FEDAME. LA OTRA DANZA EN UN PROYECTO EN ACCIÓN Y EXITOSO
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Este año, el FEDAME realiza su segunda emisión, con más de 20 cortometrajes y dos documentales, en donde la danza, el cuerpo y el gozo por la vida son los temas centrales, son obras que provienen de países como España, Australia, Canadá, Reino Unido, Portugal, Estados Unidos y Brasil. Por México participan Frontera Dreams del artista tijuanense Henry Torres y Round en la sombra de Alfredo Salomón. Los documentales son Café con Pina, que es una mirada al proceso creativo de la coreógrafa alemana Pina Baush y Movement Revolution África, que nos muestra el trabajo de coreógrafos de danza contemporánea de diferentes regiones de África, artistas que han sobrevivido a las difíciles condiciones imperantes en el continente: hambre, exterminios étnicos o epidemias y de cómo todo ello ha conformado una particular visión sobre la vida que se refleja en trabajos de gran intensidad y vitalidad.
Para más información ver www.fedame.org.mx
En noviembre de 2006 fue su presentación con tres exhibiciones al aire libre en plazas públicas de la Ciudad de México en donde se presentaron dos largometrajes y dos mediometrajes de danza y en aquel momento fue considerado por la prensa y la crítica especializada como uno de los acontecimientos más importantes del año en cuanto a danza se refiere, además de haber logrado una convocatoria inédita en esta ciudad, para la danza contemporánea. Después, durante 2007 y 2008, recorrió diferentes puntos del país, exhibiendo obras de danza en la pantalla, dando talleres de creación en videodanza, impartiendo charlas y conferencias sobre la historia de la danza en la pantalla y danza y nuevas tecnologías; organizando presentaciones de la obra de artistas mexicanos en los principales festivales de danza en la pantalla en el mundo.
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Publicado por Luciano Tavares el 20 de Abril de 2009 a las 3:30pm
A Mostra Movimento e Palavra chega à sua quarta edição em 2009, caracterizando-se como um evento que busca dinamizar e estimular a produção da dança de expressão contemporânea no Rio Grande do Sul, assim como aproximar coreógrafos, intérpretes-criadores e espectadores no intuito de intercambiar experiências e formar público para a dança. A principal característica da mostra está centrada no fato de operar com coletivos de artistas independentes, solidários, que trabalham em cooperação, com trabalhos coreográficos, notadamente ligados à contemporaneidade, que se unem para dar maior visibilidade para suas criações, na tentativa de aproximá-las ao público.Nesta quarta edição a mostra se realiza no último sábado dos meses de março, abril e maio. Dia 28 de março, dia 25 de abril e 30 de maio. O local do evento é a sala 209 do Centro Cultural Usina do Gasômetro, na qual está sediada a Eduardo Severino Companhia de Dança - idealizadora e anfitriã da mostra - através do projeto Usina das Artes, da Secretaria Municipal de Cultura de Porto Alegre.Serão três encontros com cinco coreógrafos em cada encontro que irão apresentar suas obras coreográficas, seguidas de diálogos com artistas, público, três comentadores e um mediador, todos profissionais com trânsito pela área das artes cênicas.Este momento de bate-papo busca alcançar o caráter da informalidade, sem julgamentos a priori, auxiliando o público a localizar as escolhas que determinam a obra dos artistas da dança, a partir dos modos como organizam o pensamento e expressões de linguagem a respeito de sua obra. Como o artista fala e escreve sobre sua obra, como ele descreve, ou constrói uma escritura sobre sua obra, escritura essa que também é uma forma de criação artística, paralela à dança que seu corpo revela? Quais os estados vividos da própria criação que tenta se traduzir em linguagem? E onde isso tudo pode perpassar a fruição do público? A partir dessas questões, sentimos a necessidade de convidar outros olhares, perspectivas sobre o panorama da dança de Porto Alegre.
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5, 12, 19 y 26 de mayo 2009 A cargo de Marcela Latorre Robles
Inscripciones hasta el 30 de abrilContacto: teléfono: 9771789 E mail: claudiofue@gmail.com cfuenzal@uchile.cl
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Publicado por Claudia Pisani el 17 de Abril de 2009 a las 7:01pm
La Dirección Nacional de Cultura del MEC y la Dirección de Cultura de la IMM llaman a interesados en postular obras de danza y teatro a presentar en el marco del Festival Internacional de Artes Escénicas que se realizará entre el 25 de setiembre y el 4 de octubre.1-Podrán presentarse todos los espectáculos uruguayos estrenados hasta el 20 de Mayo de 2009.2-Los espectáculos pueden ser para sala, espacios no convencionales o calle.3-Las obras deberán tener una duración mínima de 40 minutos.4-Fecha de la convocatoria: 1ro de Abril al 20 de Mayo del 20095-Los resultados de la selección serán comunicados a partir del 1ro de Julio.6-El festival decidirá sala o espacio y fecha de presentación de la obra.7-Se pagará un cachet de 23 000 pesos uruguayos por dos funciones independientemente de la cantidad de personas involucradas.8-Forma de presentación:A. DVD con registro del espectáculo completo (a cámara frontal y fija), formato dvd standard (no otros como avi, mov, etc)B. Un cd con:B1. 3 fotos a 300 dpiB2. Dossier en formato PDF conteniendo:B.2.1 Texto sobre la obra (1000 caracteres máximo)B.2.2 Ficha técnicaB.2.3. Rider técnicoB.2.4. Contacto. Nombre de la persona, email y teléfono de la persona de contacto.9-Se deberán presentar en Dirección Nacional de Cultura, San José 1116, 5 copias del dvd y el cd con los datos (identificados con el nombre de la obra escrito o impreso en el disco) en un sobre cerrado con la siguiente información:A. Festival Internacional de Artes Escénicasb. Nombre de la obrac. Indicar Teatro o danzad. Nombre, email y teléfono de la persona de contacto10-Otros materiales no indicados no serán tenidos en cuenta.11-Los textos y fotografías incluidas en el dossier serán los que se utilicen para las publicaciones del festival.12-El material presentado no será devuelto.13-Se podrán presentar más de una obra por postulante, un sobre por cada obra.14-Las obras serán seleccionadas por un jurado integrado por Roberto Andrade y Florencia Varela (seleccionados a partir de consulta abierta a propuesta de nombres para el jurado a los artistas), Guillermo Heras (España), Carlos Pacheco (Argentina) y Christine Greiner (Brasil).15-Para más información, comunicarse con fidae2009@gmail.comLeer más…
Publicado por Claudia Pisani el 17 de Abril de 2009 a las 6:44pm
Habitantes en tránsitoTaller de composición coreográfica /“Lo que mueve al movimiento”Fecha: Lunes 27 y martes 28 de AbrilHorario: de 9:00 a 13:00 hs.Teatro SolísLugar: Sala de Conferencia y EventosLa coreógrafa Beatriz Madrid, Directora Artística y Coreógrafa de Foramen M Ballet de México, compañía de danza contemporánea de avalada trayectoria en su país, que actualmente integra el Programa de México en escena, dictará un taller de composición coreográfica los días lunes 27 y martes 28 de abril en la Sala de Conferencias y eventos del Teatro Solís.Dirigida a estudiantes de nivel medio avanzado, bailarines profesionales y coreógrafos con formación en danza clásica y/o contemporánea, esta actividad se enmarca en la línea de apoyo a la especialización de artistas nacionales que el Teatro Solís lleva adelante promoviendo instancias con profesionales y especialistas extranjeros.Tiene como objetivo desarrollar, estimular y concretizar, los dispositivos o detonantes de la creación, mediante la práctica y experimentación que irán develando los conocimientos acumulados, cinéticos e intuitivos, en combinación con la sensibilidad y el entendimiento intelectual.El taller pretende en un corto plazo, estimular en la creación coreográfica las ideas y utilizar las herramientas correctas y necesarias para aterrizar lo que imaginamos descubriendo caminos propios.El taller está dividido en 2 partes:1. Coreografía como arte escénico1.1 el artista frente a su obra1.2 El espacio frente a las ideas1.3 Lograr que lo que imaginamos se revele ante nuestros ojos1.4 Símbolos universales vs símbolos personales1.5 Dramaturgia y estructura2. Utilización de las herramientas básicas2.1 motivo2.2 desarrollo2.3 tema2.4 variación2.5 canon2.6 composición en el espacio2.7 utilización de la música y/o elementos musicalesLos interesados deberán completar el formulario de inscripción y enviarlo al Departamento de Educación del Teatro Solís: educacion@teatrosolis.org.uy del 2 al 20 de abril inclusive.Esta actividad es gratuita y se entregará certificado a las personas que asistan las dos jornadas.Por consultas comunicarse al teléfono 1950 3323 int 110.
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Olá a todos,
Estamos escrevendo pra lembrar que o FIAC Bahia 2009 recebe inscrições, entregues ou postadas, até o dia 30 de abril!
Para se inscrever acesse o site www.fiacbahia.com.br, leia as condições e preencha a ficha de inscrição. O Festival acontecerá no período de 22 de outubro a 1º de novembro de 2009 e as inscrições estão abertas até 30 de abril.
Obrigado!
