubre de 2012.
Como en las anteriores ediciones, el festival pretende programar un ciclo de danza contemporánea de calidad, contando con propuestas novedosas que indaguen en la danza como medio de exploración y expresión.
Este año el festival, con intención de ofrecer un programa de danza integral, y hacer una difusión de los distintos trabajos y las nuevas tendencias que se están desarrollando actualmente tanto a nivel internacional como nacional en el soporte cinematográfico y videoartístico, Miradas al Cuerpo estrenará el I Ciclo de VIDEO DANZA Miradas ‘12, proyectando cada semana una selección distinta de vídeos antes de cada función en el hall del teatro, e invitando al público en cada estreno, a un aperitivo que se ofrecerá durante la proyección.
El motivo del festival este año será:
susurro------palabra-------grito-------cuerpo!
Buscamos:
- Piezas de danza contemporánea de 45 minutos a una hora de duración.(Programa largo)
- Piezas cortas de danza de entre 10/15 minutos de duración.(Programa corto)
- Cortometrajes de danza con una duración de entre 3 y 10 minutos.(Vídeo danza)
Si queréis participar, tenéis que rellenar el formulario adjunto y enviar por email a
miradasalcuerpo@gmail.com
* Poniendo en el asunto del email Festival Miradas al Cuerpo 2012 y el apartado en el que deseáis participar: Programa largo/Programa corto/Videodanza.
* Breve currículum del coreógrafo/compañía
* Tres fotos de la pieza
* Cada propuesta deberá ser presentada a través de un formulario diferente.
* Todo el material solicitado deberá estar disponible en la web, no recibimos dvds ni material impreso como solicitud.
* El plazo de solicitud es hasta el 30 de mayo 2012.
El equipo artístico del festival publicará el listado de las piezas seleccionadas del 15 al 30 de junio de 2012 a través de correo electrónico a todos los participantes.
Muchas gracias a todos,
Milagros Galiano /directora artística del
V Festival Internacional Miradas al Cuerpo 2012
(+034) 606 19 76 56
www.miradasalcuerpo.blogspot.com.es
Teatro Lagrada
c/Ercilla 20
91 517 96 98
www.teatrolagrada.com