Coordenação FIAC Bahia 2009
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Publicado por ernesto ortiz el 17 de Abril de 2009 a las 8:30am
ACERCA DEL PROCESO COREOGRÁFICO Y SUS INTERROGANTES Por: Ernesto Ortiz La pregunta primera que aparece cuando, en el marco de Diálogos 2009, intento ordenar para los demás mi proceso creativo coreográfico, es: ¿tengo acaso un proceso establecido y fijo, según el cual los elementos que constituyen el cuerpo de mis obras, adquieren un orden y un concierto que me garantiza un resultado previsto? La verdad es que me gustaría pensar que no. Y aunque me gustaría pensar que no, no tengo la certeza de esta negativa. No la tengo porque, en el transcurso de los años y de las puestas en escena, debo haber adquirido un mínimo ritmo de hábitos y un cierto sentido, o un cierto “instinto” al que se podría llamar “oficio”. Sin embargo, pensar que no me enfrento siempre a cada proceso con las mismas armas y herramientas es una idea tan cándida como ensoñadora; tan irreal como utópica y tan deseada como temida. Irreal y temida porque, como ya dije, en el camino se adquieren esas herramientas y de ellas nos servimos para organizar el tumulto de imágenes, recuerdos, palabras, sensaciones o deseos que articulan una obra. Y, sin las cuales, el trabajo se volvería incierto, en casos caótico y, con poca suerte, infructuoso. Es una idea deseada intensamente, no obstante, porque me gusta creer que la creación artística es un proceso un tanto independiente de nuestra voluntad y de nuestra consciencia. Un proceso que se origina en alguna parte de nuestra memoria o de nuestro inconsciente, para convertirse en un producto, eventualmente, mostrable, factible de ser escenificado. Y porque, a pesar de valorar inmensamente la experiencia y el “oficio”, me gustaría creer que soy un canal, nada más que un conducto por medio del cual, la vida de estas obras se hace patente y real, independientemente de mi propia dirección. Y es precisamente este deseo lo que convierte a la idea en utópica, porque, en cualquier caso, cualquiera de nuestros productos va a estar necesariamente atravesado por la vida que nos ha tocado vivir, por las experiencias que hemos tenido, por la educación de nuestro gusto; en resumen por la conformación de nuestra identidad cultural y personal. ¿Dramaturgia del bailarín? Pensar en que un sistema organizado y codificado de antemano, así como un conjunto de acciones y decisiones específicas pueden –o deberían- constituir el entramado que articula y sostiene, en primera instancia, un proceso de creación; y finalmente, un resultado escénico, es algo que, desde mi punto de vista puede o no ser cierto. Puede ser cierto, o debería serlo, cuando ese conjunto de acciones y decisiones sustentan y articulan un proceso mediante el cual, el coreógrafo o director encuentra las interrogantes (y no necesariamente las respuestas) que le permitirán continuar el trabajo creativo, sin pretensiones innecesarias, y sin discursos absolutos y rotundos. Tales acciones y decisiones resultan válidas cuando resuelven los enigmas que aparecen al enfrentar un proceso creativo, pero no califican definitivamente el resultado, sino que más bien plantean más posibilidades de resolución y, al mismo tiempo, más preguntas sobre el tema. Tales acciones y decisiones son válidas cuando no representan un proceso encorsetado y rígido según el cual se pretenda resolver todas las dudas, situaciones, preguntas y acciones escénicas de la misma manera, siempre. Sino cuando esas acciones y decisiones permiten atisbar, y eventualmente reconocer y talvez aprehender, otras acciones y otras decisiones para reformular, reordenar o replantear la experiencia escénica; y cuando permiten y conducen a la reflexión acerca del hecho artístico. Es evidente, hasta aquí, que me amedrentan terriblemente las verdades absolutas, las respuestas definitivas y los conceptos inamovibles. Estos conceptos, verdades y respuestas, además, tienen que ver con las ideas de belleza, estética, cuerpo, danza, pensamiento, originalidad, disciplina, rigor, etc. que en la literatura que me ha correspondido analizar (“Dramaturgia del bailarín, Cazador de Mariposas”, Patricia Cardona, México 2000) se levantan como conceptos totales y únicos: “Hay dos anzuelos únicos que atrapan definitivamente la atención del espectador: la dramaturgia del bailarín ligada al lenguaje corporal y la embriaguez placentera que genera el movimiento. Uno u otro, o los dos juntos, son capaces de hacer viajar al espectador a mundos imaginarios que transforman la alquimia de su cuerpo y de su conciencia en luminosas experiencias estéticas”. Creo que cuando una verdad como la belleza o la disciplina representan para un intérprete o un creador un dispositivo de acciones, un disparador de emociones o un gatillo que convoca a la creación, y a partir de ésta se genera un proceso creativo libre de ataduras y sostenido en la búsqueda auténtica, esta verdad puede ser asumida como tal dentro del contexto y el lugar en el que es válida. Sin embargo, creo terriblemente peligroso el asumir que solamente existen dos anzuelos para atrapar la atención del espectador; y me resulta supremamente pretencioso querer ofrecer al público “experiencias estéticas luminosas”. No dejo, no obstante, de creer que un proceso de creación coreográfica puede apuntar a conmover al espectador. Ese es un logro mayor. No dejo de creer que el espectador puede ser tocado por una imagen en particular, por una construcción escénica específica, o por un tipo de interpretación, sin dejar de entender que esta relación se genera a partir del ojo del espectador, a partir de su mirada y morada cultural; y de las negociaciones que éste efectúa con el producto escénico a partir de sus intereses. Pero no creo que es esto una condición inherente para validar un proceso creativo, y una propuesta escénica. Me gusta pensar que una obra puede apelar también a mi intelecto, a mi memoria, a mi desconocimiento de las cosas, a la extrañeza que me produce el otro, al temor por ver mi reflejo, y a varias otras cosas que no representan en si y por antonomasia una experiencia estética y bella. No creo que mi trabajo como coreógrafo contemporáneo debe buscar la aprobación estética general, ni tampoco embellecer el espíritu de nadie. No estoy yo por la labor de conformar un espacio en el que la belleza y la estética –entendidas como una sublimación de las emociones y las pasiones humanas- representan un ideal ni un concepto sobre el cual engrandezco mi alma. Me gusta pensar que mi trabajo como creador se relaciona más con descubrir cuál es mi percepción del mundo que me rodea, cómo asumo las experiencias vivenciales, cómo recreo la información que obtengo, cuáles son mis preocupaciones y mis asunciones estéticas. Éstas tareas entendidas, desde luego, como arduas y titánicas, aunque no apocalípticas. Arduas y titánicas porque la comprensión que puedo tener del mundo, o la asunción de mis experiencias de vida, pueden resultar labores constantes, infructuosas y exhaustivas; pero que, si me mantengo alerta y atento, pueden dejar valiosas piezas de información a lo largo del camino. No apocalípticas porque ni son concluyentes, ni son imposibles ni fatales. Así que, una vez más, confirmo mi temor y espanto ante los absolutismos, las verdades eternas y las conclusiones definitivas. No creo, como afirma Patricia Cardona, que la dramaturgia del bailarín sea un “estado de gracia”, según el cual se puede acceder a la investigación y al descubrimiento de la investigación interdisciplinaria. No creo que un bailarín, o un coreógrafo esté destinado a entrar en estados de gracia, como si una luz divina se posara sobre su cabeza, o un maestro gurú le iniciara en el camino de la verdad, para poder atender a procesos de creación auténticos, ni para establecer un modo de trabajo o un sistema de creación que guarde un orden y un concierto que garanticen un resultado respetable y que comunique con el espectador. No creo que el trabajo de un bailarín o el de un coreógrafo esté destinado a iluminar los caminos de las multitudes, ni a representar un faro en la larga noche neoliberal. No creo que la danza que busco hacer, esté diseñada para despertar las conciencias y para abrir los ojos del alma. No creo que me corresponde, como creador ecuatoriano contemporáneo, generar una danza telúrica y ritual, según la cual convoco a los espíritus que habitan el planeta y que avivan el fuego original, para con ellos y sus fuerzas impulsar una catarsis masiva, que me eleve en calidad de ser incorpóreo y etéreo, capaz de subyacer en la conciencia de los espectadores para convertirles en mejores personas. No creo que mi trabajo como creador sea un portal a otras dimensiones, ni que en él se generen discursos espirituales y renovadores. Tampoco creo que mi oficio como artista represente la clave para entender la heterogeneidad de criterios, la variedad de estéticas, y la gran vastedad que conforman la cultura ecuatoriana. Creo que mi trabajo es nada más que una mirada sesgada y personal del mundo que me ha tocado vivir, y en el que espero seguir encontrando motivaciones. Así que una dramaturgia del bailarín, entendida como un sistema organizado y codificado de antemano, un conjunto de acciones y decisiones específicas puede no ser la única manera de acceder a procesos creativos. En lo que sí creo Sin pretender especificar definitivamente lo que entiendo y asumo, en este momento de mi carrera, como mi sistema de creación, me parece más interesante enlistar las cosas y las ideas en las que, de momento, creo me resultan válidas y me provocan impulsos creativos. Creo en una danza activa, viva y movible. Una danza que desentierra las raíces que han sostenido los procesos y los productos hasta ahora validados en las artes escénicas ecuatorianas, para recodificar, reencontrar y/o reestructurar las construcciones y los juegos estéticos que conforman nuestro imaginario colectivo. Creo en una danza que se construye sobre criterios estéticos tan amplios como profundos, cuya amplitud no es sinónimo de ligereza ni de frugalidad. Sino, por el contrario, es sinónimo de investigación y consideración exhaustivas. Creo en una danza auténtica, en el sentido de honestidad creativa. Ésta entendida como producto de un proceso según el cual el origen y ordenamiento de sus componentes, para conformar un discurso estético particular, se efectúa sobre la base del trabajo, la reflexión y la toma de decisiones coherentes con la propuesta original, el momento creativo del autor y las realidades de sus intérpretes. Creo en una danza efectuada por bailarines y cuerpos humanos, activos, vivos y presentes. No creo en una danza hecha por cuerpos únicamente efectivos, saludables y productivos: todos conceptos de la modernidad y de un sistema industrial y productor, que no me corresponde ni histórica, ni culturalmente. Creo en una danza hecha por cuerpos propios y asumidos. Cuerpos que, sin dejar de estar entrenados y listos para cualquier reto físico, no dejan de asumir y entender sus limitaciones, sus carencias y su anatomía, para comprenderlas y trabajar desde y hacia ellas. Creo en una danza apasionada, intensa y barroca, sin negar ni implicar invalidez a los momentos en los que esa pasión, intensidad y barroquismo, dan paso a sus talvez opuestos: la muerte, el misterio, el silencio, la quietud. Creo en una danza que no niega, sino que por el contrario incluye. Creo en una danza de discurso polisémico. Una danza que, correspondiente con la contemporaneidad, permite lecturas desde el espectador, desde su propia mirada y que asume esa diversidad de interpretación como un proceso de retroalimentación y enriquecimiento. No creo en una danza que defina y resuelva las interrogantes que el discurso genera, de manera absoluta y categórica, sino que abra las posibilidades para una reinterpretación constante y un análisis que va más allá de lo evidente y lo meramente intencional. Creo en una danza interdisciplinaria, una danza que asume las ventajas de la variedad de discursos disciplinarios, y que incluye consciente y articuladamente, tales disciplinas, para favorecer la polisemia del discurso. Creo en una danza que no se preocupa únicamente por traducir en movimiento las preocupaciones que ocupan al coreógrafo, para generar un alegato dancístico, sino que ordena esas preocupaciones en una propuesta escénica codificada, según la cual el espectador entiende tales códigos, para traducirlos de acuerdo su realidad e interés. Creo en una danza que no se autocalifique de original o única, sino cuando los procesos y los temas que ocupan al coreógrafo son los que le corresponden, de acuerdo a su momento creativo, a las interpretaciones que hace de esos temas y al tiempo e intensidad de trabajo que éstos le generen. Creo en una danza que de cuenta de un proceso específico, en un momento específico, efectuada bajo unas premisas específicas y unos cuerpos específicos, sin que esa especificidad tipifique invariablemente el discurso que se genera. De mis intereses como coreógrafo Cuando enfrento un proceso creativo, intento que las imágenes e ideas que enriquecen el tema a tratar, fluyan desmesuradas y libres en mi cabeza y en la sala de ensayo. Esas imágenes se suceden libres y aleatorias, sin un preciso orden ni jerarquía, y eventualmente se organizan en una narrativa particular. Es ese tipo de proceso el que prefiero, uno en el que las imágenes almacenadas en nuestra poco confiable memoria, dejan una huella; y talvez uno luego logra descifrar –si se tiene suerte- las intrincaciones que éstas suponen. En los últimos seis años, los temas que he estado interesado en tratar coreográficamente han sido la fragilidad del cuerpo humano y su particular poética. Esta fragilidad entendida no como debilidad per se, sino como imposibilidad de ejecución, como incapacidad inducida en tal cuerpo, por la inexorabilidad de la situación, de la escena: es decir de las circunstancias en las que ese cuerpo se inscribe. Al momento de pensarlo, he buscado siempre en las imposibilidades del cuerpo, el material principal para la investigación y la propuesta escénica. Es ante esa inexorabilidad, ante ese sino, ante esas circunstancias fatales, en las que el cuerpo que he buscado deviene frágil, impedido. Esta fragilidad es entonces producto de una lucha desproporcionada del cuerpo (vivo, enfermo o muerto) ante esos factores exógenos fatales, inevitables. La poética -y los lenguajes- que genera este cuerpo impedido parcial o totalmente, y que se aferra y convive simbióticamente con su entorno adverso, me ha atraído sobremanera. El efecto no físico producto de esas circunstancias; entiéndase los procesos internos (psicológicos, ¿espirituales?) de ese cuerpo en desventaja, también pintó matices y generó olores. De ahí que me resultara particularmente atractivo el contar historias o, más bien, el generar una atmósfera que imprima en el espectador una idea de fragilidad intensa. En “Voraz Silencio”, la penúltima obra coreografiada y que cierra de alguna manera un ciclo como creador, me pregunté si es mi cuerpo aquello que me identifica como yo, o más bien algo que deviene patente escénicamente, cuando reordeno las partituras de obras anteriores para condensar esa información anterior, esas imágenes, movimientos y escenas anteriores que han terminado por construir un tipo de cuerpo específico en la escena, y sus negociaciones con ella. Al mismo tiempo, me pregunté cuál era la necesidad de cerrar un ciclo, cuál la necesidad de terminar una historia y cuál la necesidad de hacerlo no solo como coreógrafo sino como intérprete. Esto provocó un sinfín de dificultades, y de dudas aún no resueltas. Así que fijar una secuencia de movimientos, imágenes, silencios y sonidos -además de la palabra- me resultó una incógnita más que cualquier otra cosa. Por otra parte, coreografiar e interpretar fue en verdad agotador; sobre todo porque perdía entonces el ojo externo, la mirada del otro, del que juzga y elige, del que analiza y decide. El resultado es pues uno que sigo cuestionando y tratando de entender. No fue fácil perder el control, dejar de caminar por terreno seguro y conocido; pero cuando logré relajarme –muy, muy al final- lo disfruté como nunca y aparecieron en mí los cuerpos de los padres, de los amantes, de los lugares. Así, mi cuerpo tuvo una consistencia deleznable, frágil: un cuerpo también imaginado, sentido, dicho por mi y por el otro. Un cuerpo escrito. Un cuerpo fantasma (E. Donoso,2008).
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Entra en el sitio del festival aquí.
Madrid acogerá a partir de este lunes el mayor festival de danza de nuestro país. Se podrán presenciar actuaciones como Merce Cunningham será la gran estrella de la nueva edición de Madrid en Danza.
El festival contará además con una de las leyendas vivas de la danza contemporánea: Merce Cunningham. El coreógrafo estadounidense celebrará, el 30 de abril, sus 90 años en los Teatros del Canal.
Un total de 23 compañías de todo el mundo ocuparán los escenarios madrileños hasta el próximo 3 de mayo. El flamenco y la danza contemporánea española serán las estrellas del festival, pero también habrá sitio para otros bailes, como la danza japonesa, el ballet neoclásico o la danza contemporánea brasileña.
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Artículo escrito por Idanca.net en 08/04/2009
Para ver versión en portugués entrar aquí
Abril es el mes de la danza. Aunque la fecha oficial del Día Internacional de la Danza es conmemorada el día 29, fecha instituida en 1982 por la UNESCO en homenaje al bailarín Jean-Georges Noverre, solo hay que mirar alrededor para comprobar que en estas fechas se celebran numerosos festivales por todo cuanto es lugar.
El 15 de abril comienza el festival itinerante de videdanza Agite y Sirva . El Agite y Sirva nació de la 1ª Muestra Itinerante VideodanzaBA México 2008 y se volvió independiente el año pasado. Este año su programación trae cortos, medios y largometrajes además de una muestra dedicada a Brasil. La selección completa será mostrada durante el Performática 2009 – 3er Foro Internacional de Danza Contemporánea y Artes de Movimiento que se celebrará en las ciudades de Cholula y Puebla en México. Más información entre aquí.
El día 16 de abril comienza en Berlin la 4ª edición del Festival Move Berlim – Festival de Dança Contemporánea Brasilera. Además de las presentaciones de artistas brasileros el festival ofrece talleres con los artistas invitados y conferencias. En el último fin de semana del evento se realizará un encuentro entre investigadores alemanes y brasileros para discutir el tema Reconstrucción y Memoria de la Danza. Entre aquí para saber más sobre Move Berlin.
El día 17 de abril comienza en Bolonia (Italia) la 9ª edición del F.I.S.Co. - Festival Internazionale sullo Spettacolo Contemporaneo.
Este año con el tema Tribu, los trabajos seleccionados investigan conceptos ligados a comunidades y colonias. La programación reúne espectáculos de danza, performances, instalaciones y obras de artes plásticas. Más información? Entre aquí.
El día 23 de abril se inicia la 5ª edición Moves09 - International Festival of Movement on Screen en Manchester (Inglaterra). El festival explorará las posibilidades de narrativa del movimiento en la pantalla con más de 20 pantallas colocadas en 10 espacios de la ciudad y el media lab, laboratorio que permitirá a cualquier persona crear su propio vídeo.
Cerrando el mes de abril, el Kunstenfestivaldesarts en Bruselas (Bélgica) abre su extensísima programación el día 30 de abril, siguiendo hasta el 23 de mayo. En la noche de apertura se presenta el francés Boris Charmatz/Association Edna. Estarán también Jerome Bel con Un spectateur, The Forsythe Company con Heteropatia y Dominique Roodthooft com Smatch (foto). De Brasil, Maurício Dias y Walter Riedweg organizan una exposici´n con trabajos recientes como Funk staden, sobre la escena funkeira carioca. Entra aquí para más información.
De México a Alemania, pasando por Italia y Bruselas, no importa el idioma, la lengua que se habla en todos es universal: la danza.
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Publicado por OTRAPIEL el 13 de Abril de 2009 a las 4:30pm
La Compañía de Danza OTRAPIEL estrena "CALYPSO PARA EL AMOR" los días martes 28 y miércoles 29 de Abril a las 20:00 horas en el Auditorio Manuel de Falla, del Centro Cultural de España Juan de Salazar.El acceso es libre y gratuito. Si bien la Compañía viene trabajando desde diciembre del 2007, esta es la segunda obra de larga duración a ser estrenada en el Centro, ademas de contar con obras cortas "DE CIERTO DESIERTO" y "TE PARTI LA MELANCOLI" estrenadas en mayo del 2008; y la reciente "VOGO" estrenada en la ciudad de Saltos, Brasil en enero del 2009. Sobre el argumento de la obra trata de cuatro parejas que se encuentran en una misma casa y del CALYPSO, sustancia mágica que hace una suerte de cupido entre ellas, donde cada individuo se relaciona, de acuerdo al entorno que les toca habitar y la manera en que el CALYPSO es bebido por los mismos…la obra es de lenguaje contemporáneo, fresco, cómico, de situaciones hasta fantasiosas pero con un toque de cotidianeidad, dentro del lenguaje de la danza teatro. Otrapiel está conformado por: Natalia Fuster, Diana Fuster, Giselle Montanholi y Natalia Aldana (Ballet Nacional), con la colaboración actoral de Rodrigo Calonga, Anahí Duarte, Mauricio Martínez, Fabián Leguizamón y Chito Santacruz. Con la asistencia en actuación de Augusto Toranzos y la iluminación de Albertoi Castillo. Cuenta con el apoyo del CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA JUAN DE SALAZAR y El Estudio Centro de Investigación y Divulgación Teatral.
Publicado por ROBERT SPIN el 11 de Abril de 2009 a las 8:16pm
Áthros Danza Contemporánea invita a los artistas dedicados a la realización de espectáculos unipersonales o en duetos, residentes en nuestro país y en el extranjero a participar en el:7mo ENCUENTRO INTERNACIONAL DE DANZA CONTEMPORÁNEA DE SOLISTAS Y DUETOSCon el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura a través de la Coordinación Nacional de Danza, el Programa IBERESCENA, Gobierno del Estado de Sinaloa a través del Instituto Sinaloense de Cultura, H. Ayuntamiento de Culiacán, Universidad Autónoma de Sinaloa, entre otras instituciones culturales y educativas así como empresas privadas que ante el éxito de las pasadas ediciones se han ido sumando a este espacio de intercambio, reflexión, análisis y muestra del arte escénico.El Encuentro se desarrollará en la ciudad de Culiacán, Sinaloa, México del 1 al 6 de Diciembre del 2009; en diferentes escenarios teatrales y alternativos. Además se conformará la Red Noroeste de Solos y Duetos con sedes en Sonora y Baja California. Dirigido al público en general, con espectáculos que utilicen formas escénicas alternativas que involucren el cuerpo como eje central de la representación.SOBRE EL ENCUENTROEl Encuentro Internacional de Danza Contemporánea surge por la necesidad de ofrecer más y mejores espectáculos dancísticos, de transmitir emociones y crear imágenes en el cuerpo del otro, abrir nuevos horizontes, compartir una mirada, gestar el movimiento. Para la comunidad culiacanense es una gran oportunidad de conocer otras latitudes del quehacer artístico y reflexionar acerca de su cotidianeidad. Los artistas locales, nacionales y extranjeros encuentran un espacio donde confluir a partir de sus propuestas estéticas individuales o en duo, en formatos de mediana y corta duración, de compartir escenario y experiencia. Este Encuentro es creado por un grupo de danza independiente buscando nuevas alternativas para la promoción y difusión de la danza contemporánea en el Estado de Sinaloa. Se basa en el trabajo voluntario de sus miembros y colaboradores. Los integrantes del Comité Organizador hemos logrado darnos a conocer claramente en el medio artístico y cultural del país; demostrando una importante capacidad de convocatoria y de aprobación en nuestro medio, de trabajo en equipo, y de visión autogestionaria.BASES DE PARTICIPACIÓNPodrán participar aquellos artistas que tengan en su haber un espectáculo solista o en dueto en el género de Danza Contemporánea, Danza Teatro, Teatro Corporal, o artes afines. La obra a presentar deberá tener una duración mínima de 12 minutos y máxima de 45. La inscripción se realizará desde la publicación de esta convocatoria hasta el lunes 20 de abril del presente año. Para su inscripción deberán mandar por correo postal la documentación solicitada:Copia de identificación oficial (en caso de propuestas internacionales pasaporte vigente) del o los integrantes.Currículum del artista (intérprete, coreógrafo y en su caso grupo) así como una reseña de media cuartilla acerca de su trayectoria.Sinopsis de la obra.Ficha de Inscripción (Solicitar via email)Requerimientos Técnicos (Solicitar via email)Carta de Compromiso (Solicitar via email, debidamente firmada)Video de la obra a presentar sin editar (formato NTSC en DVD o MPG)De 3 a 5 fotografías de excelente calidad de la obra con el nombre del fotógrafo.Recortes de prensa, fotos del espectáculo u otros referencias acerca del artista y del espectáculo a presentar.Encuentro Internacional de Danza Contemporánea de Solistas y DuetosAtención al Sr. Robert SpinCalle Cerrada Z no. 400 Colonia Benito Juárez. CP 80210Tel: (667)7520761/7165731 Cel (667)2463130/2556204E mail: solistasyduetos@yahoo.com.mx, Culiacán, Sinaloa, MéxicoSOBRE LA SELECCIÓNSe seleccionarán solo los espectáculos que cumplan con las bases de la presente convocatoria. La comisión organizadora sólo tendrá en cuenta para la selección, a aquellos artistas que cumplan en mandar la documentación completa, omitiendo cualquier documentación enviada después de la fecha límite. La publicación de los artistas seleccionados se dará a conocer el día lunes 18 de Mayo del presente año. Para ello la organización se pondrá en contacto vía correo electrónico y/o teléfono con los artistas a participar.SOBRE LAS CONDICIONES DE PARTICIPACIÓNLos artistas seleccionados realizarán la presentación de su espectáculo en los teatros que participen en el Encuentro o en su caso en espacios alternativos, abiertos o cerrados. Siguiendo el objetivo de formar público y consolidarnos como un espacio de promoción, la obra deberán ser dirigida a un público específico (niños, jóvenes o adultos) o público en general. Podrán anexar información de Cursos, Talleres, Video ponencias, Conferencias y Clase Maestra acerca de su especialidad, que pudieran ofrecer en la localidad. Asistencia a todas las funciones y actividades del evento como muestra de profesionalismo, respeto e interés por el trabajo de los demás artistas seleccionados.TRANSPORTE, HOSPEDAJE Y ALIMENTACIÓNLa organización ofrecerá a los artistas alojamiento durante el lapso que dure el evento. Asimismo se darán servicios de desayuno, almuerzo y cena durante su estadía. También se ofrecerá a los artistas transporte local y aéreo desde el interior del país a la ciudad sede. El Encuentro no brindará en ningún caso boletos aéreos a los participantes para su llegada al país. Por otro lado ofrece dar las mayores facilidades para que se puedan conseguir a través de un auspicio desde el país de origen del artista.RED NOROESTE DE SOLOS Y DUETOSEn base a los compromisos adquiridos con el Programa Iberescena 2009 y con el objetivo de propiciar el encuentro entre creadores, intérpretes y público del noroeste del país con los artistas seleccionados, se conformará la primera edición de la Red Noroeste de Solos y Duetos a realizarse dentro de las actividades del Encuentro en el mes de diciembre del presente año. Dicho evento se organizará en coordinación con la Red Nacional de Festivales de Danza (Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura), Áthros Danza Contemporánea (Culiacán, Sinaloa), Grupo Taí (Cd. Obregón, Sonora) y La Alborada A.C. (Tijuana, Baja California). Las condiciones de participación y obligaciones adquiridas con dicha Red se establecerán en común acuerdo entre las partes involucradas (artistas y organizadores).ANEXOSLos participantes no podrán realizar ninguna otra actividad que no esté relacionada con la organización del Encuentro. Asimismo se exhorta a los artistas participantes tener consideración para los horarios correspondientes a las sesiones fotográficas para la prensa del festival e igualmente a las notas y entrevistas de los medios. Los participantes elegidos deberán confirmar su participación dentro de los 15 días de recibido el aviso, en caso contrario serán sustituidos. La organización no asume compromiso de retribución económica de ninguna especie a los elencos elegidos para integrar la programación del Encuentro; exceptuando el caso de aquellos que ofrezcan cursos o talleres. Cualquier información omitida en la presente convocatoria será resuelta por el comité organizador, único ente autorizado para decidir sobre cualquier otro aspecto. Para mayor información consulte las páginas o enviar un correo electrónico a:http://solistasyduetos.sitiosprodigy.com.mx www.solistasyduetos.blogspot.com,solistasyduetos@yahoo.com.mx spincontempo@yahoo.com.mxÁTHROS DANZA CONTEMPORÁNEARobert Spin Coordinador General Daniel Goiz H Coordinador OperativoFICHA DE INSCRIPCIÓNPaís: Dpto/Prov/Edo: Ciudad:Nombre del Grupo:Nombre del Director (a):Dirección:Teléfono: Celular:E-mail: Página web:Título del Espectáculo o Coreografía:Nombre del Coreógrafo:Intérprete (s):Género:Duración: Tiempo de montaje DesmontajePúblico Recomendado:Sinopsis de la obra:Reseña Curricular:REQUERIMIENTOS TÉCNICOSEspacio Escénico:Iluminación:Sonido:Escenografía:Utilería:Otros:Observaciones:CARTA COMPROMISOEl suscrito declara: que representa al grupo artístico................................................ …………………………….…………… en cuyo nombre aplica a ser participante del 7mo Encuentro Internacional de Danza Contemporáneo de Solistas y Duetos, que los datos especificados en el presente formulario son ciertos, y que en caso de ser seleccionado conviene sujetar su participación a las condiciones siguientes:a) La selección de participantes será confirmada el día 18 de mayo del 2009.b) Costear su transporte desde su país de origen hasta la Ciudad de México, DF y viceversa.c) Realizar presentación de su espectáculo sin pago de honorarios.d) El comité organizador proporcionará a cada grupo o intérprete hospedaje, alimentación y transporte interno durante su estadía en las fechas de la realización del evento.e) Su estadía en fechas anteriores o posteriores al evento corren por su propia cuenta y riesgo.f) Los participantes no podrán realizar ninguna otra actividad que no esté relacionada con la organización del Encuentro.g) Asimismo tendrán la obligación de asistir a todos los espectáculos, charlas y ponencias.h) En caso de ser seleccionado el espectáculo corresponderá al video remitido para dicho encuentro.i) En ningún caso se cubrirán gastos médicos ni cambios de vuelo o sobreequipaje.j) Las situaciones no previstas en estas bases serán resueltas de común acuerdo con el Comité Organizador del Encuentro.Nombre Firma:
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publicado en Cultura e Mercado24 mar 2009 | Carina Teixeira
Entre os dias 10 e 13 de junho, será realizado o 23º Congresso da International Society for the Performing Arts, evento que reunirá cerca de 350 profissionais, de mais de 35 países, promovendo um intercâmbio de idéias e novas oportunidades de negócios través de mesas redondas, debates, exposições e do contato com trabalhos e projetos inovadores.
Pela primeira vez no país, o Congresso da ISPA contará com a participação de profissionais e importantes instituições internacionais, como a London Philharmonic Orchestra, o Lincoln Center de Nova York, o Concertgebow de Amsterdã, o Conselho de Arte da Coréia, o Adelaide Festival Centre da Austrália e o Esplanade Center de Cingapura. O evento receberá ainda participantes brasileiros e latino americanos envolvidos com organizações dedicadas às artes do espetáculo.
O comitê organizador, liderado pela Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo, com a participação de conceituados parceiros da área cultural, está empenhado na produção de uma excelente e diversificada programação de conferências, seminários e discussões. E incluirá também uma série de atividades culturais paralelas para mostrar aos congressistas a exuberante produção artística brasileira.
Realizado desde 1986, o Congresso da International Society for the Performing Arts já esteve em Cingapura, Cidade do México, Gateshead, Hong Kong, Londres, Amsterdam, Bruxelas e Durban.
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29 mar 2009 | Fábio Cesnik
O debate sobre Lei Rouanet (8.313/91) tem produzido uma acirrada troca de idéias nos meios de comunicação e espaços culturais, dentre os ativistas culturais e no próprio governo. Algumas questões, de tanto que são faladas, vão produzindo verdades universais sobre conceitos relativos; Eis o pior que pode acontecer com qualquer debate público que não se pretenda viciado.
Em primeiro lugar, por mais que possa parecer repetitivo, vale esclarecer que a lei é um mecanismo de financiamento de ações culturais, a partir de três fontes distintas: recursos públicos (FNC), recursos oriundos de incentivo fiscal (MECENATO) e, por fim, recursos privados (FICART). Todos esses mecanismos estão, ao contrário do que muitos dizem, regulamentados e em vigor.
Para cada uma dessas fontes foram produzidos debates e regulamentos ao longo dos últimos anos que fizeram com que, cada qual a seu modo, se desenvolvesse de maneira diferenciada. Como qualquer legislação de fomento que cresceu e tem permitido que muitas ações culturais aconteçam por todo o país, a Lei Rouanet poderia ficar ainda melhor se fosse reformulada. E aqui começa o debate.
Ressalte-se que esses pontos de melhoria vêm sendo discutidos pela sociedade civil e pelo governo há muitos anos. Trazê-lo à tona justamente nesse momento tem um aspecto positivo, de que sempre o debate é saudável, mas também perigoso, na medida que qualquer rumor mais forte possa ampliar as marolas criadas pela recente crise econômica mundial. Para isso os agentes precisam fazer o debate de maneira muito responsável, com fito comum para o aumento de recursos para um setor estratégico, que é a cultura.
Recursos públicos (FNC)
O Fundo Nacional de Cultura é composto de recursos orçamentários, de três por cento da arrecadação das loterias federais, de devolução de valores não utilizados nos projetos de mecenato, dentre outras fontes apontadas pela legislação, como legados e doações.
No texto original da lei, a competência por definir o plano de trabalho do fundo era da Comissão Nacional de Incentivo à Cultura (CNIC) e sua gestão, meramente executiva, ficava a cargo do Ministro da Cultura, juntamente com o Secretários do MinC e os presidentes das entidades vinculadas ao Ministério (Funarte, Iphan etc.). Em 1999 temos a primeira modificação: o fundo passara a ser gerido somente pelo Ministro da Cultura, sem participação dos demais membros do Ministério ou mesmo da CNIC. A CNIC, para a Lei Rouanet original, representa a garantia de uma forte participação da sociedade na gestão dos recursos públicos, que sofre aqui com a diminuição de seu papel.
Em 2006 é editado o Decreto nº 5.761, que altera o poder decisório do fundo, passando-o às mãos do Secretário-Executivo do MinC, com a participação dos demais secretários e presidentes de vinculadas (que passam a integrar a chamada “Comissão do Fundo Nacional de Cultura”). Na verdade, o Ministro nesse caso homologa o plano e projetos apresentados pela Comissão do Fundo. Nada é tratado sobre competência da CNIC ou mesmo sobre participação popular nas instâncias decisórias, mantendo-se a decisão no âmbito da estrutura do MinC.
Além das ações sob decisão autônoma do Ministério, integram o fundo dois outros mecanismos importantes: as emendas parlamentares, que estão sob o comando dos deputados federais e da Casa Civil e, em outro lado, o Fundo Setorial Audiovisual (FSA).
O FSA cria uma fração dentro do fundo nacional de cultura abastecida pela CONDECINE (tributo criado para colaborar para o desenvolvimento da indústria audiovisual brasileira). O documento que cria o FSA (Lei 11.437/06) institui para geri-lo um Comitê Gestor, com participação de representantes do Ministério da Cultura, da Ancine, das instituições financeiras credenciadas e do setor audiovisual (participação da sociedade).
Com seus instrumentos geridos diretamente pelo Ministério da Cultura, o fundo tem uma destinação de recursos sem uma política definida, para dizer o mínimo. Como a decisão é de competência do gestor de plantão, o formato que os recursos são repassados depende exclusivamente do estilo de gestão; Alguns mandam mais dinheiro para atender um tema específico de interesse, outros favorecem um estado ou cidade que lhe interesse, ou mesmo qualquer deles atende pedidos “políticos” de toda ordem.
O FSA, mais estruturado e com participação da sociedade, tem uma gestão mais transparente e sua utilização tem sido aplaudida pelo conjunto da sociedade.
O Mecenato
O Mecenato foi, de todos mecanismos, o que mais sofreu nesse período. Isto se deu por um alargamento no seu papel: ações que poderiam ter sido realizadas com recursos privados foram todas custeadas com o incentivo e, na contraparte, ações que eram função do Poder Público financiar com dinheiro orçamentário, avançaram também para criar operações com o incentivo.
a) Poder decisório - Mecenato
O poder decisório sobre os projetos a serem aprovados no Mecenato era originalmente da CNIC. Em 1999, na mesma lei que altera a competência do fundo, passa-se a decisão de tudo ao Ministro da Cultura e a comissão (CNIC) passa a ter um papel meramente consultivo. De novo, no segundo mecanismo da lei planejado para trazer a sociedade a participar, o Estado corta os instrumentos de participação popular.
Paralelamente ao que está expresso na legislação, a CNIC tinha um papel junto ao MinC, no principio da década de 90, estratégico na construção de políticas públicas. Importantes pensadores da área cultural de nosso país foram membros da comissão nesse período. Ao longo do tempo, no entanto, seu papel foi sendo desprestigiado pelos Ministros que passaram pelo posto. Mais que isso: mesmo não tendo a comissão poderes de aprovação, o Ministério usou a prática de cortar um ou outro membro sem explicação, ferindo os princípios republicanos de gestão.
b) Distribuição geográfica
O incentivo fiscal da Lei Rouanet baseia-se na destinação de um percentual do imposto de renda das empresas tributadas no lucro real e das pessoas físicas para projetos culturais previamente aprovados pelo MinC. As pessoas físicas ou jurídicas tendem a aplicar o seu imposto de renda nas ações que aconteçam na sua esfera de atuação estratégica/geográfica. Neste sentido, não há na lei mecanismos de permitam a distribuição regional, obrigando que os empresários invistam mais num local ou em outro.
Recentemente foram divulgados os números da ainda jovem lei de incentivo ao esporte. O mapa de distribuição segue exatamente o da Rouanet; Isso por dois motivos essenciais: a distribuição realizada conforme o imposto de renda devido e a baixa divulgação da lei. E qual a solução sugerida pelos executivos do MINE, na minha visão corretas? De um lado a realização de seminários em todo o Brasil para divulgar a lei, de outra buscar formatos de premiar a distribuição mais nacional dos recursos. Aqui poderíamos acrescentar outra visão: a criação de mecanismos de captação de pessoa física fora do eixo, mas com grande massa de IR individual, para programas consistentes de busca de patrocínio.
A solução não é agir despoticamente com o empresário, mandando que ele coloque num lugar ao invés de outro. A solução é aprimorar o mecanismo de “premiação” da lei, permitindo com isso a distribuição gradualmente mais proporcional.
Esse trabalho, ainda assim, não depende só de uma ação do MinC, mas em investir no desenvolvimento econômico e social de cada região. O governo deve atuar de forma integrada para que os problemas possam ser resolvidos.
c) A lei está nas mãos dos diretores de marketing
Quando a lei foi criada e logo regulamentada, em 1995, o Ministério da Cultura soltou um documento que dizia “Cultura é bom negócio”. O texto do caderno explicava pro empresário que o Ministério aprovava, desde aquele momento, uma série de projetos de interesse público que poderiam ser alvo de interesse privado das empresas. Aprofundou-se, desde então, os trabalhos de marketing cultural, comunicação por atitude, arquitetura cultural e um sem número de teorias que explicam ao empresário, dentre outras coisas, como se pode ampliar o casamento de beneficio de marca com benefício fiscal.
As maiores empresas desenvolveram departamentos próprios para selecionar projetos e, nesse período, nada mais fizeram do que escolher quais, dentre os projetos aprovados pelo governo, seriam os mais adequados à sua política de comunicação; E fez isso atendendo ao apelo deste documento editado pelo poder público.
As empresas só fazem destinação de valores destinados a pagamentos de impostos caso o projeto financiado interesse a ela. Vejamos o caso da lei de incentivo à criança e ao adolescente. O Rio de Janeiro não permitiu que as empresas decidissem para que projetos seriam destinados seus recursos do fundo da criança e do adolescente, ao passo que o município de São Paulo criou o instrumento da “doação casada”, partindo do principio que o empresário poderia escolher qualquer projeto aprovado. O que aconteceu? O volume captado para beneficiar crianças e adolescentes em São Paulo passou de dezenas de milhões de reais, enquanto no Rio de Janeiro não chegou nem a casa de um milhão. Foi publicado pelo jornal “O Globo” em 03 de novembro de 2008:
“No Rio, o Conselho Municipal dos Direitos da Criança e do Adolescente (CMDCA) admite a queda de arrecadação no último ano, depois que foi revogada uma deliberação permitindo às empresas definir para que projetos doar. (…) Os recursos do fundo carioca caíram de R$ 1,7 milhão em 2004 para R$ 332,8 mil em 2007. Em São Paulo, onde há doação vinculada, a arrecadação foi de R$ 4 milhões para R$ 40 milhões no período”.
O mecanismo de incentivo fiscal parte de uma inteligência do legislador em permitir que a empresa participe do processo, ganhando pra isso o “prêmio do incentivo”. Tirar esse poder de escolha das empresas é de uma burrice atroz; É ferir o espírito constitucional da participação comunitária e de maneira ditatorial aplicar “sanção” no lugar de “premiação”.
d) Questões formais
O Ministério da Cultura se apega à leitura da legislação e de determinações do Tribunal de Contas da União de maneira demasiadamente limitada. Em alguns casos a leitura de determinados mecanismos é incapaz de enxergar o conjunto da legislação federal em vigor. Alguns exemplos:
d1) Após uma festa realizada no Museu da República, no Rio de Janeiro, em que um coquetel custou cerca de R$ 780,00 por pessoa, o TCU determinou a revisão desses custos no exame dos projetos (Acórdão 1155/2003). Resultado: o MinC cria problemas até para aprovar a diária de alimentação de artista. Isso não existe; Se os custos forem analisados e corretamente parametrizados, não há porque vetar toda e qualquer despesa com alimentação. Uma diária parametrizada é o que a legislação pede; O que não pode é um coquetel de R$ 780,00 por pessoa.
d2) Na orientação dada pelo TCU para que se examinasse a representação processual nos casos de incentivo, o MinC passou a impedir o cidadão de se fazer representar por advogado. Os advogados tem seus direitos limitados no MinC, não podendo postular nos processos. Isto é absurdo; Fere o Estado Democrático de Direito, para dizer o mínimo.
d3) Por orientação de técnicos do MinC, várias empresas e instituições já mantiveram centenas de funcionários na informalidade, pois a orientação do MinC é a de que “pagar salário com recursos incentivados seria uma forma indireta de contratação de servidor público sem concurso”. Ora bolas, como alguém pode orientar de maneira contrária à legislação trabalhista brasileira (CLT), como se o incentivo ou o entendimento técnico de alguns arautos estivesse “acima” de todo ordenamento jurídico? E a política do governo de gerar emprego formal? Felizmente isso vem a ser esclarecido no Decreto 5.761/06, mas não ainda difundido dentre os usuários e técnicos do MinC.
O FICART
Ao contrário do que muitos dizem ou pensam, o FICART está regulamentado pelo Presidente da República e pela CVM, Comissão de Valores Mobiliários, pronto pra uso. Como os projetos de incentivo fiscal ganharam um apelo enorme, as empresas e produtores não sentiram necessidade de apoiar suas ações num fundo dessa natureza.
CAMINHOS E PROPOSTAS
Ao contrário do que se possa parecer, o exposto acima não deixa a necessidade de aperfeiçoar a Lei Rouanet de lado. O que entendo, acima de tudo, é que os maiores problemas da lei estão na sua implementação, e não no seu texto. Mas é claro que o texto pode ser melhorado para que o mecanismo se torne ainda melhor.
As linhas de ataque estão, no entanto, um pouco descolados do que vem sendo discutido hoje. O debate está viciado e tem contribuído pouco para o exame dos problemas reais. Alguns deles:
a) Transferência para a sociedade, em conjunto com o Governo, das decisões no âmbito do Fundo Nacional de Cultura e do Mecenato. Assim era no início da lei e assim deve ser novamente: democracia é essencial nesse processo;
b) Qualquer alteração de lei deve passar por manter conquistas da velha Rouanet, no texto da nova, como por exemplo:
- Não se deve abrir mão de que todos os critérios da nova lei devam estar expressos na própria lei, sob pena de se dar um “cheque em branco” pro dirigente de plantão. As intenções devem estar expressas no texto legal; O texto deve ser formulado com mais critérios objetivos e vinculados, com menos espaço para discricionariedade;
- Na mesma linha de raciocínio, não se deve permitir a questão da “análise de mérito ou cultural” da proposta. Esta medida vai determinar práticas arbitrárias pelo administrador público de plantão e isso deve ser afastado: a censura acabou (e já foi tarde);
c) Criação de algum tipo de estímulo fiscal ao FICART, tal como foi realizado no FUNCINE, com a perspectiva de ativar seu funcionamento. Fazer pra isso uma grande consulta junto aos agentes financeiros para tentar criar um mecanismo equilibrado;
d) Deixar claro, no texto da nova lei e, apesar da redundância, os princípios de:
- Critérios de representação, na impossibilidade ou opção do proponente;
- Possibilidade e estímulo à contratação no regime CLT, na perspectiva de inserir mais profissionais da área da cultura na formalidade (o último decreto – 5.761 - já realizou parte desse trabalho, mas considero uma questão importante que deveria ser esclarecida também pela lei);
e) Escalonar percentual do imposto de renda, de modo a criar uma alíquota maior do que os “4%” para as empresas menores, com vistas a ampliar a participação democrática nos mecanismos de incentivo fiscal;
f) Estruturar formatos de “premiar” empresas que invistam fora do eixo econômico brasileiro. Levar em consideração que não basta distribuir melhor entre as capitais da federação o incentivo, mas que haverá premiação adicional para investimento nos vazios culturais das grandes cidades, da mesma forma. No caso do FNC o investimento maciço e prioritário deve compensar as realizações com incentivo fiscal, o que não tem ocorrido.
Algumas idéias simples foram apresentadas nesse documento, no intuito de melhoria da lei. Temos um mecanismo forte e importante para o desenvolvimento cultural brasileiro.
Todo o processo de mudança deve considerar o cenário de crise econômica atual. É impensável, até a recuperação dos mercados, pensar em diminuir percentuais de abatimento em imposto para determinadas áreas, por exemplo. O MinC deve seguir a postura do governo como um todo sobre esse tema: não é o momento de restringir benefícios, mas de ampliá-los para que o setor não perca a musculatura. Assim tem feito na industria automobilística, com diminuição de IPI e em tantas outras.
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ESTACIÓN FORESTAL – CENTRO RURAL DE ARTE Residencia internacional de creación para artistas Del 14 al 26 de septiembre de 2009 Ciudad de 25 de Mayo, Provincia de Buenos Aires, Argentina. La convocatoria está abierta a artistas de diferentes disciplinas: teatro, danza, performance, artes visuales, video, cine, fotografía, literatura, música, investigación sonora, paisajismo y otros medios. Pueden presentarse artistas individuales o colectivos. Es una residencia que tendrá lugar en la Estación Forestal INTA 25 de Mayo – Argentina y donde cada artista realiza un proyecto creativo. Las propuestas pueden ser creadas para la ocasión o investigaciones en proceso. Durante la estadía se organiza el tiempo de trabajo a partir de la realización de labores específicas de la estación forestal, el propio proyecto y rondas de intercambio diarias con el resto de los residentes. Fecha de cierre: 3 de junio de 2009 Descargar bases y convocatoria en: www.centroruraldearte.org.ar Cupos limitados. ----------------------------------------------------------------------------- ESTACIÓN FORESTAL - CENTRO RURAL DE ARTE International Artist in Residence Program September 14th thru 26th, 2009 25 de Mayo City, Buenos Aires Province, Argentina. This call is open to artists of different disciplines: drama and performing arts, dance, fine arts and visual arts (video, cinema, photography), literature, music and sound research, landscape creation and others. Individual artists or groups can apply. The residence will take place in Estación Forestal INTA 25 de Mayo, Argentina, and every artist carries out a creative project that can be either ad hoc generated or part of a work in progress. During the stay, work schedule will be organized according to the realization of specific works within the station, the artist’s own project and daily exchange with other residents. Closing date: June 3rd, 2009 For more information contact: www.centroruraldearte.org.ar (limited vacancies).
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O Núcleo do Dirceu traz, a quem interessar, um resumo das razões que levaram ao seu pedido de demissão coletiva. Todos os fatos e opiniões abaixo referem-se aos três meses de negociação (jan-mar 09) entre a nova gestão da Fundação Cultural Monsenhor Chaves e o Instituto Punaré (Pessoa jurídica que representa o Núcleo do Dirceu), quanto à continuidade do projeto Centro de Criação do Dirceu / Núcleo do Dirceu dentro do Teatro Municipal João Paulo II, em Teresina, Piauí. FATOS O novo secretário de cultura declarou abertamente, em várias ocasiões, seu desinteresse em qualquer tipo de comunicação, intercâmbio ou diálogo entre o Teatro Municipal João Paulo II e o resto do Brasil e do mundo. Outras de suas declarações são: “Esqueçam essa estória de Núcleo do Dirceu, aos olhos desta Fundação vocês são empregados da prefeitura” “Vamos devolver aquele teatro para a comunidade” “O teatro não tem a cara do bairro Dirceu” “Autonomia? Nem pensar!” “Tudo passará por mim” O secretário também sugeriu que o convênio do Núcleo do Dirceu / Instituto Punaré com a Prefeitura de Teresina caracterizava uso abusivo do patrimônio público (referindo-se ao uso das instalações do teatro) e que beneficiava interesses privados, questionando a moral e a idoneidade dos artistas e da diretoria do Instituto. A “legalidade” deste convênio com a prefeitura também foi questionada, desconsiderando-se o fato de que este foi não somente proposto, mas elaborado pela própria prefeitura durante a gestão anterior. QUESTÕES do Núcleo: Um teatro municipal não deveria ser justamente um lugar aberto, permeável ao trânsito de informação e conhecimento? O uso do nome Núcleo do Dirceu, que representa um coletivo de artistas, não seria um direito básico do grupo? Dirigir um teatro não significa dar uma “direção”? Ao invés de ser apenas uma espécie de gerência administrativa, que cumpre ordens de seu “superior”? O que significaria a expressão: “empregado da prefeitura”? Seria uma pessoa/artista que deve se subordinar totalmente (abrindo mão de seu posicionamento político e artístico) por medo de perder o emprego? Não é estranho considerar que toda a diversidade cultural de uma cidade deve passar pelo crivo de um indivíduo que declaradamente não está aberto a experiências culturais diversas? Se a prefeitura pode ser parceira de empresas privadas em serviços como limpeza pública, segurança, porque não pode com a cultura, neste caso com uma Instituição privada sem fins lucrativos? Se havia de fato alguma irregularidade nesta relação, por que os artistas e a direção do TMJP2 não foram demitidos? Desenvolvimento é Liberdade. Permanecer é transformar-se. INSTITUTO PUNARÉ / NÚCLEO DO DIRCEUwww.nucleododirceu.comLeer más…
Publicado por idanca.net - 19/03/2009
por Gustavo BitencourtPara ver versión en portugués entraraquí
Ante la oficialización de acuerdos ortográficos y escasez de buenos nombres en los espectáculos de la escena contemporánea brasilera, creí que sería una buena oportunidad para pensar cómo son elaborados y definidos los títulos de nuestras piezas. Con esa preocupación, procuré esbozar algunas orientaciones simples, pero que creo, pueden ayudar a la hora de escoger. Estas pistas no solo sirven para espectáculos, sino que también pueden ser adaptadas para performances, intervenciones, instalaciones, además de congresos, encuentros, muestras y festivales. Entonces:
1. Evite títulos llenos de puntos, paréntesis, corchetes, o cosas similares. No puede: (In)body, Ex.pe.ri.men.to, Corp[o]rea[l] etc. Esto no es genial, no agrada al público, no mejora el trabajo y complica la vida del pobre periodista que redacta la agenda cultural. Tampoco es indicado mezclar indiscriminadamente mayúsculas y minúsculas (por ejemplo, eXpeRiMenTO iNcorpÓreO), o utilizar cualquier signo gráfico que no sea una letra, puntuación o acento.
2. No use la palabra “cuerpo”, como nombre del espectáculo así como "actualmente" para empezar la composición en el examen de ingreso para la universidad. Si hiciera mucha falta, podría sustituirlo por “puerco”, tornando a su producto cultural más atrayente para cualquier público que desee convocar.
3. Los nombres en inglés también deben ser evitados. Si fuera muy necesario tradúzcalos, o mezcle inglés con otros idiomas; lo mejor realmente sería la propia lengual. Si quiere que su obra tenga inclusión internacional, recuerde que hoy un nombre italiano, español o portugués es visto con más simpatía. Si tuviera algún carácter étnico, procure usar yoruba o guaraní.
4. El nombre no necesita explicar o sintetizar lo que el público verá. El nombre ya es parte de la pieza y, casi siempre, es más importante. Todo depende de esto. Es la primera cosa que el espectador verá, y en muchos casos, la única que recordará después.
5. Evite referencias a los recientes avances tecnológicos. A no ser en casos muy específicos, no deben incluirse en la nomenclatura (y preferentemente tampoco en el trabajo) términos como “digitales”, “virtuales”, “mediáticos”, “holográficos” - principalmente si estuvieran como plural. A decir verdad, el plural debe ser usado con bastante discreción.
6. No emplee, excepto por ironía, palabras reconocidas en su uso poético, como: “tempestad”, “etéreo”, “mirada”, “dulce”, “efluvio”, “translúcido”, “hoguera”, “crepitar”, “sinuoso”, “sutil” etc.
7. Algo de humor puede ser bienvenido si es bueno.
8. No son recomendables las referencias al tiempo y el espacio, cualquier relación entre estos, cualquier relación entre estos y cualquier otra cosa. No se puede: Espacios expandidos, Tiempos coe(x)istentes, (No)-lugares ex(p)andidos, E(s)pa(ci)os-Tiemp(os),… por ahí va. Sustantivos como “territorio”, tanto como otros que remiten a esa idea (por ejemplo, “mapa”, “trayectoria”, “trayecto”), todavía serán aceptados en los próximos dos o tres años. Sin embargo, si no quisiera tomarse el trabajo de cambiar el nombre de su espectáculo, evítelo desde ahora. Nunca se sabe por cuánto tiempo será necesario presentar la misma pieza.
9. Al usar un título muy largo, procure imaginar como su trabajo será nombrado día a día. Digamos que usted, con mucho esfuerzo, llega a un nombre que le gusta, por ejemplo, “Corpo frito em berço de rúcula com pirão de baiacu”. Considere que, en la práctica, su espectáculo será llamado “Corpo – termo” y, como ya vimos, debe ser evitado.
10. Si no fuera posible encontrar un nombre que le agrade hasta la hora de escribir el dossier de prensa, un recurso interesante es escoger aleatóriamente una frase de algún libro de Bukowski. Otra cosa que puede funcionar es abrir al azar libros de arqueología, ingeniería electrónica, mecánica de automóviles, etc. Si no encontrara respuesta o no dispusiera de libros, es posible usar “Bukowski”, “ingeniería”, “automóviles” tanto como términos de búsqueda en Google[1].
Por último, es importante decir que la elección del título es tan importante como ensayar, producir y presentar. Un buen título no favorece solo a su trabajo, sino que también ayuda a embellecer los circuitos culturales de nuestro país. Por lo tanto, escoja con responsabilidad.
[1] Yo mismo hice la experiencia, buscando esos términos en conjunto. Logré excelentes resultados en las primeras páginas. Algunos ejemplos: “Una tecnología barata y limpia”, “Charles en falta”, “Bukowski estaba errado: lava platos”, “Coktel”, “El arte del engaño en términos técnicos”, “João Gilberto, ese hijo de puta”, “Varias cosas que no se hacer en la vida”, “La maquina de coger (106 views)”.
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Publicado por ALTERNATIVA el 9 de Abril de 2009 a las 6:00am
SumillaLa Sección de Elaboración de Proyectos ALTERNATIVANDANZAS en colaboración con la Escuela de Danza Contemporánea Andanzas – PUCP viene realizando desde el 2006 proyectos de desarrollo e inclusión social a través de la danza contemporánea.La Sección busca generar espacios para el desarrollo de actividades artístico culturales en sectores vulnerables de la sociedad tanto urbanos como rurales. Es así como surge el proyecto “La danza en espacios alternativos, una opción diferente”, el cual se aborda bajo tres enfoques: pedagógico, artístico y de intercambio cultural.La presencia de alternativas interesantes e innovadoras, en sociedades heterogéneas como la nuestra, ofrece nuevas oportunidades y caminos para el desarrollo integral tanto del individuo como de su sociedad.La práctica y difusión de la danza en diversos sectores vulnerables, busca fomentar la valoración del arte y la cultura desarrollando autonomía y liderazgo, a través de la promoción de valores como la solidaridad, la responsabilidad, la democracia y la equidad.1. Información general1.1 Institución formuladora y ejecutoraALTERNATIVANDANZAS, Sección de elaboración de proyectos de la Escuela de danza contemporánea ANDANZAS – PUCP.Desde el 2006 la Sección viene realizando distintos proyectos de desarrollo social a través del arte con énfasis en la danza creativa. Las tres coordinadoras y responsables de proyectos se encuentran en la etapa final de su formación como bailarinas en la Escuela y forman parte del elenco artístico de ANDANZAS, teniendo múltiples ámbitos de interés, en lo que se refiere a producción cultural, enseñanza y temas relacionados con la responsabilidad social.ALTERNATIVANDANZAS tiene como fin lograr que la práctica y difusión de la danza creativa contribuyan en el desarrollo social y cultural del país, a través de la difusión de presentaciones artísticas así como del dictado de talleres de danza creativa. De esta manera, se espera promover el intercambio cultural entre los grupos participantes.ALTERNATIVANDANZAS tiene dos líneas de acción: la Educación por el Arte y la Inclusión Social, las cuales son el eje principal de los proyectos de danza.Al enmarcarnos dentro de la educación por el arte buscamos desarrollar dos capacidades básicas:• La expresión artística, en la cual se busca guiar al participante hacia una construcción sólida de su identidad así como fomentar su sensibilización a través de temas y dinámicas que ayuden a expresar sus opiniones y sentimientos.• La apreciación artística, espacio en el cual el participante observa, intuye e interpreta los contenidos expresados. De esta manera se pretende colocar al participante no sólo como ejecutor del arte sino también como observador y crítico, aprendiendo a valorar este tipo de expresiones artísticas.Dentro de la línea de la inclusión social consideramos necesario que todos los ciudadanos tengan acceso a los mismos recursos y oportunidades en relación a la salud, educación y cultura con el objetivo primordial de mejorar los índices de calidad de vida y promover la integración social.La metodología inclusiva nos diferencia de propuestas que extraen a las personas de su entorno habitual y por ende de sus relaciones más cercanas, para ofrecerles una formación artística de calidad, pero ajena a la realidad social que ellos enfrentan día a día. Nuestra propuesta es a largo plazo y aspira a que, a través de la difusión de la danza como disciplina artística que comporta los valores antes mencionados, se fortalezcan los lazos de confianza, el diálogo cultural, el sentido de pertenencia a una comunidad y la construcción de una ciudadanía responsable.En cuanto al contenido de danza de los talleres, es importante mencionar que consideramos que la danza creativa, se diferencia de la danza contemporánea por el énfasis en las dinámicas de sensibilización y creatividad.1.2 Institución Patrocinadora: ESCUELA DE DANZA CONTEMPORÁNEA – ANDANZAS PUCPLa Pontificia Universidad Católica del Perú a través de la consolidación de la Escuela de Danza Contemporánea, ANDANZAS-PUCP viene desarrollando proyectos de difusión y formación en danza contemporánea desde 1994. La formación involucra a todo un equipo de bailarines, artistas visuales y escénicos que por medio de la danza desarrollan innovadores proyectos coreográficos. La Escuela Andanzas funciona bajo la dirección de Mirella Carbone.1.3 Información InstitucionalALTERNATIVANDANZASSección de Elaboración de ProyectosPersonas Responsables: Inés Coronado, Lucía Bacigalupo, Mayra ValcárcelDirección: Av. Universitaria 1801, San MiguelTeléfono: 626-2000 anexo 35509922 70634/ 9936 02286/ 9964 30923Correo Electrónico: alternativandanzas@pucp.edu.pewww.alternativandanzas.blogspot.com2. JustificaciónEn una sociedad como la peruana, golpeada en el pasado por la violencia política y estragada en el presente por diferentes formas de corrupción, es necesario comenzar a generar espacios que le permitan, al ser humano, construir creativamente su identidad, permitiéndole cerrar y regenerar aspectos no resueltos de la realidad.Sin embargo, se percibe una gran falta de interés de parte de las políticas públicas en la realización y difusión de actividades artístico-culturales que podrían facilitar este logro. Esta carencia se hace aún más evidente en los sectores socio-económicos de menores ingresos de la ciudad de Lima. Las pocas instituciones, como escuelas particulares, que ofrecen talleres de danza contemporánea y bienestar corporal se encuentran centralizadas en los distritos más pudientes de la ciudad de Lima. Otra posibilidad de acceder a este tipo de formación artística la ofrecen algunas universidades privadas a las cuales sólo tiene acceso una minoría de la población limeña.La presencia de alternativas interesantes e innovadoras ofrece nuevas oportunidades y caminos para el desarrollo integral tanto del individuo como de su sociedad.La danza creativa y el movimiento abstraen y traducen la realidad en nuevos códigos, permitiendo dar una mirada integral, por medio de lo racional y lo emocional, a todo tipo de temas. Al ser un arte cuyo medio de expresión fundamental es el cuerpo, la danza posibilita, al individuo, un acceso a su mundo interior, de una manera cercana, profunda y consciente.La práctica y difusión de este arte en diversos sectores vulnerables, busca fomentar la valoración del arte y la cultura desarrollando autonomía y liderazgo, a través de la promoción de valores como la solidaridad, la responsabilidad, la democracia y la equidad.3. Objetivos3.1 Objetivo GeneralGenerar espacios para el desarrollo de actividades artístico - culturales a través de la danza en sectores vulnerables tanto urbanos como rurales.3.2 Objetivos específicos• Aborde pedagógico: dar a conocer las principales herramientas del trabajo corporal, a través de talleres, proporcionando los elementos teórico - prácticos suficientes para acercarse al mundo de la danza y sus códigos.• Aborde artístico: promover la valoración del lenguaje de la danza como un camino para la exploración, innovación y búsqueda de nuevas estéticas, ofreciendo, a través de talleres y presentaciones, un espacio para el desarrollo de procesos de creación.• Aborde de intercambio cultural: Propiciar el acercamiento y el diálogo entre propuestas artísticas de distintos grupos culturales.4. EstrategiasLa principal estrategia de funcionamiento se plantea desde una perspectiva de colaboración con los principales actores de una comunidad. Esto consiste en propiciar el diálogo con las autoridades, el contacto con personas influyentes, establecer convenios con instituciones gubernamentales y privadas, entre otras.Otra de las estrategias para el acercamiento de la danza a la comunidad, consiste en la difusión de presentaciones y conversatorios de danza contemporánea en sectores vulnerables.En cuanto a la estrategia de trabajo esta consiste en el dictado de talleres de danza creativa y la generación de espacios para el desarrollo de procesos de creación en danza. Esta estrategia se espera aplicar en centros educativos, casas culturales, municipios, centros parroquiales, centros de salud, etc.En cuanto a las líneas de acción, la Sección ALTERNATIVANDANZAS, considera la Educación por el Arte como un sistema educativo en el cual el arte es un medio, un instrumento para observar al participante como el ser global que es. Este sistema suele ser muy efectivo y adecuado en el aprendizaje de nuevos conocimientos, ya que trabaja con muchos elementos a la vez: lo cognitivo, la ética, el afecto, lo social, el cuerpo y finalmente lo lúdico que es lo más importante ya que reafirma al adulto el placer de vivir. Esta educación potencia los recursos expresivos del individuo.En cuanto a Inclusión Social consideramos que es una manera efectiva de participación en una democracia. Ésta debería consistir en la implementación de políticas públicas encaminadas a la vinculación de TODOS los miembros de la sociedad para la participación de los beneficios que ésta adquiere. De esta manera, su principal característica es que desconoce la discriminación, además de procurar satisfacer por todos los medios los requerimientos sociales, económicos, políticos y culturales teniendo como principal fundamento la singularidad y la legitimidad de la diferencia. Por lo tanto, frente a la escasez de políticas públicas enfocadas en programas de inclusión social efectivos, la Sección ALTERNATIVANDANZAS toma esta línea de acción enfatizando su trabajo en los rubros de educación, arte y cultura.5. Fases de los proyectosFase 1• Contacto con la comunidad• Gestión financiamiento• PlanificaciónFase 2• Producción/EjecuciónFase 3• Evaluación• Sistematización• Publicación6. SostenibilidadTeniendo en cuenta que la propuesta de este proyecto consiste en acercarse a las lógicas locales, reconociendo a los líderes y haciendo uso de las redes sociales, se espera que se genere una continuidad en la transmisión de los conocimientos compartidos. De esta manera, se espera que los objetivos principales del proyecto sean asumidos por los líderes locales generando mayor capacidad de organización para este tipo de actividades dentro de la comunidad.Por ejemplo, los contenidos didácticos de los talleres pueden ser reutilizados por los participantes en contextos similares. De esta manera se espera realizar una mínima capacitación no solo como ejecutores de la danza sino también como transmisores del interés por la danza como arte y como experiencia de vida, capaces de organizar eventos involucrados con ella (efecto multiplicador). Es decir generar un entusiasmo colectivo que se adapte a las condiciones que les ofrece su medio, sin pretender que la danza sea el principal interés en su vida, pero que si forme parte de un espacio de desarrollo personal.Asimismo se espera lograr la inclusión de programaciones artísticas en las políticas públicas y de esta manera implementar los espacios necesarios para difundir e impartir los talleres y así asegurar la continuidad de la propuesta. Además, uno de los beneficios de este proyecto es que no se requiere de una infraestructura y materiales costosos para su realización.7. Áreas de intervención:1. Sector urbano: las principales áreas de intervención son las zonas periféricas de la ciudad de Lima, también llamadas sectores vulnerables.2. Sector rural: todas las zonas fuera de los circuitos urbanos del interior del país.3. Sector regional: existe un vínculo con el proyecto regional “LAZOS, la danza en contacto con sectores vulnerables”. Este vínculo ofrece la posibilidad de que el proyecto se lleve a cabo en los países pertenecientes a LAZOS.8. EquipoCoordinadoras:• Lucía Bacigalupo (25 años) Alumna de la Escuela desde 2001 y miembro del Elenco de Andanzas-PUCP. Estudios profesionales de Danza en Barcelona y Berlín en el 2005. Egresada de la Especialidad de Antropología de la PUCP. Área de interés: Desarrollo y promoción social / Danza-Educación / Investigación y creación en danza• Inés Coronado (25 años) Alumna de la Escuela desde 2003 y miembro del Elenco de Andanzas-PUCP. Docente del Área de danza Andanzas-PUCP desde 2008. Diploma “8° grade Award for Girls” del Royal Academy of Dancing de Londres. Área de interés: Danza-Educación / Desarrollo y promoción social/ Investigación y creación en danza contemporánea.• Mayra Valcárcel (29 años) Alumna de la Escuela desde 1999 y miembro del Elenco de Andanzas-PUCP. Trabajó como asistente del Área administrativa de Andanzas hasta el 2006, en la producción de festivales y actividades culturales organizadas por Andanzas. Egresada de la Especialidad de Economía de la PUCP. Área de interés: Producción Cultural / Danza-Educación / Investigación y creación en danza.Asistencia de producción:• Ana Cecilia Chung (24 años) Alumna de la Escuela desde 2004 miembro del Elenco de Andanzas-PUCP. Diploma “5° grade for Girls” del Royal Academy of Dancing de Londres. Área de interés: Producción Cultural / Danza-Educación9. Cuadro actividades 2009Enero• Pre-producción Festival "Fronteras"• Planificación ‘Danza en el carmen’/ FinanciamientoFebrero• Producción y gestión "Fronteras"• Gestión financiamiento ‘Danza en El Carmen’• Inicio Festival Internacional de Arte "Fronteras"Marzo• Continuación y cierre "Fronteras"• Evaluación/Sistematización y publicación de informeAbril• Planificación y gestión de ‘Danza en El Carmen’• Planificación Segundo Encuentro Proyecto Lazos - Cochabamba '09Mayo• Creación obra artística Alternativandanzas• Gestión y pre-producción "Danza en El Carmen"Junio• Pre - producción ‘Danza en El Carmen’Julio• Producción ‘Danza en El Carmen’Agosto• Danza en el carmen /Etapa de entrenamiento• Danza en el carmen / Etapa de creaciónSetiembre• Danza en El Carmen /circuito Chincha-Ica• Danza en El Carmen / circuito Lima• Encuentro Lazos - Cochabamba '09• Danza en El Carmen /circuito CochabambaOctubre• Evaluación, sistematización y publicación de informeNoviembre• Planificación 2010Diciembre• Memoria 200910. OrganigramaALTERNATIVANDANZASLA SECCION DE ELABORACION DE PROYECTOSEscuela de Danza Contemporánea, Andanzas – PUCPPROYECTOS 2009:Sector Internacional: Proyecto LAZOSSector Urbano: Danza en Nuevo Pachacútec (Ventanilla) / Festival Internacional de Arte "Fronteras"Sector Rural: Danza en El Carmen
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Publicado por Claudia Pisani el 9 de Abril de 2009 a las 2:50am
Idea y Dirección Lic. Ruth Ortiz de Rosas Cia. PULSIONES Creada en Bahía Blanca en el 2003 por la Lic en Terapia Ocupacional y Profesora de Expresión Corporal Ruth Ortiz de Rosas, Pulsiones incluye personas con y sin discapacidad física en un proyecto artístico que tiene como propósito mostrar la singularidad de cada persona desde la estética de la danza. Actualmente está compuesta por 12 bailarines que oscilan entre los 12 y 72 años y fue oficializado como proyecto de extensión universitario en el 2007 en la Universidad Nacional del Sur. Link: https://www.youtube.com/watch?v=zAMx18I-qt4 PULSIONES EN EL CLUB DEL TEATRO. La Cia. de danza inclusiva Pulsiones compartirá dos clases abiertas a personas con y sin discapacidad, coordinadas por la Lic. en Terapia Ocupacional y Prof. de Expresión Corporal. Ruth Ortiz de Rosas. No es necesario contar con experiencia previa. HORARIOS: VIERNES 17 DE ABRIL DE 19 A 22 HRS. SÁBADO 18 DE ABRIL DE 15 A 18 HRS. Costo: clase $50 / 2 clases $ 80 En las clases abiertas se experimentarán técnicas de Sensopercepción e Improvisación, explorando las sensaciones del movimiento, para llegar a la danza natural, dejando de lado los artificios de la belleza pre-condicionada. Movimiento – Observación. Acción / respuesta . Conversación no verbal. Experimentación de la causa y el efecto Experimentación del efecto del movimiento de cada persona en la danza colectiva Interpretación del movimiento Liderar y ser liderado. Trabajo de acercamiento Traducción de la sensación a través del contacto con la piel. Peso.Forma.Diseño. LA CIA.PULSIONES PRESENTARÁ SU MUESTRA ESCENICA EL SÁBADO 18 DE ABRIL A LAS 21:30 HRS. EN EL CLUB DEL TEATRO . valor entrada $20. INFORMES E INSCRIPCION : EL CLUB DEL TEATRO- RIVADAVIA 3422-MAR DEL PLATA- TEL 475-8790- E.Mail: elclubdelteatroQyahoo.com.ar HORARIOS DE ATENCION LUNES A VIERNES DE 17 A 20.30. AUSPICIA: DIRECCION GRAL.DE PROMOCION DE LA IGUALDAD Y PREVENCION CONTRA LA DISCRIMINACION
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